Проза

ЭССЕ ПО КАРТИНЕ ХИРОСИ ЁСИДА «ФУДЗИ СО СТОРОНЫ ОЗЕРА КАВАГУТИ» Гравюра Хироси Ёсида "Фудзи со стороны озера Кавагути", созданная в начале прошлого века, до сих пор является одним из лучших японских полотен. Эта работа была выполнена особым способом печати – ксилографией. Это сложный и трудоемкий процесс создания произведения. Для меня эта картина особенная из-за её истории. Гравюра «Фудзи со стороны озера Кавагути» была создана моим любимым японским художником Хироси Ёсида в 1920 году. Хироси очень разносторонний художник, помимо традиционных пейзажей у него были картины посвященные национальным паркам США, Швейцарским Альпам, Тадж Махалу, Пакистану, Афганистану, Сингапуру. Но именно эта гравюра передаёт традиции пейзажной японской живописи. В пейзаже чувствуется холодное морозное утро Японии. Мы видим, как рассеивается туман, ночью осевший у основания горы. Чистое, жёлтое небо, как-бы предшествует восходу солнца. Просыпающаяся гора заснежена, будто покрыта белоснежным одеялом. Она является центром композиции и приковывает внимание. На переднем плане виден берег, с едва проглядывающей сквозь снег землёй, сухой травой, он перспективным сокращением подводит нас к главному в картине - Фудзияме. Таинственности пейзажу придаёт нежное отражение в воде: вершин, снега и чистого утреннего неба. Когда я смотрю на эту картину, то чувствую утреннюю свежесть, скрипящий снег под ногами и величие горы. Я будто совершаю путешествие в эту прекрасную страну восходящего солнца. Эта очень душевная и спокойная картина выполнена художником с присущим ему мастерством, благодаря чему, эта гравюра известна и узнаваема многие столетия. Множество поколений имели возможность видеть эту картину, и еще многие увидят. Японские художники и поэты рассматривали и воспринимали природу как источник истины и красоты, поэтому японское искусство так притягательно. Я думаю, что ни один из настоящих ценителей искусства не останется равнодушным при просмотре и этого волшебного зимнего пейзажа.

ЭССЕ ПО КАРТИНЕ ХАЦУСИКО ХОКУСАЙ «БОЛЬШАЯ ВОЛНА В КАНАГАВЕ» «Большая волна в Канагаве» - это самое известное произведение Кацусика Хокусая, а также самое узнаваемое произведение Японии. Ее оттисков было сделано около 8 тысяч, это была невероятно популярная картина. Она относится к серии «36 видов Фудзи». Гравюра в стиле укие-э, что означает «изменчивый мир», имеет некую печаль и грусть. Что же олицетворяет великая волна? «Волна бросает людей как спички», - говорят искусствоведы. На картине плывут маленькие лодки, которые волна беспощадно заглатывает в свою пасть, что символизирует власть природы. Рыбаки кланяются и поддаются великой мощи стихии. Она великая, огромная, словно вершит суд над людьми. Вода – нечто изменчивое, текучее. Земля – представлена горой Фудзи на заднем плане, это символ постоянства и незыблемости. В картине ритмично решены цвета, что подчёркивает движение волны. Большая волна повторяет изгиб горы Фудзи, на переднем плане небольшая волна тоже повторяет абрис гор. Это создает плавность композиции. Но в то же время от картины веет тоской. Она вызывает некое умиротворение, как будто действительно смотришь на воду и плескающиеся волны. А может картина олицетворяет человечество, неминуемо плывущее к гибели? Наш мир балансирует, гармония неустойчива. В гравюре доминируют овальные, округлые линии. Это означает колесо дхармы в буддийской культуре. Возможно, картина как магнит притягивает своих зрителей, потому что автор использует золотое сечение – волна закручивается почти в идеальную спираль. Японская гравюра положила начало импрессионизму, арт-нуво и многих других европейских стилей. Художники всегда искали и будут исткать вдохновения в картине Хокусая. Примером может послужить «Девятый вал» Айвазовского. Сюжет очень похож, хотя, Иван Айвазовский передал его по своему, в своей манере. Каждый, смотря на это произведение, чувствует то, что спрятано у него в глубине души. Мне кажется, на гравюру «Большая волна в Канагаве хочется смотреть вечность и открывать что-то новое для себя.

ЭССЕ ПО КАРТИНЕ КАЦУСИКО ХОКУСАЙ «ВОДНАЯ МЕЛЬНИЦА В ОНДЕНЕ» Кацусика Хокусай - японский пейзажист, философ, родоначальник жанра пейзажа в японской гравюре. “Водная мельница в Ондене” - одно из многих произведений великого художника, входящих в серию “Тридцать шесть видов Фудзи”. На репродукции я вижу цветную гравюру по дереву, выполненную в стиле укие-э. На картине изображена большая водяная мельница. На переднем плане мы видим четырех человек, занимающихся тяжелым трудом. Двое из них носят на себе мешки с рисом, а ближе к нам - женщины набирают воду. Слева на гравюре стоит ребенок, он играет с черепашкой. Центром композиции я считаю мужчину, уносящего мешок - это главное пятно, которое приковывает взгляд. По обе стороны от мужчины расположены фигуры людей , практически на одинаковом расстоянии , вся эта группа вписывается в треугольник , повторяющий треугольник горы Фудзиямы ,которая расположена на заднем плане, видом которой наслаждается мальчик. Еще не знает он тяжелого труда своих родителей. На картине много синих и зеленых цветов, что вызывает чувство умиротворенности и свежести. Спокойное, лазурное небо и быстрый, даже шумный ручей, контрастируют между собой. Цветовая гамма гравюры должна наводить нас на теплые чувства, но видя нелегкую работу людей , сопереживаем им. Мне очень понравилась репродукция гравюры Кацусики Хокусая. “Водная мельница в Ондене” навивает на мысль о людях и их непростых жизнях. Работа характерна выразительным рисунком, тонким декоративным решением. Я смотрю на эту картину и слышу, как работает мельница, вместе с мальчиком любуюсь на завораживающую Фудзияму.

ЭССЕ ПО КАРТИНЕ ХИРОСИ ЁСИДА «ФУДЗИ СО СТОРОНЫ ОЗЕРА КАВАГУТИ» Хироси Ёсида примечательный деятель искусства Японии в начале XX века в периоды Тайсё и Сёва. «Фудзи со стороны озера Кавагути» является одной из наиболее узнаваемых работ автора, она выполнена маслом в стиле син-ханг. Помимо того, что картина является примером мастерски выполненной живописи, она также несёт в себе глубокий душевный посыл. На картине изображён вид на великую гору Фудзияма через озеро Кавагути. Первый план выстраивается таким образом, что у зрителя складывается ощущение того, словно он стоит на берегу озера, а на другом берегу перед ним предстаёт завораживающий вид на священную гору. Необычайная атмосфера тихого умиротворенного утра пронизывает всю картину, полностью погружая зрителя в среду так натуралистично и пронзительно, что складывается невольное ощущение того, будто мы можем вдохнуть свежий чуть прохладный горный воздух и услышать тихий плеск воды у берега. Такая общая атмосфера достигнута благодаря удивительно гармоничной и приятной палитре красок. Светло-серые прохладные оттенки в сочетании с нежными теплыми оттенками предают картине свой особый уникальный колорит, который так впечатляет и запоминается. О том, что автор стремится показать именно утреннее время, мы можем предположить по изображению льда у кромки воды и изумительному туману на фоне, окутывающему гору Фудзияма. Туман так же добавляет толику загадочности и, по большей части, спокойствия, которое и привлекает внимание. Потрясает в работе ещё и умение Хироси Ёсиды сочетать графику с живописными моментами. Так, например, мягкому, расплывающемуся фоновому пейзажу противопоставляется жёсткий, графичный первый план, выстроенный на динамичном повороте берега и тонко проработанных деталях. Особо примечателен в картине снег. Ритмы белого цвета гармонично вливаются в умиротворенное настроение всего пейзажа, безлюдного и девственного. Ещё хочется обратить ваше внимание на небо. Нежный теплый градиент восходящего солнца разбавляет основную прохладу и морозность, привнося в картину тепло вместе с блаженным чувством меланхолии только-только начинающегося дня. Одна из основных прелестей этого пейзажа находится в деталях, интересные, то и дело приковывающие к себе взгляд, они буквально вынуждают зрителя задержаться и погрузиться в их изучение: стоящая лодочка справа у берега, дребезжание воды, отражение кустов в ней. Подводя итоги всем моим высказываниям, хочется добавить, что «Фудзи со стороны озера Кавагути» действительно является прекрасным примером традиционной японской живописи во всём своем превосходстве и эстетике. Рассматривая её, вы не будете чувствовать какого-либо эмоционального утомления, совсем наоборот, как это и присуще японскому искусству, вы получите лишь эстетическое удовольствие и душевный отдых. Что касается личного отношения, то я с уверенностью могу утверждать, что произведение оказало на меня немалое воздействие с первых же мгновений знакомства, а с последующим изучением, я смогла глубоко проникнуться тем особенным колоритом, что царит в ней.

ЭССЭ ПО КАРТИНЕ ХАЦУСИКО ХОКУСАЙ «БОЛЬШАЯ ВОЛНА В КАНАГАВЕ» В красивом мире безграничного и необъятного искусства, завораживающим своей историей, существуют и редкие творения Японских мастеров. Один из их знаменитых представителей, узнаётся как Хацусика Хокусай, с его незабываемо вечной гравюрой «Большая волна в Канагаве». Хацусика Хокусай широко известен, как японский художник, работающий в стиле «Укиё-э», творя им иллюстрации и гравюры в период Эдо. За всю свою тяжелую жизнь Хокусай, столкнулся с чередой нелегких трудностей, которые нашли отражение в его творчестве и способствовали его становлению как личность. Достаточно известный факт, что в трудный период свой жизни он начинает изучать разные школы живописи и в последствии вырабатывает свой собственный стиль Сюримоно. Этот стиль и был основным для его первой гравюры «Большая волна в Канагаве» из большого цикла ««36 видов Фудзи». На картине умелый автор использует тяжелые цвета с их контрастом на белый, передавая тем самым величественность и недосягаемость происходящего и лишь светлое небо дает нам надежду на теплый конец ситуации. На заднем плане я вижу темноту, окутавшую гору - чей-то родной дом, изображая её (темноту) Хокусай говорит нам, что помощи уже не будет, так как светло-оранжевое небо уже давно затмил сажево-черный цвет. На переднем плане я вижу громоздкие плескающиеся, темно-синие волны с бурлящей белой пеной, которые ещё долго не успокоятся. Под волнами я вижу беспомощных людей, приникших к хлипким желтым лодкам, и уже полностью поникших, и ждущих своей горькой участи в тишине. Главной деталью сюжета являются острые «когти» волн и их отскакивающие белые капли, всем этим и подчеркивается яростный настрой природы, который по сути своей, не может предвещать ничего хорошего. Композиция не статична, на ней все подвижно, значит все произойдет сейчас в данный момент, следовательно, это и подчёркивает основной характер природы – она не собирается ждать чего-то, она сделает все и сейчас. Картина Хацусика Хокусая «Большая волна в Канагаве» произвела на меня большое впечатление: её цвета подобраны в лучших соотношениях и контрастах, а массы объектов так и рвутся рассказать, о том, кто играет главную роль в этой жизни. Все-таки Хацусика Хокусай по праву является великим художником, ведь он смог раскрыть мне в минимуме цвета и персонажей, весь замысел своего произведения.

ЭССЕ ПО КАРТИНЕ ХАЦУСИКО ХОКУСАЙ «БОЛЬШАЯ ВОЛНА В КАНАГАВЕ» Недавно я начала изучать одно из направлений японского искусства – укиё-э (традиционная японская гравюра). Самым выдающемся художником в этом направлении я по праву могу назвать Кацусика Хакусая. Конечно, если приглядеться, то его работы нельзя в полной мере назвать традиционными. Хокусай внёс в классические устои японской гравюры кое-что из западного искусства. Например: применение линейной перспективы, изображение сцен из жизни низших сословий, реализм, и другое. Художник очень умело совмещает в своих работах, присущую японским гравюрам чуткость и дерзость западного искусства. Наибольший интерес у меня вызвало, то, что такие художественные течения, как модерн и импрессионизм взяли своё начало именно в японской гравюре. Но еще задолго до того, как первые импрессионисты начали вдохновляться гравюрами Хокусая, художник расширял свои знания в живописи по работам западных мастеров, которые попадали в Японию контрабандой, так как любые проявления европейской культуры в этой стране были запрещены. «Большая волна в Канагаве» является первой гравюрой в серии работ «36 видов Фудзи». Её вполне можно назвать лицом японской культуры, ведь она известна почти каждому обывателю. Но простому зрителю не известно, что её нельзя считать «истинно японской» гравюрой, так как Укиё-э представляет собой гравюру, на которых изображалась только знать и люди из высших сословий. Так что можно сказать, что в «Большой волне…» присутствует внушительная часть европейского духа. Но благодаря искусной руке мастера этот дух остаётся в тени, и по сей день. На «Большой волне в Канагаве» мы можем наблюдать, как рыбаки кланяются волне, причём они не просто опускаются в страхе, а становятся её частью, сливаются с ней, будто подстраиваясь под неё. Кацусика Хокусай показал человека как часть чего-то грандиозного, величественного. Люди – часть природы и не выделяются на фоне общности остального мира. Как сказал Штейнер: «…«Большая волна» может быть названа воплощением японского представления о философии жизни – о быстротекучей, бренной и прекрасной переменчивости мира (укиё)».

Ветер со склонов Фудзи в город забрать бы, Как бесценный дар М. Басе Среди всех стран Востока особым своеобразием отличается Япония. Искусство страны восходящего солнца неразрывно связано с её коренной религией – синтоизмом, которая учит японцев быть чуткими к живой природе, созерцать и обожествлять её. Поэтому горы, реки, растения, птицы и животные стали главными героями в традиционном изобразительном искусстве Японии. Тема природы родной страны нашла отражение в творчестве Кацусика Хокусая – мастера цветной гравюры по дереву. Большой заслугой художника стало обращение к природе в связи с деятельностью человека, его труда и забот, потому он часто писал в пейзажах жанровые сцены. Внимание мастера привлекал простой люд: работающие, отдыхающие или странники, которые ищут в дороге важные для себя ответы. Как художник Хокусай находил красоту в повседневном бытие и переносил её в свои работы. Прожив значительную часть своей жизни, и став известным на родине, мастер создал серию гравюр «Тридцать шесть видов Фудзи», повествующих о красоте родной земли и жизни людей. Четвёртая работа этой серии – «Мост Маннэн в Фукугаве», выполненная в техники ксилографии. Картина написана в горизонтальном формате с применением перспективы. На переднем плане изображена голубая река с рыбаками, закинувшими удочки. По спокойной водной глади скользят рыбацкие лодки, привнося в картину движение. Над водой возвышается высокий арочный мост Маннэн, поддерживаемый высокими деревянными опорами, на котором теснятся суетливые путники, погружённые в свои мысли. Вид моста дополняют холмистые берега с высокими деревьями и деревянными строениями. Река, удаляясь к горизонту картины, обретает более тёмный синий оттенок, подводя зрителя к дальнему плану, к величественной, слегка заснеженной горе Фудзи, наблюдающей за движением на реке и мосту. Форму горы создают плавные линии. Её слегка усечённая вершина и склоны соприкасаются с небом. Изображённые у подножия Фудзи зелёные низкорослые кустарники и чёрный фонарь гармонично сочетаются с сине-голубым колоритом реки, горы и неба. В целом, художник применил традиционные для японской живописи и графики цвета, мастерски сделав переходы. На первый взгляд сюжет картины кажется простым и понятным. Но в каждом произведении японского искусства за простотой скрывается глубокий смысл. В своих работах Хокусай руководствовался принципами японской эстетики, привнося естественную красоту («саби»), прелесть обыденности («ваби») и мастерство намёка («югэн»), заставляющего зрителя искать разгадку увиденному. В данной работе художник проявляет себя как философ, размышляя о бренности всего живого и важности каждого дня жизни. Засохнет дерево, станет тусклым небо, придут в ветхость дома, изменится состояние реки и местность обретёт другой вид. Жизнь человека, как и природа преходяща – умрёт, но возродиться заново. Мост символизирует переход из одного мира в другой, напоминая о ценности земной жизни, которая подобна быстротечной реке. Не властно время только над священной горой Фудзи, олицетворяющей страну восходящего солнца и увековеченную великим японским художником Кацусика Хокусаем.

ЭССЕ ПО КАРТИНЕ КАНО ХИДЭЁРИ «ЛЮБОВАНИЕ КЛЁНАМИ НА ГОРЕ ТАКАО» (РОСПИСЬ ШИРМЫ, XVI век) Красота есть строгая соразмерная гармония всех частей, объединяемых тем, чему они принадлежат,- такая, что ни прибавить, ни убавить нельзя, не сделав хуже... Леон Баттиста Альберти Япония – это страна, куда с ветром приносятся новые веяния, куда набегают далёкие волны и бьются о высокие грозные огнедышащие утесы, оживляя их. Японские мастера, стоящие у истоков зарождения искусства, были потрясены и находились под сильнейшим влиянием Китайской культуры, которая включала в себя ремесло владения письмом летописи, архитектуру, литературу и живопись. Высокое искусство каллиграфии, которое на протяжении долгого времени будет ключевым в искусстве восточных стран, в Японии так и останется основным. Китай принес в Японию Веру и затем вытекающее из неё Искусство. Творцы Японии воспринимали своё творчество как свою душу и сущность своего народа в чистом виде. Всё японское искусство – это следствие, шлейф их ни на что не похожей, глубокой философии. Дзен буддизм – это полное слияние с природой, изучение её не способом вмешательства, но способом созерцания и отрешённости от суетливого мира. На протяжении многих столетий японские мастера зрели в сердцевинках своих бутонов. Постепенно, лепесток за лепестком, стали открываться прекрасные, благоухающие цветы и XVI век японского искусства сравним с огромным полем начавших раскрываться диковинных растений. Первые зёрнышки японской живописи с глубоким смыслом определили себя в домашнем обиходе. Японский дом в установленных традициях играет особую роль в культуре всей страны. Архитектура в философии восточных стран: Китая, Японии, Кореи, Вьетнама и т.п., не является делом рук человеческих. Дом или святилище были, скорее, естественным продолжением мира, природы в целом, развивающимся по тем же законам. Огромное внимание в японском доме уделялось ширмам. Они служили разделением двух половин комнат, двух пространств, двух миров, при этом, разделением очень лёгким, ненавязчивым и поддающимся ветру. Если в европейском традиционном доме применялись двери и арки, тяжёлые, монументальные, то в Японии использовались лёгкие, сквозящие ширмы и перегородки, остающиеся верными помощниками неизменным традициям восточных людей. Их дома, где воздух, свет и пространство являются ключевыми аспектами создания архитектуры, служат единственной цели – стать воспроизведением природного, духовного соединения человека с окружающей средой, иллюзией свободы, открытого поля. Такие большие соотношения целостного пространства, простые и ясные, проводят человека вовнутрь дома, в место, где можно почувствовать себя свободно, естественно, в мир тишины, спокойствия и гармонии. Ширмы с панорамными видами Киото – древней столицы Японии, созданные мастером, чьё имя не сохранилось в истории, были зерном, из которого вырастала вся последующая жанровая живопись, в том числе и на ширмах. Живопись на них сейчас воспринимается как произведение искусства, но тогда такое трепетное отношение к своему окружению, глубина человеческой осознанности были совершенно обычным явлением. Создание шедевров на обывательских предметах не являлось редкостью. Как и произведения гениальных композиторов, которые звучали для потехи господ после сытного обеда, и только потом, спустя не один век, стали считаться великими произведениями искусства и наследием всего человечества. Японская живопись не отличается ни глубиной пространства, ни яркостью палитры, ни звенящей композицией и сюжетом, – словом ничем из того, что свойственно и без чего нельзя себе представить европейскую живопись. Исключительная монохромность, спокойствие красок и композиция, которая очень ненавязчиво, очень тихо притягивает к себе взгляд зрителя, которому с каждой секундой становится все интересней рассматривать каждую деталь произведения и проникаться искусством Японии. Среди картин с мотивами, исполненными в крупном масштабе, свидетельствующими о новом направлении и эволюции изобразительного языка, выделяется ширма «Любование клёнами на горе Такао» Кано Хидэёри (середина XVI века). Любование осенними листьями клёна – одна из древних японских традиций, служащая источником вдохновения для поэтов и художников. Сюжет ширмы представлен многоплановой композицией: расцвет осени в благоухании увядающих деревьев и плодов на первом плане, горные вершины на заднем плане, а само событие – сцена с отдыхающими людьми, расположено между природными явлениями, определяющими человека как нечто промежуточное и срединное. Складывается впечатление, что художник больше уделяет внимание событию повседневной жизни – любованию картиной осени людьми, что является некоторым отступлением от вековых традиций исключительного изображения природы. Вообще, живопись Японии имела два сюжета: зарисовки природы и изображение сцен будничной жизни. Синтез этих направлений Кано Хидэёри решил воспроизвести на росписи ширмы, являющейся посредником двух миров. Художник заострил внимание на коробки с едой, выделив их ярко красным цветом, графинчики, тарелки и фигуры мужчин. Для этих людей, пришедших на поляну с клёнами, стволы которых уже атакованы и разъедаемы лишайником, красота старых деревьев – это повод, чтобы выйти на природу и совместить любование красотой осени с мирскими наслаждениями: едой и обществом. По своей краткости и созерцательности японская живопись близка японской поэзии, которая очень необычна для слуха европейца. Искусство написания хайку — это умение в трех строках описать момент. И когда коренной житель Японии слышит хайку такого гения, как Мацуо Басё (1644-1694), то воображение уносит его далеко-далеко за пределы обыденного понимания природы, к порогу её обожествления и глубочайшей философии созерцания. Он наслаждается покоем, нерушимой, неизменной тишиной, такой, что слышно как лягушка прыгнула в воду, как гусеница грызет мякоть плода; слышно, как из-под снега пробиваются подснежники, как с ветки сорвался первый лист. Произведения Мацуо Басё – основоположника стихосложения хайку, классика японской поэзии, созвучно с произведениями японской живописи. Вот одно из его стихотворений, посвящённых осени: И осенью хочется жить Этой бабочке: пьет торопливо С хризантемы росу. В стихотворении говорится о наступившей осени и жажде жизни на пороге зимы. Бабочка, в надежде насытиться последними дарами природы, пьёт росу с хризантемы – цветка Солнца и долголетия в Японии. Оба художника: и поэт, и живописец обращаются к теме увядания природы, на фоне которой острее проявляется любовь к жизни, осознание красоты и щедрости окружающего мира. Любование осенью, желание впитать последние мгновения уходящего лета – всё это неразрывно связывает лирический текст Басё и жанровую сценку Хидэёри. Их творчество является примером умения видеть красоту в самых обычных вещах. Оно наполнено спокойствием и чувством гармонии с окружающим миром. Тонкий колорит их мастерства, как дыхание весны в морозном феврале, приоткрывает тайну души Художника и его Искусства.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования "Детская школа искусств №3 г. Барнаула" ЭССЕ Тема: Живопись"Животные" Выполнил Арчибасова М., 1 курс, 11 лет. Преподаватель Коренюк М.Н. г. Барнаул 2018 г. Содержание 1. Вступление. Несколько слов об авторе картины. 2. Тема картины. 3. Описание: а) Передний план б) Задний план в) Колорит картины 4. Вывод. Мое отношение к данной картине. Посетив сайт http://galerykids.ong/ в галерее на тему "Животные" наибольшее моё впечатление вызвали две картины "Котёнок в маках" и"Снежный барс". Обе эти картины глубоко отображают характер изображенного на них животного. Первая картина, которую я хотела бы описать называется "Котёнок в маках". Автором данной картины является Саванькина Лариса Владимировна, 62 года, преподаватель ИЗО, Лицей "Туран", Казахстан. "Когда вокруг полно цветов, глаза сияют у котов- И, несомненно, красота Меняет душу у кота..." Художественный образ данной картины передает нам представление о теплом майском дне, о цветущем саде и о новых незнакомых впечатлениях открывшихся для глаз котенка. Картина "Котенок в маках" представляет собой изображение котенка сидевшего в саду под маками. На переднем плане изображен беленький котенок. Глядя на картину можно подумать, что его кто окликнул, так как взгляд обращен к зрителю картины. Возраст котенка примерно 3 месяца. Это именно тот возраст, когда котята начинают познавать окружающий их мир, проявляют озорство и любознательность. По его взгляду можно сказать, что он очень игривый и забавный. Очень ярко бросаются в глаза цветы изображенные на этой картине. Ярко красные Маки восхитительные и завораживающие. Маки созданы Флорой в поэтическом приподнятом настроении. Иначе как бы мог получиться столь прекрасный цветок с нежными трепетными лепестками, окрашенными в разнообразные яркие оттенки. Автор картины очень точно передал насыщенность оттенков цветов. На заднем плане картины изображен дом и цветущее дерево. Можно предположить, что это дачный домик, а цветущее дерево-яблоня. В христианстве именно с яблони начинается история человечества – ведь по библейской легенде именно яблоня была тем райским Древом Познания добра и зла. Бело-розовые нежные бутоны значительно поднимают настроение и навевают сладкие воспоминания. Можно предположить, что хозяева этого дачного участка привезли с собой из города котенка, который впервые в жизни оказался на улице, да и еще в таком прекрасном саду! Кошка — священное животное у многих народов. Поклонение кошке особенно было свойственно земледельческим культурам, когда жизнь людей зависела от сохранности урожая и требовалась защита от грызунов. Поскольку, я сама очень люблю кошек, и с моим котенком приключилась такая же история, когда она оказалась первый раз в цветущем саду у моей бабушки, я просто не могла с восторгом оторваться от этой картины! Вторая понравившаяся мне картина называется "Снежный барс". Автором Контеладзе Константин,11 лет. Преподаватель Виктория Якуба, г. Сочи. Снежный барс представляет семейство кошачьих – это достаточно грациозный и красивый хищник. Нередко его называют «хозяином гор», он является постоянным его обитателем. Характер снежного барса кошачий. Что удивительно для породы кошачьих, барсы крайне редко рычат, а если такое и происходит, то очень тихо. А вот мяукают и мурлычут они, как все остальные хищники. .На переднем плане картины изображен снежный барс идущий зимней ночью через снежную метель. Мех барса настолько теплый и густой, что великолепно защищает животного в морозы. Животное по своей натуре одиночка, но моему мнению он имеет свою семью. Художественный образ снежного барса представлен в такой позе, что можно подумать его, что то насторожило. Он повернул голову в сторону. Скорее всего он услышал вдалеке опасность. Взгляд его сосредоточен в даль. Так как мех животного считается очень ценным, поэтому за ним активно охотятся, что значительно уменьшает популяцию. Поэтому снежный барс в Красной книге занимает почетное место. И что хуже всего, браконьерство на это великолепное животное продолжается. Человек с ружьем – это самый главный враг хищного животного. Барс идёт ночью в снежную бурю, через горы снега, скорее всего он возвращается к своей семье в логово. Он возвращался с охоты, но так и не принёс ничего своим детёнышам. На заднем плане изображены снежные горы. В небо добавлены чёрные, синие и белые цвета, а вместе они создают глубокую ночь. Снежный барс – такое название он получил в переводе с тюркского, снежный кот. В своем заключении о представленной выше картине я хотела бы сказать, что люди должны защищать беззащитных животных, помогать им выжить в суровых климатических условиях, а не заниматься браконьерством с целью наживы. Я очень люблю кошек, и не могла так же удержаться от этого представителя кошачьего рода изображенного на картине.

«Муниципальное общеобразовательное учреждение дополнительного образования детей детской школы искусств №3 города Барнаула. » Эссе на международный конкурс «Моя семья, мой край, моя страна». На тему описания картины А.А.Мельникова «Верочка». «Художник является посредником между его фантазией и остальным миром». Федерико Феллини Работу выполнила: Лаврова Анна Сергеевна Курс: 4 Возраст: 14 лет Преподаватель: Коренюк М. Н. Барнаул 2018 Содержание. Введение................................................................................................3 Предыстория картины..........................................................................4 Биография художника..........................................................................5 Стилистический анализ........................................................................6 Стилистический анализ........................................................................7 Идейный замысел картины..................................................................8 Заключение............................................................................................9 Список литературы..............................................................................10 Приложение..........................................................................................11 Введение. Недавно я рассматривала картины известных художников разных времен. И мне понравилась больше всего одна картина художника А. А. Мыльников « Верочка». Она мне понравилась необычным стилем и манерами художника. После чего я решила подробно узнать о ней все. Художников очень много в мире, которые написали интересные и заинтригованные картины вместе со своей жизнью. У все судьба и жизнь была разная. Многие оставили ее на своих необычайно красивых и великолепных полотнах. В каждой эпохе были свои стили и направления. Поэтому я решила узнать стиль, направление, что было характерно для работ А. А. Мыльникова. Но я хочу изучить не только художественное направление, но и жизнь художника. 3 Предыстория картины «Верочка». Портретам дочери в творчестве Мыльникова отведено особое место. Он постоянно возвращается к этому образу, любуясь чистотой, непосредственностью, девичьей грациозностью. И, пожалуй, немногим из современных художников удалось так проникновенно передать сложность и непосредственность мира ребенка. В произведениях » Верочка больна» (1955), » Верочка » (1955), «Портрет дочери» (1957), «Больная Верочка » (1958), «Портрет Верочки «(1965), » Верочка у окна» (1965), » Верочка » (1971) образ развит во времени. В этих портретах, по-доброму созерцательных, всегда чувствуется настроение художника, восхищенно следящего за моделью. Он не фиксирует, а создает увиденный, пережитый, прочувствованный детский образ, который захватывает и надолго остается в памяти как дорогой и близкий каждому. Жизнеутверждающим, радостным мироощущением проникнут портрет «Верочка на даче» (1957), по праву причисляемый к лучшим работам Мыльникова. Художник пишет гибкую фигурку девочки с тонкой шейкой, темными шелковистыми волосами, опускающимися косичкой на спину. Верочка сидит за столом у окна. Легкая детская фигурка повернута в профиль, руки как бы на миг положены на стол. Бесхитростная простота и ясность образа находят отклик во всем колористическом строе полотна. В более позднем портрете » Верочка » (1964) цвет является основным средством раскрытия образа, характера модели. Светлая колористическая гамма, построенная на гармонии, цветовых нюансах и градациях, создает настроение внутреннего равновесия, ясности и душевной чистоты. Верочка изображена за столом на веранде. Перед ней открытая книга. Кажется, что девочка на минуту оторвалась от чтения и, подперев ладонями подбородок, думает о прочитанном. «Цвета, как звуки, сталкиваются и создают настроение…- говорит художник. - В цвете может быть решен смысл картины». 4 Биография художника А. А. Мыльникова. Мыльников Андрей Андреевич – вице – президент российской академии художеств, народный художник СССР, герой социалистического труда. Родился в городе Энгельсе (Покровске) Саратовской области 22 февраля 1919 года. Начало творческой карьеры Андрея Андреевича было связано с дипломной картиной «Клятва балтийцев», которая успешно защищена в 1946 году под руководством великолепного мастера изобразительного искусства. Более чем за 50 лет творческой деятельности Андреем Андреевичем Мельниковым созданы как станковые, так монументальные произведения, скульптуры, графические листы. Среди них картины «На мирных полях» (государственная премия 1951 года), «Лето», «Утро», «Тишина», «Сон», воспевающие добро и красоту жизни, природы. Важное место в творчестве занимает картина «Прощание», написанная художником в 1975 году. У Андрея Андреевича Мыльникова была своя творческая манера письма. В свои работы он включал мозаику и витраж, масло и акварель, офорт м и линогравюру. Художник любил экспериментировать в своих картинах. Работает ли он в живописи, в графике, в скульптуре, — он всегда стремится с максимальной полнотой выявить выразительные возможности того материала, которому доверяет свой замысел. И экспериментируя в области художественной формы, техники и технологии материала, он всегда остается в сфере художественного. На прочном и неразрывном симбиозе высокой идейности и художественности, интеллекта и темперамента, знания и интуиции строится поэтика его произведений. Андрей Андреевич был талантливым художником, оставив много необычных картин. Художник умер 16 мая 2012 года. 5 Стилистический анализ картины. Картина написана в пастельных тонах, передающая спокойствие и умиротворенность. На первом плане изображена девочка, сидящая за столом у открытого окна. Девочка среднего телосложения с тонкой шейкой, румяными щечками и с темными волосами каштанового цвета. У нее очень задумчивое лицо, как будто она замечталась о чем то. Рядом с ней на столе лежит раскрытая книга. Можно предположить, что она размышляет о прочитанном. С левой стороны от девочки стоит шикарный весенний букет сирени, гармонируя композицию картины. Яркие лучи солнца проникают через окно и освещают комнату, тем самым создает уют комнаты. Художник уделил особое внимание этому произведению. Светлые тона и их гармония, создают настроение внутреннего равновесия и душевной чистоты девочки. В картине художник использовал детальную прорисовку предметов, динамичность, передача ритма и покоя, выделение сюжетно – композиционного центра. И использовал правило золотого сечения, передачу симметрии и асимметрии, передачу равновесия, а самое главное художник использовал перспективу, которая является основным правилом в композиции. В цветовой структуре Андрей Андреевич Мыльников использовал колорит холодных оттенков и приближенные цвета. Картина выполнена по всем основным законам композиции. Вся композиция, связанная между собой цветами все части: цветы, книга стол, окно и деревья собраны в единое целое. Картина «Верочка» выполнена на контрастах. Как и во всех произведениях присутствуют свет и тень, разная величина и самое главное фигура человека находится на темном фоне. И немало важный закон в композиции это подчиненность. Полотно художника цельно по восприятию, присутствует выразительность и идейно – содержательный замысел высокохудожественного произведения. По следующим деталям в картине «Верочка» чувствуется типичность ее характера и типичность обстоятельств. 6 А самое важное, смотря на изображение невооруженным глазом видно. Что есть жизнь, которую хочется прожить. Образ Верочки привлекает ее скромностью и пастельные тона весны. Если рассматривать построения движений, то фигура Веры статична. В картине есть сюжетно - композиционный центр – это лицо девочки, также ритм. Обращаясь, к приемам композиции картина А. А. Мыльникова «Верочка» выполнена вертикалями. А основные средства – это воздушная перспектива и пятно. В художественном образе художник передал внутреннее состояние Веры. Она читает книгу и в тоже время сидит, задумавшись над интересным рассказом. У художника очень хорошо получилось передать реальность жизни. Смотря на портрет нет такого ощущения, что это картина, а наоборот как будто девочка сидит и читает прямо перед тобой. 7 Идейный замысел картины. Портрет «Верочка» композиционно и в своей образной основе напоминает «Девочку с персиками» В. А. Серова. Но для внимательного взгляда, очевидно, что полотно Мыльникова своеобразно. Оно исполнено в индивидуальной живописной манере. В нем нет материальной весомости, присущей красочному строю произведений Серова. Высвобожден цвет — главная стихия искусства Мыльникова. «Верочка» буквально излучает искреннее, светлое, хрупкое в своей безмятежной доверчивости чувство радости жизни. Предощущение счастья, единение милого юного существа с весной, нежной зеленью листвы, солнцем переданы трепетной, «дышащей» тканью чистых красок, легко нанесенных на просвечивающий белый холст. Это не подражание Серову. Нельзя подражать доброте, любви к людям, полноте ощущения жизни. Их надо иметь в собственной душе. Мыльников просто открывает для себя в современности то чувство «отрадного», которым некогда был вдохновлен Серов на создание своего поэтического образа. Оно, надо думать, не потеряло своей истинности, абсолютной красоты и в наши дни. Здесь проявляется важнейшая особенность искусства Мыльникова: он — поэт, то есть человек, стремящийся — как говорил Блок — «превратить шум в музыку», поверяющий гармонию мира сердцем, сохранившим способность прозревать красоту, человечность сквозь оболочку временных несовершенств и отталкивающих сторон жизни. Оттенки цвета в его картинах — это оттенки чувств, вступающих во взаимодействие, в определенную гармонию. Отсюда — особая эмоциональность, музыкальность его работ. Причем Мыльникову абсолютно чуждо стремление быть, во что бы то ни стало не похожим. Отсюда можно понять, что идейный замысел картины передать весеннее радостное настроение и заставить мечтать зрителей и ценителей искусства о чем – ни будь необыкновенном. 8 Заключение. Изучив, все о картине «Верочка», и о художнике можно сделать вывод: какое значение картины и творчества А. А. Мыльникова. Ответ очень прост. Основное значение это передать все чувства и определенное весеннее настроение зрителям. В Творчестве художника портрет сыграл тоже определенную роль. Он написал серию портретов маленькой хрупкой девочки, тем самым выиграл в конкурсах, участвовал в выставках с портретом. Через основные законы и правила композиции ему удалось передать все оттенки весны и заставил людей мечтать, чувствовать по другому жизнь. Смотря. На портрет честно, хочется жить и наслаждаться каждым мгновением, не смотря на все проблемы людей. Художники разные и пишут по-разному, но у каждого, получается, через живопись передать определенное настроение и мысли, которые трудно сказать или написать. 9 Список литературы. 1) Уроки истории искусств художественной школы. 2) Книга художников и портретистов. 10 Приложение. А. А Мыльников «Верочка». Андрей Андреевич Мыльников. 11

Низкий дом с голубыми ставнями, Не забыть мне тебя никогда, – Слишком были такими недавними Отзвучавшие в сумрак года. С. Есенин В поле моего внимания – картина кемеровского живописца Николая Ивановича Бачинина «Голубые ставенки». Это полотно было написано еще в 1966 году, но стало широко известно после того, как на него обратила внимание и ввела в активный оборот искусствовед Марина Чертогова, заместитель директора Кемеровского областного музея изобразительных искусств. С тех пор оно неоднократно репродуцировалось, стало непременной принадлежностью больших ретроспективных выставок и одной из живописных эмблем Кузбасса. «Голубые ставенки» – это, по сути, «портрет окна». Этот мотив был одним из постоянных в творчестве Бачинина: вспоминаются «Вечернее окно» и «Морозное окно». На нашей картине яркий солнечный свет, остатки подтаявшего снега на завалинке, ящички с рассадой за стеклом говорят о приходе весны. Мы видим здесь не традиционный деревенский дом (они строились в Сибири из бревен, на высоком подклете, ставни украшались резьбой), а домик городской окраины, щитовой и засыпной: это заметно по той же завалинке. Такие дома в изобилии строились в Кузбассе в 1920-е – 1940-е годы, во времена бурной индустриализации, когда жилищное строительство не поспевало за развитием промышленности и города росли стихийно, как грибы. Указан и конкретный адрес на ярко-желтом аншлаге: «улица Заречная, 141». Несмотря на то, что почти все полотно занимает одно только окно со ставенками, картина не становится от этого скучной. Каждый может найти что-то новое, провести свои ассоциации и параллели. Возникает желание узнать людей этого дома, их быт, посетить улицу Заречную. Довольно-таки простой сюжет Николая Бачинина приковывает внимание, дает пищу для размышления. Для меня картина «Голубые ставенки» - это портал в мир беззаботного детства. Потому что и у моей бабушки в деревне в Кузбассе был деревянный дом с голубыми ставнями. Произведение Николая Ивановича Бачинина запало мне в душу.

Однажды в художественной школе после урока истории искусств мы пошли в школьную библиотеку. Там было огромное количество книг. На столе лежала раскрытая папка с яркими красочными репродукциями, которые привлекали внимание. Я заинтересовалась кто же автор этих замечательных работ? Оказалось,что это был сибирский художник из Кемеровской области –Виктор Сергеевич Зевакин. Я долго перебирала и рассматривала его работы, которые завораживали невероятно ярким колоритом, хотя их сюжеты были достаточно просты. В основном это пейзажи, деревенские домики, деревья, силуэты церквей и храмов. Среди всех работ мне очень понравилась картина “Отцовский дом”. Она привлекла мое внимание своим горячим колоритом, хотя на ней был изображен зимний пейзаж. На переднем плане этой работы мы видим тёмные силуэты деревьев с гроздями красных ягод рябины. Вдоль них протянута верёвка с висящими на ней половичком и ярким лоскутным одеялом. Возле дома, опустив голову, стоит лошадь, запряжённая в сани, рядом, на снегу, лежит собака, а на крыльце – семейная пара. Все пронизано чувством радости и тепла. Дом, который изображён на картине – невероятно красивый, в красно-оранжевых и жёлтых тонах, он весь украшен кружевной резьбой. Окна на фасаде обрамляют нарядные наличники. Сам дом как будто делится на части ажурными лопатками. А его крышу венчают два фронтона, внутренняя часть которых также заполнена резьбой. Антаблемент тоже окантован нескончаемым “кружевным деревянным плетением”. Такое ощущение, что это древний терем, который таит в себе сказку. От этой картины веет радостью и восторгом, любовью и счастьем, присутствием настоящей дружной семьи. Видно, что художник очень любит пастозную живопись, наслаждается каждым мазком, игрой цвета, света и тени. Так как картина мне очень понравилась, я нашла и прочитала биографию художника. Я узнала, что отец Виктора Сергеевича был машинистом паровоза, а дом, который изображен на картине, он построил сам. В свободное время он выпиливал деревянные узоры и украшал ими дом. А мать художника была большой мастерицей по кружевоплетению. Наверное, она и вдохновляла мужа на ту красоту, которую он воплощал в дереве. В честь рождения своих детей отец семейства сажал березки и рябинки возле дома, что делало двор очень уютным. В картине “Отцовский дом” Виктор Сергеевич передал мастерство и творческий потенциал своей семьи, дал почувствовать свою любовь к ней и мощную энергию отеческого дома, которая предается и зрителям.

Ю. КУГАЧ «НА КУХНЕ» 1958 г. Если набрать в любом поисковике определение слова «искусство», вам сразу же будет предложена статья из Википедии. Там сказано, что «искусство – это творческое отражение, воспроизведение действительности в художественных образах». А не кажется ли вам этот ответ слишком сухим? Или, может быть, «неинтересным»? Да, вы правы. Так и есть. Искусство – это нечто большее, чем «воспроизведение действительности». Если мы спросим о том, что такое искусство у настоящего художника, то он вполне может ответить словами Дени Дидро: «Искусство заключается в том, чтобы найти необыкновенное в обыкновенном и обыкновенное в необыкновенном». И обязательно добавит, что искусство – это жизнь. А еще оно неразрывно слито с любовью: к людям вообще и в частности, к природе, дорогим местам и, наконец, ко всей Родине. Я уверена, что движимый такой любовью жил и творил Юрий Петрович Кугач – один из выдающихся советских художников. Он настолько любил свою Отчизну, что посвящал ей множество картин. Пейзажи, портреты – что только не рисовал художник! Искренняя влюбленность в родные просторы, родных людей вдохновляли Юрия Кугача созидать прекрасное. Его картины настолько западают в душу, что их не спутаешь с работами других художников. Давайте же поближе познакомимся с одной из его работ. …Что за таинственная, но до трепета в сердце уютная бабушка? Родственница художника? Эти вопросы задает зритель, глядя на картину Кугача «На кухне» (1958). Картина выполнена в теплом колорите, что задает необычайную атмосферу деревенского домика бабушки. Хозяйка уютно расположилась возле открытого окна, сидя на деревянном стуле и тихо мирно вяжет новую вещицу, возможно, для своего внука или для себя. Нам остается только догадываться о намерениях старушки. Еще большее спокойствие создает ее умиротворенно-сосредоточенное выражение лица, покрытое морщинками от долгих прожитых лет. Ее окружение тоже вызывает интерес. Подняв взгляд чуть выше, мы увидим большую полку для посуды, которая прикрыта отрезом ткани желтого цвета с цветочными узорами. В правом части картины – большая печь, которая всем своим внушительным видом передает русский дух этого дома. Позади, на деревянной тумбе стоит небольшой самовар, судя по всему, он разобран. Возможно, жительница этого уютного домика не ждала никого или не успела вскипятить воду, чтобы приготовить чай для внезапных гостей, каким мог стать художник. Какими могли стать и мы. В, казалось бы, простом интерьере, в каждой его части художнику удалось найти то самое необыкновенное, о котором говорил Дидро. И еще Юрию Кугачу удалось это передать нам, зрителям. А героиня картины – простая бабушка – для каждого чуткого зрителя стала немножко родной, и нам вовсе необязательно знать ее имя…

Тема семьи и семейных традиций никогда не исчезнет из творчества русских художников. Ведь именно в семье закладываются нравственные ценности человека и формируются все те качества, с которыми он пойдет по жизни. Именно эту тему отражает в своей картине «В гостях у деда» мой земляк, замечательный сибирский художник Виктор Сергеевич Зевакин. Картина сразу же привлекла мое внимание ярким колоритом, оригинальным композиционным решением и, конечно же, самим сюжетом. Я нашла информацию о В.С. Зевакине и узнала, что он преклонялся перед красотой и величием национальной природы, а его излюбленными мотивами была городская и деревенская старина. Художник любил писать сибирские деревянные избы с резными наличниками, одну из которых мы видим на холсте «В гостях у деда». Анализируя картину, искусствоведы разбирают до мельчайших подробностей все ее составляющие. Но есть самое первое, эмоциональное впечатление, которое производит на зрителя любое произведение искусства. Картина В. С. Зевакина наполнила мою душу домашним теплом и уютом: я услышала треск дров в печке и вой вьюги за окном, и почувствовала искреннюю привязанность внука к дедушке. И только потом я начала путешествовать глазами по холсту, открывая в нем все новые и новые детали. Художник использует необычный композиционный ход, разделяя картину на две части. Он изображает и внутреннее пространство бревенчатого дома, и прилегающий к нему уголок двора – то, что зритель не может видеть одновременно. При этом, несмотря на четкую границу, картина воспринимается цельно. Сюжет произведения прост и понятен: словно птицы, выпорхнули дети и внуки из родительского гнезда, разлетелись по всему свету. И стал для стариков их приезд в гости самым большим праздником. О такой вот семейной встрече и повествует сцена в доме, несущая главную смысловую нагрузку картины. В избе жарко – это ощущение передают и горячий желто-красный колорит холста, и нечетко прописанные, словно окутанные подвижным теплым воздухом лица. На столе приготовлено угощение и сверкает своими медными боками самовар – символ русского гостеприимства. Но для родственников это не главное, ведь они собрались для того, чтобы повидать друг друга, поделиться новостями, рассказать о своих радостях и неудачах. В.С. Зевакин с любовью передает детали скромного деревенского быта: дощатый пол, застеленный домоткаными дорожками, массивный деревянный стол со скамьей, и, конечно же, красный угол с иконами на божнице. Возле стола сидит большой кот, присутствие которого усиливает ощущение покоя и уюта в доме. А на улице морозно и свежо, поскрипывает свежевыпавший снег. Художник показывает нам лишь небольшую часть двора, но в ней отражены все приметы деревни: угол бревенчатого дома с ярко светящимся окном, ветхий забор и лошадка, запряженная в сани. Она выполнила свою работу – привезла гостей к деду, и теперь ждет, когда они будут возвращаться назад. Внимательно рассматривая картину, я думала о том, что если в семье царит любовь и взаимоуважение, под крышей всегда будет уютно независимо от того, где мы живем и какая погода за окном. Ведь все начинается с дома, семьи, с города или села, в котором ты родился. Без этого не может быть чувства Родины, и мне кажется, что именно об этом хотел нам сказать Виктор Сергеевич Зевакин своей замечательной картиной.

ДЕВОЧКА С КНИГОЙ. За столом сидит девочка Вера с очень живыми глазами, смотрит она задумчиво. Рядом с ней лежит книга, думаю, очень интересная. Рассказ или повесть, а может лирические стихи…. Картина очень светлая, яркая, отдает теплом летнего солнца. В открытые большие окна, чувствуется легкий теплый ветерок, Ваза с цветами ярко выделяются из-под насыщенных оттенков. Эти цветы – полевые, и были собраны рядом с деревней, на нетронутой цивилизацией земле. Они будто разговаривают с девочкой . За окнами растут пышные деревья Они настолько большие, что за ними не видно ничего, только лучи солнца, пробирающиеся насквозь. Эта картина понравилась мне тем, что похожа на произведение «Девочка с персиками». Они обе веют теплом солнечного летнего дня, играют со зрителем ветерком и лучами солнца.