Участники

ЭССЕ ПО КАРТИНЕ ПОЛЯ ГОГЕНА «ИСТОЧНИК ПРЕСНОЙ ВОДЫ» Вселенная по кругу бродит. Создав из хаоса мирок, Она под ним черту подводит, Остыв к игре как опытный игрок Снося уродливые стены Строений нашего «сейчас», Верша над ними перемены, Ломает прошлого каркас Твои мечты, переживанья Крича и затихая в тьмах, Уйдут не донеся посланья, Поместятся в ее руках Она пропьет тебя иль обменяет, Пролив из чарки млечный путь, Землю и небо разровняет, Оставив только корень, только суть Но разрушенье не напрасно. Стряхнув ороговевшие мотивы, Она возьмется снова страстно Вносить в созданье коррективы И вот: Пред нами новый мир. Готов расцвесть и спеть. Ужаснейшая из сатир: Рожденный, чтобы умереть Разваренная атмосфера рая витает над островом. Солнце вспенило теплыми розоватыми оттенками растительность, из-за чего она стала казаться воздушной, словно комья ваты развесили на ветках. Люди слоняются, пытаясь найти спасительную прохладу, попутно втирая теплый свет в траву голыми подошвами ног. Даже здесь в этом тихом уголке, где блаженство звенит в воздухе, а жизнь течет равномерно, есть свои циклы с началом и последующим ему концом. Во-первых, это река – символ жизни, которая течет вдоль картины, показывая принадлежность поселян к бурному, склоненному к природе существованию. Таитяне верили в бога Фатеа, имеющего вид полурыбы-получеловека, который мог нести в себе как благодать, так и беды. Следовательно, вода- это источник бесконечной радости и сопутствующей ей печали. Второй круг выстроен благодаря композиции и противопоставляет, как ни странно, христианство и местную веру. На переднем плане - девушка вкушает плод, что во многих культурах означает плодородие, беременность. Оглядываясь на библию, мы можем предположить, что это Ева. Противоположностью этого земного образа, рядом находится духовный – островитянка с присущим иконам нимбом на голове. Там, в отдалении, пляшут разноцветными пятнами женщины-они представляют собой идолопоклонниц, последовательниц чуждого Гогену бога. Между ними –островитяне, находящиеся как бы между двух огней, разных верований. У Гогена складывались непростые отношения с религией, некоторые даже считали его богохульником. А все потому, что живописец видел веру по-своему, в особой интерпретации. Непонятно было современникам и исполнение его картин, ранние работы в технике импрессионизм сменились дробными, неестественных цветов и форм фигурами таитянок. Что отталкивало современного ему зрителя? Некомфортное ощущение фантастического и смутно понятного? Дикая жизнь иноземцев? И почему Гоген бежал от христианства, чтобы вернуться к нему? Ответ лежит где-то меж мазков этого жгучего, тропического полотна.

ЭССЕ ПО КАРТИНЕ ПОЛЯ ГОГЕНА «ОТКУДА МЫ ПРИШЛИ? КТО МЫ? КУДА МЫ ИДЁМ?» Куда идёт этот мужчина в строгом костюме охристо- зелёного цвета? Он так же необычен, как и место, в котором он находится. Здесь тысячи былых пустых коридоров и миллионы дверей, каждая не похожая на другие. По такой двери запросто можно догадаться, что находится за ней. Вот дверь, на которой повешено так много ручек, что навряд ли определишь, которая всё - таки откроет её, вот очень маленькая дверь очень нежных цветов, а вот дверь, заколоченная досками и в придачу с несколькими навесными замками на цепях: «Хм… Интересно, что она скрывает?» А тем временем эта загадочная персона остановилась у одной из дверей, такой же строгой без единого изъяна. Он поправил свой галстук и вошёл в комнату. Она была уставлена стеллажами с книгами, расставленными по алфавитному порядку. И только слабый свет огня из камина освещал это помещение. Перед ним стояли два кресла, в одном из них уже сидел другой мужчина. Его костюм был слегка порван и не отглажен, да и сам владелиц этого наряда смотрелся как-то потрёпано. Мужчина, вошедший в комнату тихо сел на свободное кресло и устремил свой взгляд на картину, висевшую над камином. -Не правда ли она замечательна, друг мой? - спросил мужчина у своего не опрятного собеседника. -Да, она великолепна. Меня всегда удивляло как на обычном холсте с помощью кисточки и в данном случае масляных красок можно написать такую многофигурную картину. Хотя эта картина почти не имеет динамики, ритм и колорит весьма хорошо удались автору своего детища. А вам случайно не известен автор этого произведения искусства? -Создатель этой картины Поль Гоген - французский признанный в своё время живописец, скульптор и график. Большинство его работ написано в стиле постимпрессионизма, в том числе и эта картина бытового жанра. Родился 7 июня 1848 года в Париже. Позже по инициативе отца семья Поля переехала в Перу. Его детство было счастливым, единственное, что немного омрачило это беззаботное время – это смерть отца от сердечного приступа. В свои семь лет он с матерью возвращается во Францию. Там Поль осел и обзавёлся семьёй. Но его стали тянуть к себе яркие краски Африки, и бросив семью, он отправился на Таити где, женится на местной девушке. Несмотря на болезни, одолевавшие его, здесь он написал свои лучшие работы. На этом же острове он и умирает в 1849 году. -Не слишком длинную жизнь он прожил, - отметил джентльмен в мятом костюме. Человек в охристо- зелёном костюме не продолжил этот разговор, а стал внимательно всматриваться в картину. -А вам не кажется, что сам автор картины в названии нам задаёт прямые вопросы, на которые нам надо ответить? - проснувшись из своего анабиоза, спросил опрятный мужчина у своего друга. -Извиняюсь за свои столь малые познания в искусстве, но как называется эта картина? -Её название «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?» Эти вопросы как будто вызов или загадки, которые надо решить. -Может быть, нам стоить попытаться найти ответы в картине. -Да, это мысль. И ещё я думаю нам надо начать «читать» это произведение с правого края, потому что Гоген увлекался каббалистическими текстами. Так что первое вам бросается в глаза в правом углу картины, друг мой? -Младенец и три сидящие рядом с ним женщины. -А ведь новорождённый ребёнок это всегда что-то новое чистое, ничего, не знающее создание. Младенец – это изначальное материя, из которой жизнь вылепит определённую форму. Ну, а что насчёт женщин. Они являются уже сознательным пребыванием этой самой материи на земле. - А вы заметили чёрную собаку, охраняющую этих четырёх, - продолжил мужчина в чистом костюме, - На первый взгляд собака – это доброе, дружелюбное и ласковое создание, но её чёрный цвет превращает эти качества в абсолютно обратное. Теперь собака символизирует нечистоту и опасности, поджидающие это новорождённое создание. -Интересная теория. Мне хочется дослушать её до конца - сказал, поправляя мятые карманы второй мужчина. -Тогда я продолжу. Теперь мы переместим свой взгляд левее и видим мужчину, старающегося достать яблоко с дерева. С одной стороны, яблоко символизирует приземлённость и только стремление выжить, а с другой оно олицетворяет духовный мир – рай. Смотря, что найдёт мужчина в этом плоде так дальше и пойдет его жизнь. Можно сказать, он стоит на перепутье, - тут мужчина остановился и снова стал всматриваться в картину. Найдя, как видно следующий элемент его рассуждений, он продолжил, - Гоген как раз и показывает оба разветвления при каждом выборе. Начну с самого короткого. Цель людей, выбравших этот путь – получение материальных ценностей и земных наслаждений. Как раз начало этого пути олицетворяет юноша вкушающий плод в окружении земных тварей. Так же, как и животные, он удовлетворяет только физические потребности. А обнажённая женщина рядом с ним символизирует достижение полного наслаждения от материального мира. С этим закончили, перейдём к более длинному пути. Если же мужчина, срывающий яблоко переборет соблазны материального мира, тогда он начнёт постигать законы духовного мира. Первой стадия постижения этого мира - это стремление к знаниям и множество вопросов, на которые люди, выбравшие духовный путь ищут ответы. Этот этап как раз показывается в виде мужчины, положившем руку на голову как бы в раздумьях. На дальнем плане можно увидеть две фигуры в красном они как будто на время отделились от общества для нахождения ответов на вопросы, которые, когда–то задавали себе. Они и символизируют следующий этап к духовному просвещению. А заканчивает этот духовный путь - женщина в черном на дальнем плане. Чёрный цвет у африканских народов – смерть, болезни, тьма. Эта женщина даёт знать, что ей всё равно, что она умрёт, она знает, что жизнь не прожита зря значит, может быть, смерть является продолжением жизни. Если же человек сумеет пройти весь этот путь, то он навсегда отпечатается в мировой истории. Символом этого, как и является статуя, сливающаяся с окружением. Эта пожилая измученная женщина является единожды концом этих двух путей – неизбежной смертью нашего тела. А птица, держащая в когтях ящерку рядом со старухой олицетворение смертного часа. Не удивительно, что Поль Гоген захотел покончить с жизнью после завершения этой картины. Мужчина в охристо–зелёном костюме, наконец, закончил свою длинную речь. Знаете, меня переполняют противоречивые чувства: с одной стороны, картина проста в своём исполнении, но с другой эта сама простота и предаёт изюминку этой работе.

ЭССЕ ПО КАРТИНЕ ПОЛЯ ГОГЕНА «ОТКУДА МЫ ПРИШЛИ? КТО МЫ? КУДА МЫ ИДЁМ?» Эжен Анри Поль Гоген – французский художник 19 века, представитель постимпрессионизма. Слава к нему пришла лишь после смерти. Жизнь Гогена не была столь светлой и радостной. Он был вынужден бороться за существование, нищенствовать. Но, несмотря на это, он не переставал творить, он чувствовал вдохновение, порыв к творчеству и неустанно создавал всё новые и новые произведения. Творчество Гогена наполнено его чувствами, каждая картина пропитана переживаниями и сложными вопросами, которые себе задавал художник. Поль рьяно увлекался философскими темами, такими, как: в чём смысл жизни? Как появился человек на этот свет? Есть ли жизнь после смерти? Он часто писал тематические картины, которые содержали в себе множество символов, что позволяло внимательным зрителям легче понять чувства художника, вложенные в творенье. Одним из таких произведений является картина «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?», что несёт за собой мрачную историю попытки самоубийства её создателя. Данная картина очень интересна, её можно долго рассматривать, пытаясь открыть все её тайны. Художник для её исполнения использовал холодные цвета, играя с контрастностью на переднем плане. На картине изображены 18 фигур, и каждая из них расположена так, чтобы было невозможно разбить произведение на части. Этот приём показывает профессиональность художника в композиции. В целом картина создаёт впечатление чего-то мрачного и даже немного грязного и порочного. Центром композиции является мужчина, срывающий плод с дерева. Его фигура вытянута от низа до самого верха картины. Можно увидеть необычность пропорций, что использует художник. Мужчина выглядит вытянутым вверх, но при этом его фигура не худощава. Этот человек, как и все остальные люди, изображённые на картине, имеет монголоидную внешность. Его кожа отливает жёлтым цветом, что заставляет думать, что он загорелый. Мужчина жестом показывает свою тягу к познанию нового, он ищет ответы, пытается докопаться до истины. За ним изображена фигура с поднятой вверх рукой. На мой взгляд, данный человек символизирует обречённость. Он пытается смириться, что не смог найти ответы на все свои вопросы. На дальнем плане видны две фигуры в красном. Они находятся в тени, будто бы скрывают какие-то тайны. Мне кажется, что они символизируют мудрецов, философов, что смогли раскрыть тайны мира. Крайней правой фигурой является собака. Как я смогла узнать, собака – это символ бед. Жизнь художника, как и жизнь любого другого человека, была наполнена сложностями, которые приходилось преодолевать. Чуть левее от собаки, на камне лежит спящий ребёнок. Он находится в блаженном сне, не знает бед. Он только в начале своей жизни. Рядом с ребёнком на земле сидят три женщины. Их лица спокойны, они просто наблюдают за сном маленького человечка и не задумываются о сложных вопросах. По левую сторону от центра композиции написана птица. Гоген добавил её, как символ духовного развития и самопознания. Так как художник был увлечён религиями, этот символ имеет не менее значимое место в картине. На дальнем плане изображена женщина в чёрном одеянии. Она выглядит отречённой, будто бы она даже вовсе и не часть композиции. Её чёрная фигура наталкивает на мысль об обречённости людей, о неизбежности страданий, за которыми настанет радостный покой. Около этой женщины стоит статуя божества. Почти во всех религиях изображение какой-то светлой сущности обозначает надежду. Недаром говорится, что надежда умирает последней. Она тянется нитью вдоль всей жизни и помогает в трудные минуты, даёт силы идти дальше. В левой части картины на переднем плане изображены несколько фигур. Правее всех на голой земле сидит подросток и поедает плод. То, что он ест, значит, что юноша принадлежит к материальному миру. Он не затрагивает темы просветления и духовного развития. Вокруг подростка находятся животные. Они выступают ещё одним символом материальности. Животными правят инстинкты, они не нуждаются в увеличении своих познаний и духовных ценностей. Левее изображена обнажённая женщина. Она не прикрывает наготу, тем самым показывая свою причастность к земному миру. В ней нет души, есть лишь только тело. В крайнем левом углу доживает последние часы старуха. Она заставляет задуматься о неизбежность старения и смерти. Старая женщина несчастна, она не знает, чего ей ожидать после смерти и, возможно, боится этой неизвестности. Просматривая картину слева направо можно увидеть цикл жизни. Мы все рождаемся, идём по жизни своим путём и неизбежно умираем, не зная, чего ожидать дальше. Творчество Гогена ещё никогда не вызывало у меня так много эмоций. Картина «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?» дало мне растолкование некоторых вечных вопросов. В ней я увидела отображение своей жизни, жизни моих близких и многих других людей. Смотря на неё, я чувствую грусть. Но, думаю, художник и не хотел развеселить кого-либо своим творением. Он затронул очень сложные темы и сумел их раскрыть, растолковать. Гоген дал возможность людям, смотрящим на эту картину, попытаться понять свои ошибки, исправить их. И сейчас я понимаю, что Гоген поистине великий художник.

ЭССЕ ПО КАРТИНЕ ПОЛЯ ГОГЕНА «ГОРЫ НА ТАИТИ» Искусство…Как много тайн хранит в себе это слово. И чем глубже погружаться в историю, тем больше появляется соблазна и желания открыть «дверь в неизвестность». Сегодня, нам удалось приоткрыть одну из дверей великого искусства. Позвольте представить – Эжен Анри Поль Гоген – французский живописец, скульптор-керамист и график. Свой путь великий творец начал живописью, позже – импрессионизмом. Но сейчас, Поль Гоген известен как один из крупнейших представителей постимпрессионизма, наравне с Сезанном и Ван Гогом. Его картины были наполнены любовью к природе, к людям, к жизни, но не пользовались большим спросом, и сам художник был беден. Только после его смерти, весь мир узнал о таком чудесном творце. Что же такое постимпрессионизм? Давайте познакомимся с этим понятием чуть поближе. Несомненно, это направление в искусстве, которое не характеризуется сиюминутными глубокими чувствами и эмоциями, как импрессионизм, но и в своём роде не похоже на натуралистическое изображение – художники не стремились изображать зримую действительность. К нам в руки попала одна из его картин – «Горы на Таити». Жанр этого произведения пейзаж, что означает изображение природы. Пейзажи имели немаловажное значение в творчестве Поль Гогена. Пейзаж «Горы на Таити» написан постимпрессионистом Гогеном в 1893 году. Если присмотреться, то можно заметить на заднем плане высокие горы, которые чуть ли не касаются своими вершинами неба. Но бездвижны ли они? Кажется, будто они медленно, вместе с облаками, что витают ниже, не спеша двигаются в неизвестном нам направлении. Близ стоящие деревья стоят на месте, будто впали в какой-то сладкий сон, создавая ощущение безмятежности и покоя. По-другому ощущается течение времени – оно неспешно окутывает нас с головой, медленно сыплется сквозь картину. В глаза сразу бросается тёплый, летний колорит, который в полной мере описывает природу и состояние этого фантастического места. Яркие краски, жгучий воздух, палящее солнце – это ли не настоящий рай? Несмотря на большое количество цвета, картина остается легкой, не загруженной. Без внимания нельзя оставить образ, заложенный в это произведение. Поль Гогену удалось создать образ мягкой, но в то же время дикой, загадочной природы Таити. Она по истине отличается от привычного нам мира – в ней больше теплого солнечного света и яркости красок, много нежных изгибов и линий. Несмотря на пёстрые краски, словно окрас экзотической птицы, чьи перья искрятся под переливами солнца, пейзаж остается безмятежным и спокойным, точно добрая и приветливая улыбка дорого нам человека. В целом, это картина не похожа на другие работы французского художника. Такое гармоничное созвучие человека с окружающим его миром – ещё одна черта творчества Гогена, его первого таитянского периода, который становится последним моментом творения в жизни.

ЭССЕ ПО КАРТИНЕ ПОЛЯ ГОГЕНА «КОГДА ЖЕ ЗАМУЖ?» Меня пленила эта земля и её люди, простые, не испорченные цивилизацией. Чтобы создавать новое, надо обращаться к нашим истокам, к детству человечества. Поль Гоген Моё внимание привлекла картина французского художника постимпрессиониста Поля Гогена «Когда же замуж?», написанная в 1892-м году. Она сразу же притягивает взгляд яркими экзотическими образами девушек и необычным названием картины, в котором слышится вопрос. Интересна история создания картины. Гоген, искатель приключений и необетованной земли, решает уехать от цивилизации на остров Таити. Добравшись туда за несколько месяцев на пароходе, он открыл для себя удивительный мир. Художник окунается в атмосферу первозданной природы и простых в своей естественности, новых для него людей – аборигенов Полинезии, которые станут героями многих его полотен. Как художник, Гоген прошел разные школы живописи. Клуазонизм – это особая манера письма, ставшая основой живописного "синтетического" символизма. Поль Гоген стремился ввести новое понятие синтетизма, где для художника важен внешний вид изображаемого, свои собственные чувства в отношении него, а также статичность линии, цвет и форма изображения. Часто изображаемые образы передавались яркими и сияющими красками. Поль Гоген был очарован Полинезией. Для него она ассоциировалась со свободой, местом, где царит гармония человека и природы. Это был таинственный мир, не похожий на Европу, откуда он родом. На Таити Поль Гоген написал большинство своих работ. Экзотика природы Таити – часть нашего земного мира. Крупнейший остров Французской Полинезии ослепляет всеми цветами радуги. Море, зелень, солнце, буйная тропическая природа придает яркость палитре в его работах. Особой темой для темпераментного живописца были женщины. Гоген не скрывал, что вдохновение он черпал, общаясь с таитянками. Их смуглая кожа, цвет волос, полные губы, округлые формы нашли свое отражение в работах художника. Он передавал свои мысли через лаконичную композицию, в которой важен чёткий контур фигур и цветовая гамма, в которой нет места теням. Обратимся к его работе «Когда же замуж?». На холсте мы видим вдалеке очертания таитянского поселения. Об этом нам говорят затерявшиеся в зелени очертания крыш местных хижин, покрытых травой. Наше воображение живо рисует картины быта местной деревушки. Чуть заметные на дальнем плане фигурки местных жителей привлекают наш взгляд. Их головы покрыты широкополыми шляпами, мы чувствуем, как печёт солнце. На переднем плане изображены крупным планом две девушки – таитянки. Они укрылись в тени дерева. Художник выписывает чёткие контуры фигур, в которых важна каждая деталь. Живописец выбирает для своей работы очень яркие, насыщенные цвета. Он фактически «заливает» землю разноцветной гаммой красок: желтым, синим, зелёным. Две героини как бы противопоставлены друг другу. Одна молода, другая постарше. Юная девушка изящно изогнулась. Она игрива. Её парео выполнено из материи ярко красного цвета с замысловатым рисунком. Белая блуза оголила линию плеча, оттеняя золотистую кожу таитянки. Её убранство дополняет цветок тиаре – символ Таити. Этот благоуханный тропический цветок является символом невинности и чистоты. Украшающий её прическу с левой стороны, он свидетельствует о том, что сердце девушки не свободно. Она влюблена, её глаза блестят. Старшая подруга более сдержана. Её платье похоже на европейский наряд, ткань покрывает плечи, вокруг шеи небольшой воротничок. В её глазах нет блеска, она строга. Своим строгим взглядом, жестом руки она как бы сдерживает нетерпеливый влюблённый порыв младшей, говоря ей "не торопись, будь осторожна". Художник в своей картине ведёт символичный рассказ о женской судьбе. Женщина для Гогена олицетворение любви. И образы героинь – это отображение вечной юности и женской мудрости. Девушки, будто заметив нас, замерли в своих позах. Мы не чувствуем ни дуновения ветерка, ни шороха, лишь тропическое солнце ослепляет нас огромной гаммой красок. Работы художника, посвятившего себя изображению Таити, её природы, её людей, искренних в своей первозданности, оставляют в сердце яркое впечатление от увиденного красочного, затерянного в океане, далёкого мира.

ЭССЕ ПО КАРТИНЕ КАНО ХИДЭЁРИ «ЛЮБОВАНИЕ КЛЁНАМИ НА ГОРЕ ТАКАО» (РОСПИСЬ ШИРМЫ, XVI век) Красота есть строгая соразмерная гармония всех частей, объединяемых тем, чему они принадлежат,- такая, что ни прибавить, ни убавить нельзя, не сделав хуже... Леон Баттиста Альберти Япония – это страна, куда с ветром приносятся новые веяния, куда набегают далёкие волны и бьются о высокие грозные огнедышащие утесы, оживляя их. Японские мастера, стоящие у истоков зарождения искусства, были потрясены и находились под сильнейшим влиянием Китайской культуры, которая включала в себя ремесло владения письмом летописи, архитектуру, литературу и живопись. Высокое искусство каллиграфии, которое на протяжении долгого времени будет ключевым в искусстве восточных стран, в Японии так и останется основным. Китай принес в Японию Веру и затем вытекающее из неё Искусство. Творцы Японии воспринимали своё творчество как свою душу и сущность своего народа в чистом виде. Всё японское искусство – это следствие, шлейф их ни на что не похожей, глубокой философии. Дзен буддизм – это полное слияние с природой, изучение её не способом вмешательства, но способом созерцания и отрешённости от суетливого мира. На протяжении многих столетий японские мастера зрели в сердцевинках своих бутонов. Постепенно, лепесток за лепестком, стали открываться прекрасные, благоухающие цветы и XVI век японского искусства сравним с огромным полем начавших раскрываться диковинных растений. Первые зёрнышки японской живописи с глубоким смыслом определили себя в домашнем обиходе. Японский дом в установленных традициях играет особую роль в культуре всей страны. Архитектура в философии восточных стран: Китая, Японии, Кореи, Вьетнама и т.п., не является делом рук человеческих. Дом или святилище были, скорее, естественным продолжением мира, природы в целом, развивающимся по тем же законам. Огромное внимание в японском доме уделялось ширмам. Они служили разделением двух половин комнат, двух пространств, двух миров, при этом, разделением очень лёгким, ненавязчивым и поддающимся ветру. Если в европейском традиционном доме применялись двери и арки, тяжёлые, монументальные, то в Японии использовались лёгкие, сквозящие ширмы и перегородки, остающиеся верными помощниками неизменным традициям восточных людей. Их дома, где воздух, свет и пространство являются ключевыми аспектами создания архитектуры, служат единственной цели – стать воспроизведением природного, духовного соединения человека с окружающей средой, иллюзией свободы, открытого поля. Такие большие соотношения целостного пространства, простые и ясные, проводят человека вовнутрь дома, в место, где можно почувствовать себя свободно, естественно, в мир тишины, спокойствия и гармонии. Ширмы с панорамными видами Киото – древней столицы Японии, созданные мастером, чьё имя не сохранилось в истории, были зерном, из которого вырастала вся последующая жанровая живопись, в том числе и на ширмах. Живопись на них сейчас воспринимается как произведение искусства, но тогда такое трепетное отношение к своему окружению, глубина человеческой осознанности были совершенно обычным явлением. Создание шедевров на обывательских предметах не являлось редкостью. Как и произведения гениальных композиторов, которые звучали для потехи господ после сытного обеда, и только потом, спустя не один век, стали считаться великими произведениями искусства и наследием всего человечества. Японская живопись не отличается ни глубиной пространства, ни яркостью палитры, ни звенящей композицией и сюжетом, – словом ничем из того, что свойственно и без чего нельзя себе представить европейскую живопись. Исключительная монохромность, спокойствие красок и композиция, которая очень ненавязчиво, очень тихо притягивает к себе взгляд зрителя, которому с каждой секундой становится все интересней рассматривать каждую деталь произведения и проникаться искусством Японии. Среди картин с мотивами, исполненными в крупном масштабе, свидетельствующими о новом направлении и эволюции изобразительного языка, выделяется ширма «Любование клёнами на горе Такао» Кано Хидэёри (середина XVI века). Любование осенними листьями клёна – одна из древних японских традиций, служащая источником вдохновения для поэтов и художников. Сюжет ширмы представлен многоплановой композицией: расцвет осени в благоухании увядающих деревьев и плодов на первом плане, горные вершины на заднем плане, а само событие – сцена с отдыхающими людьми, расположено между природными явлениями, определяющими человека как нечто промежуточное и срединное. Складывается впечатление, что художник больше уделяет внимание событию повседневной жизни – любованию картиной осени людьми, что является некоторым отступлением от вековых традиций исключительного изображения природы. Вообще, живопись Японии имела два сюжета: зарисовки природы и изображение сцен будничной жизни. Синтез этих направлений Кано Хидэёри решил воспроизвести на росписи ширмы, являющейся посредником двух миров. Художник заострил внимание на коробки с едой, выделив их ярко красным цветом, графинчики, тарелки и фигуры мужчин. Для этих людей, пришедших на поляну с клёнами, стволы которых уже атакованы и разъедаемы лишайником, красота старых деревьев – это повод, чтобы выйти на природу и совместить любование красотой осени с мирскими наслаждениями: едой и обществом. По своей краткости и созерцательности японская живопись близка японской поэзии, которая очень необычна для слуха европейца. Искусство написания хайку — это умение в трех строках описать момент. И когда коренной житель Японии слышит хайку такого гения, как Мацуо Басё (1644-1694), то воображение уносит его далеко-далеко за пределы обыденного понимания природы, к порогу её обожествления и глубочайшей философии созерцания. Он наслаждается покоем, нерушимой, неизменной тишиной, такой, что слышно как лягушка прыгнула в воду, как гусеница грызет мякоть плода; слышно, как из-под снега пробиваются подснежники, как с ветки сорвался первый лист. Произведения Мацуо Басё – основоположника стихосложения хайку, классика японской поэзии, созвучно с произведениями японской живописи. Вот одно из его стихотворений, посвящённых осени: И осенью хочется жить Этой бабочке: пьет торопливо С хризантемы росу. В стихотворении говорится о наступившей осени и жажде жизни на пороге зимы. Бабочка, в надежде насытиться последними дарами природы, пьёт росу с хризантемы – цветка Солнца и долголетия в Японии. Оба художника: и поэт, и живописец обращаются к теме увядания природы, на фоне которой острее проявляется любовь к жизни, осознание красоты и щедрости окружающего мира. Любование осенью, желание впитать последние мгновения уходящего лета – всё это неразрывно связывает лирический текст Басё и жанровую сценку Хидэёри. Их творчество является примером умения видеть красоту в самых обычных вещах. Оно наполнено спокойствием и чувством гармонии с окружающим миром. Тонкий колорит их мастерства, как дыхание весны в морозном феврале, приоткрывает тайну души Художника и его Искусства.

Ю.П. Кугач «На кухне» Юрий Петрович Кугач (1917-2013)- Советский живописец. Народный художник СССР (1977). Действительный член Академии художеств СССР (1975). Лауреат Сталинской премии второй степени (1950). Являлся нашим земляком, жил в Суздале, Владимирская губерния. Скончался 23 апреля 2013 года в деревне Малый Городок Вышневолоцкого района Тверской области. Название картины звучит достаточно просто и по-домашнему уютно, «На кухне». Впрочем, сам Юрий Петрович проживал в деревенской местности и вполне часто писал картины про деревенскую простоту. Картина по-своему сюжета достаточно проста, на произведение показаны три главных персонажа: дочка, мать и старушка. Находятся они в достаточно тесной избушке, на стене показана народная русская резьба. Первый план занимает широкий противень, с пирогом. На самом пироге сделана сетка из теста, виднеется коричневато-оранжевая начинка, скорее являющейся абрикосовой начинкой. Семейный пирог, будет всегда теплым и простым для членов семьи и это не связанно с едой, наверное, об этом и хотел сказать автор. В противоположном углу показана дряхлая, деревянная табуретка, на которой стоит потёртое деревянное ведро, возможно в ней уже несколько лет подряд стирали бельё. Поднимаясь уже чуть выше, на второй план, можно наблюдать начало жёлтой цветочной скатерти, на краю стола стоит синяя тарелка с белоснежным, сладковатым творогом, являющимся начинкой домашних пирогов. В творог усеяна серебряная ложечка, которой бережно укладывает начинку в пирожки, мать. В правом краю, в ряд уже собрались готовые пирожки, которые приготовили дочка с матерью на столе рассыпана мука, для того чтобы девушке было легче месить тесто, у матери тёмные волосы, которые прикрыты белым платком, чтобы волосы не попали на еду. На ней красная рубаха с белыми вкраплениями, рукава задраны, чтобы те не мешали в процессе приготовления сладких пирожков. Края рубахи заправлены под темно-красный фартук, чтобы не замарать тёмную юбку, также с белыми, мелкими узорами. Её бережный взгляд устремлён на комок теста, который она месит своими руками, ведь еда приготовленная с любовью намного вкуснее, руки, которые почувствовали много жизненного опыта, блестят на свету, как и её небольшая часть волос на голове. Тень матери сменяет фигура престарелой женщины - старушки. Она опустила взгляд, устремив его на дно деревянного ведра, опустив руку, которая ещё больше повстречала жизненный опыт за всю свою долгую жизнь. Её седая головушка, прикрытая такой же белоснежной тканью, обхватив края её лица и связавшись в небольшой узел под престарелым подбородком. Одета она в достаточно плотную, но свободную рубаху с длинными рукавами, сама рубаха показана в тёмно-зелёным цветом, а рукава бежево-травянистым. На третьем плане сидит дочка, вылепливая пирожок и сложив свои хрупкие ручки на край стола, внимательно следя за своим же процессом. На её голове виднеется прямой ряд из русых волос, собранных, скорее всего в косичку, которая спряталась за спиной у дочки, одета она в мальчишескую рубаху, которая голубовато-белого цвета, имеет короткие рукава и воротник, оголяя её детские и молодые ручонки, которые мало повидали в этой жизни. Стол, на котором происходит готовка, прижат к стене как раз на которой висят небольшие постеры, возможно какие-то фотографии или вырезки из книг, которые были достаточно популярны в СССР. Сама девочка сидит достаточно на крупной деревянной ступени, состоит она из крупных дощечек, которые можно даже посчитать. Собственно их 4, сверху ступень накрыта белой, плотной тканью, рядом с ней лежит деревянная ложка, возможно, которая расписана хохломской росписью. Над ней висит белое полотенце, рядом с ним, стоит тёмный кувшин, в который обычно наливали коровье молоко. Над всей этой небольшой деревенской композицией, находившийся в угле избушки. Слева виднеется белая печь, обычно она являлась главное частью деревенского дома, на ней спали, она грела дом, в ней готовили домашнюю еду, она являлась частью семьи. Около неё висит заляпанное, мутное зеркало, имеющее темные рамки. Окно было прикрыто плотной тканью, висящей на резинки, по небольшому проему между тяжёлой ткань и лёгкой узорчатой вуалью, находившейся на верхушки окна, можно понять, что на улице уже был вечер. Это прекрасно, когда произведение художника выполняет свою главную задачу: Заставляет задуматься. Ведь, мы не знаем, какая цель является в выпечки сладких пирогов. В те времена, люди, к сожалению, не могли каждый день есть пирожки, время было не такое, возможно, они готовились к празднику, например на свадьбу. Картина выполнена в бытовом жанре, показывая семейную жизнь без причуд, ту же готовку, уборку или просто времяпровождение семьи вместе. Моё мнение останавливается на том, что это картина всё-таки оставила небольшую частичку себя в моём сердце, словно бальзам на душу. Я думаю, что Юрий Кугач спрятал здесь достаточно глубокий смысл, смотря на картинку, можно заметить, что над матерью, дочкой и столом светит лампа, освещая их, тем временем как в левой стороне, старушка стоит в тёмной, не освящённой стороне избушки, мне кажется тем самым, автор хотел сказать, что новое поколение сменяет старое и это неизбежно.

В.С.Зевакин «В гостях у деда» Как понять важно ли это для вас? Оно отвлечет вас какими-то воспоминаниями, незаметно проскользит к руке и поменяет направление линии жизни, будто вагоновожатый стрелки поезда. В старости, оно заляжет складкой морщин или просто будет ютиться в душе, передавая на верх истории для внуков и внучек. Бесспорно, одно из этих словно живых событий – Родина. В картинах кемеровского художника Виктора Зевакина можно видеть материализовавшуюся любовь к отчизне, изображение словно дышит теплом, исходящим от пузатого самовара. Медный барон стоит во главе стола и явно сторожит собравшихся: седовласого деда, румяную бабу и удалого сорванца. Эти прилагательные часто используются для описания, но больше всего подходят нашим героям, ведь автор не задал им сложного характера, а стремился показать прекрасное в простоте. Русский дух затаился меж деревянных половиц комнаты, закружился хороводом девушек, посидел на угловатых самодельных стульях, спугнул кошку, слетел на икону и увидев, что семья эта, как положено, работящая и набожная, улетел. Избой он остался доволен: хозяйка украсила ее разными занавесками и половичками, что сделало обстановку еще мягче и дружественнее, словно хату закутали в пестрый платок и спрятали за пазуху. Родня гостеприимная стоит полукругом и как бы приглашает каждого войти, замкнув его. Картина написана чуть смазано, будто искры, вылетающие из заслонки, дрожат в воздухе. Благодаря этому стилю дубовая мебель выглядит еще реалистичней. Деревянный пропуск делит картину на две части, позволяя видеть обстановку на дворе. Зевакин улицу сделал контрастно холодной, чтобы подчеркнуть теплый колорит жилища. Это похоже на старую сказку, кочующую из дома в дом, про чужой мир злых духов и добрый край родного селения. Снаружи стоит запряженная лошадь, символизирующая долгую поездку, прочь от родного дома, во враждебную даль.

Виктор Сергеевич Зевакин «В гостях у деда» Виктор Сергеевич Зевакин родился 1 апреля 1926 года в Топках Кемеровской области. Он является уникальным колористом и мастером эпического пейзажа. Его картины отличаются своей яркостью, насыщенностью и неповторимым стилем исполнения. Некоторое время художник работал оформителем в родном краю, а в 1951 году поступил в Ярославское художественное училище, но не окончил его. С 1953 по 1956 год Зевакин продолжил обучение в Пензенском художественном училище имени К.А. Савицкого под руководством педагога А.С. Шурчилова. Творческий дебют настал ещё в студенческие годы – выставка «Художники РСФСР». А по возвращению в Кемерово работал в местном отделении художественного фонда. Далее рассмотрим работу «В гостях у деда». Сразу можно выявить колорит картины - даже не тёплые, а пламенно-горящие красные оттенки. Но они вовсе не режут глаз, а согревают, передавая тепло пылающей печи. Контраст представлен небольшим видом зимней улицы слева, тусклая синевато-серая полутень придаёт глубины цветовому настрою. Стиль художественного письма Зевакина поистине уникален. Мазки ложатся незаметно, передавая крупные упрощенные формы со всей их детальностью. Плоскость изображения очень интересна, особенно стилизованная передача перспективы. Сюжет картины легко уловить и в меру насладиться не столь большим количеством деталей. Главные герои вовсе не изображены крупным планом и сильно не контрастируют с прочими объектами композиции. Они становятся частью окружения, не сливаясь с ним, но составляя единую целую маленькую историю. Рублёная изба хорошо убрана, словно в светлый праздник. Стол накрыт лакомствами, среди которых нельзя не заметить крупный самовар. За ним устроились три человека, собственно, главные лица небольшой истории, рассказываемой художником. Крупно изображён сам дед, в светлой одежде и седой бородой, а ближе к красному углу с иконами расположен внук, лицо которого наполовину скрыто в тени, а волосы словно светятся золотом, над ним возвышается женщина в красном одеянии, которая, по всей видимости является дочерью деда, ведь выглядит она вполне молодо, с румянцем на щеках и каштановыми волосами, ели видимыми из под платка. На цветном половичке на переднем плане находится кот, который играет роль контрастного тёмного пятна в тёплом окружении. Смею предполагать, что в некоторых произведениях многих художников кошки изображаются как символ умиротворённости и спокойствия. В данной работе это вполне значимая деталь, ибо « В гостях у деда» это истинное воплощение домашнего уюта, начиная от содержания картины и заканчивая яркой, но приятной взору цветовой палитрой, передающей тепло и тихую благодать.

В. С. Зевакин, «В гостях у деда» Мне было предложено на выбор описать одну из картин. Я остановилась на картине В.В.Зевакина «В гостях у деда», потому как эта картина выделяется на фоне других за счет своего контрастного колорита. Эта картина, как говорил сам художник, написана в стиле сурового реализма, не смотря на присутствующие теплые оттенки в композиции. Родился он 1 апреля 1926 года на станции Топки Кемеровской области. В 1946−1953 годы работал художником-оформителем на Кемеровском электромеханическом заводе и в Кемеровском областном товариществе «Художник». В 1951 году поступил в Ярославское художественное училище, однако не окончил его. Потом продолжил учебу с 1953 по 1956 годы в Пензенском художественном училище им. К.А. Савицкого у педагога А.С. Шурчилова. С самого начала В.С. Зевакин следовал традициям русской школы живописи, русской национальной культуры. Его изначально привлекали мотивы городской и деревенской старины, православной архитектуры. Художник пытался увидеть в них больше, чем говорил глазам их архитектурный облик. Много пейзажей написано им на севере России — в Пскове, Новгороде, на Ладоге, а также в Сибири – в Тобольске, на Байкале, Алтае и, конечно, в Кузбассе. В 1972 году одним из первых из кемеровских художников поселился в деревне Ивановка Крапивинского района Кемеровской области, где жил по несколько месяцев в году и писал деревенские мотивы, ставшие одной из главных тем его творчества. Чтобы ни писал художник, в его работах неизменно присутствовало чувство восторга перед мощью, красотой и величием национальной природы, работы отличала монументальность, приподнятое эпическое звучание и выразительная фактура живописи. И в картине «В гостях у деда» мы все это видим. Здесь и мощь, и сила, и былинная красота. На полотне внутреннее убранство деревенской избы, исполненное теплыми оттенками, противопоставляется мрачной холодной улице. Из-за присутствующих в картине желтых, оранжевых и красных тонов, создается ощущение теплоты и заботы. Яркие краски, полные уюта и нежности, а рядом сонный пасмурный уголок села со свинцовым снегом. Но весь этот контраст не мешает быть картине Виктора Сергеевича жизнерадостной. Первое что мы видим, это как темная улица резонирует с теплой избой. В упряжи с телегой стоит лошадь, рядом сидит собака. Напротив лошади расположена еще одна деревенская изба. Выходящее наружу окно ярко горит в ночи. Большую часть полотна занимает интерьер избы. Он выдержан в теплых оттенках с вкраплениями синего и фиолетового, соединяющие две части картины. На противоположной стене разместились два прямоугольных окна, выходящих на улицу. На них висят светлые занавески, прикрывающие вид за окном. Традиционно в избе присутствует красный угол, который уставлен иконами. Рядом с ним на стене располагается ряд изразцов, прикрывающих голую деревянную стену. Перед большим квадратным столом расстелены половики, на которые улеглась выделенная контрастом кошка. Стол обставлен табуретами для большого количества людей. А на нем располагается кухонная утварь, такая как: медный самовар, рядом с дедушкой стоит чайный сервиз синего цвета, кружка, стеклянная бутыль и разделочная доска с рыбой. За столом сидит дед, окруженный близкими. Сам дед изображен в белых и серых оттенках, придающих ему некое умиротворение и спокойствие. Позади него стоит женщина, с руками, упертыми в бедра. Она румяная и в красивом одеянии. Напротив старика сидит молодой светловолосый человек. Их взгляды устремлены на вошедшего в избу человека. В их лицах читается радушие, радость встречи. По названию картины можно предположить, что долгожданный внук приехал в гости к любимому деду. Виктор Сергеевич Зевакин не только стремился рассказать о красоте такой, какая она есть, он ещё пытался выразить своё представление, своё чувство. Поэтому художник часто добавлял что-то своё, иногда фантазировал. Внешняя достоверность уступала место внутренней сути. "Зевакинское" письмо – темпераментное, оно оставляет на холсте выразительные, фактурные мазки. Его картины, этюды, даже самые маленькие - поэтичны и прозаичны. С них можно писать стихи и рассказы. Они глубоки по мысли, неповторимы. В его творчестве ни единого повторения в цвете, композиции, сюжете. "Я бы умер сразу, если б повторился, - сказал когда-то художник. - Я даже краски не могу повторить. Да это невозможно, даже если бы я захотел. В природе ничего и никогда не повторяется". Его творчество национально. И местное, наше, сибирское. Его ни с кем не спутаешь. У него свой почерк, своя мелодия, своя тема. И всему этому он следовал всегда. От этого и цельность его творчества. Через свои руки несет он нам тихую радость общения с прекрасным. И свет вокруг нас как бы раздвигается, и становится прозрачнее.