Литературный уголок

Сочинение по картине В.Л. Боровиковского «Портрет М. И. Лопухиной» Владимир Лукич Боровиковский известен нам как замечательный художник-портретист конца XVIII- начала XIX века. Одной из наиболее ярких работ является портрет Марии Ивановны Лопухиной , урождённая графиня Толстая, она прожила очень короткую жизнь, умерла в возрасте 23 лет. Портрет написан в конце 18 столетия, художников в этот период начинает интересовать мир человеческих переживаний, чувств, настроений. Эта работа считается вершиной сентиментализма в русской живописи и самым поэтичным творением В.Л. Боровиковского . Картина написана в нежных, спокойных, пастельных тонах. Фигура девушки окружена воздушной дымкой пейзажа, голубизна неба, приглушенная зелень листвы перекликается с жемчужно-белым платьем. Она стоит в саду, облокотившись на стол с цветами. Её поза говорит о задумчивости, мы видим грустно-мечтательный взгляд , нежную, меланхолическую улыбку. Васильки, проглядывающие сквозь спелые колосья ржи подчеркивают простоту и мечтательный образ героини. Увядающие розы придают нотки грусти. Печальный образ поражает своей женственностью, светлой , чистой и нежной душой. Он еще долго будет волновать зрителя. Хочется закончить этими строками: Она давно прошла, и нет уже тех глаз И той улыбки нет, что молча выражали Страданье — тень любви, и мысли — тень печали, Но красоту ее Боровиковский спас. Так, часть души ее от нас не улетела. И будет этот взгляд и эта прелесть тела К ней равнодушное потомство привлекать, Уча его любить, страдать, прощать, мечтать. Я. Полонский

Сочинение по картине В.Л. Боровиковского «Портрет Е.Н. Арсеньевой» Владимир Лукич Боровиковский - выдающийся русский художник-портретист конца XVIII века. На картине «Портрет Е.Н. Арсеньевой», написанный в 1796 году, изображена красивая , уверенная в себе девушка. У Екатерины кокетливые глазки, улыбка с ухмылкой, розовые щечки, алые губки, симпатичный носик. Все эти черты лица вызывают у меня положительные эмоции. Её рыжеватые волосы, причудливая шляпка, кучерявые локоны, приподнятая немного вверх голова говорит о жизнерадостном характере , беззаботном юношестве, видно, что пребывает она в прекрасном настроении. Красивое , легкое, почти воздушное платье, украшения подчеркивают простоту ее наряда. В руке персик, а из соломенной шляпки торчат несколько колосков пшеницы, это говорит о близкой связи с природой. Картина написана масляными красками. Сама Екатерина выполнена в светлых, переливающихся тонах, дальний план приглушенными, темными оттенками. Художник пишет маслом, смягчая резкие контуры лица, получается воздушная, пушистая линия. Лицо спокойное, нежное, кокетливый взгляд. Автор очень хорошо передал характер девушки, видно, что она довольна собой, своей жизнью. Мне нравиться этот портрет, на него хочется смотреть, так как он вызывает у меня спокойствие и умиротворения. Как жаль, что сейчас почти не встречаются такие лица.

ВЛАДИМИР ЛУКИЧ БОРОВИКОВСКИЙ ПОРТРЕТ МАРИИ ИВАНОВНЫ ЛОПУХИНОЙ (1797) Она давно прошла, и нет уже тех глаз И той улыбки нет, что молча выражали Страданье - тень любви, и мысли - тень печали, Но красоту её Боровиковский спас. Так часть души её от нас не улетела, И будет этот взгляд и эта прелесть тела К ней равнодушное потомство привлекать, Уча его любить, страдать, прощать, молчать. Яков Петрович Полонский Владимир Лукич Боровиковский художник- портретист конца XVIII – начала XIX столетия, который поставил данный жанр на новый уровень в истории русской живописи. В 1975 году он получил звание академика живописи за портрет князя Константина Павловича. В своих портретах он умел отражать внутренний мир, настроение и характер персонажа. Одной из самых известных работ является «Портрет М.И Лопухиной». Этот портрет художнику заказал её муж, егермейстер при дворе Павла І. На картине изображен портрет Марии Ивановны Лопухиной – представительницы графского рода Толстых. Художник написал портрет М.И. Лопухиной маслом, использовав традиционный приём репрезентативного портрета – окружение персонажа предметами и атрибутами, помогающими раскрыть его образ. Не смотря на то, что Мария была из знатной семьи, Боровиковский изобразил её скромной, нежной и мечтательной. На ней было надето светлое тонкое платье - рубашка, голубая лента с золотой вышивкой, которая подчёркивала грудь. Рядом с её опущенной на стол рукой виднеются бутоны роз, которые ещё чуть-чуть и начнут терять свои лепестки. Лицо Марии бледное, а взгляд немного задумчивый, но, не смотря на это уголки её пухленьких губ всё же слегка улыбаются. Мария стоит на фоне пейзажа природы, где то в дальней, тенистой части парка. Здесь мы можем увидеть и дерево с могучим стволом, и колосья спелой ржи. Пейзажный фон так же подчёркивает задумчивость молодой девушки, глядя на этот портрет, мы зрители переносимся туда, к Марии, в парк, где можно насладиться тишиной и по мечтать. Известно, что спустя пять лет после написания этой картины, в возрасте двадцати трёх лет Мария Лопухина умирает от чахотки. После её смерти портрет хранился у племянницы Марии Ивановны и высоко ценился как семейная реликвия. Так же ходили слухи, будто стоило девушке только взглянуть на портрет, как её ждёт скорая смерть. Слухи исчезли лишь тогда, когда в 1880 году портрет приобрёл меценат Павел Третьяков для своей галереи. С тех пор она выставляется на всеобщее обозрение вот уже больше столетия. Глядя на портрет Лопухиной я поняла, почему В.Л. Боровиковского прославили именно женские портреты. Так передать чувственность этих образов мог только великий мастер своего дела. Могучий ствол деревьев, колосья спелой ржи Графиня одинокая мечтательно стоит. Склонили свои головы бутоны красных роз, пытаясь разобраться, что беспокоит её вновь. Графиня улыбнувшись, ненадолго замерла, чтоб с кисточкой волшебник продлил жизнь на века.

В.Л. Боровиковский стремился передать внутренний мир человека. Художник в своём творчестве обратился к той области жизни, которая связана с семьёй. Познакомившись с картинами художника, я пришла к выводу, что Боровиковский стоял у истоков камерного портрета и именно в портрете «Сестёр Гагариных» внёс новый элемент в образное содержание картины. Портрет мною воспринимается как сцена, характерная для помещичьей жизни того времени. Картина написана в жанре двойного портрета. Художник изобразил двух молодых сестёр, Их фигуры показаны не в полный рост, Они сидят на улице, на фоне летнего пейзажа, который написан Боровиковским не реалистично, не с натуры. Видно ярко-голубое небо и часть зеленоватых листьев на деревьях. Девушки показаны крупно. Они занимаются музицированием, модным в ту эпоху. Я усматриваю в характеристиках персонажей больше конкретности, чем в полотнах 1790-х годов.Сёстры очень похожи внешне: тёмные, почти чёрные, убранные волосы, красные, пухлые, рельефные губы, тёмные брови, чёрные большие глаза и широкая шея. Обе сестры изображены в платье с завышенной талией по моде Петровской эпохи, только одна в белом, а другая в серо-жёлтом, жемчужного оттенка одеянии. Одна сестра играет на красновато-бордовой гитаре и смотрит в ноты, которые держит вторая девушка смотрящая на зрителя тайным и расслабленно-мягким взглядом, но полным внутреннего достоинства. Девушки показаны живописцем мирными, спокойными и очень доброжелательными. В картине изображена любовь, гармония, тепло сестёр друг к другу, которую, по моему мнению,так редко можно встретить сейчас, в нашем мире. Самый яркий цветовой акцент- это гитара, написана в тёплых, красноватых тонах, она объединяет всё вместе и создаёт контраст. Меня впечатлил портрет Владимира Лукича Боровиковского своей романтичной, тихой, нежной атмосферой, добротой, нотой взаимного радостного, спокойного общения сестёр.

По моему мнению, Владимиру Боровиковскому особенно удавались изображения, портреты молодых девушек из дворянских семейств. Художник имел много заказов, поэтому у него недоставало времени для письма с натуры. Основную часть произведений он дописывал в своей мастерской. Поэтому, мне видится, что живописец выработал свой стиль, канон: его портреты почти одного размера, поясные, обязателен пейзажный фон, плавный изгиб линий тела. В лучших своих и знаменитых творениях Боровиковский достиг, на мой взгляд, особой степени выразительности. Таков, для меня, портрет Е. Н. Арсеньевой. Она была воспитаннице Смольного института благородных девиц и даже фрейлиной императрицы Марии Фёдоровны. Картина написана в жанре поясного портрета в петровскую эпоху. На полотне Владимира Лукича Боровиковского изображена молодая задорная девушка – Екатерина Арсеньева. Она смотрит с холста на зрителя очень весело, чуть самодовольно, но ничуть не злобно. Черты лица Екатерины миловидны: небольшой носик, тёмные полуприкрытые глаза и яркие, красные губы. Девушка улыбается, и из-за этого на розовых щеках появились ямочки. Брови не выделяются, они видны лишь ближе к переносице. Её кругловатое, не сильно вытянутое лицо обрамляют рыже-коричневые кудри. Часть волос покрывает необычный головной убор золотистого цвета, украшенный колосками, травинками, замысловатой косой и кисточками. Остальные волосы рассыпаны по полуприкрытым плечам. У Арсеньевой светлая кожа с желтоватым оттенком. Изображена юная леди в нежно-голубое платье, обрамлённое по вырезу золотой лентой. Части платья на груди запахнуты одна на другую, на талии собраны более узко. Одеяние девушки кажется лёгким и воздушным, и лишь чуть более массивная золотистая лента придерживает рукав платья, не доходящий и до локтя. В одной руке Екатерина держит жёлтое небольшое яблоко, а на второй надет красивый жемчужный браслет в несколько рядов. На руку, в которой лежит яблочко, накинут тёмно-бирюзовый плащ, проходящий за спиной героини. Сидит Арсеньева немного повернувшись, но смотрит прямо. Руки её свободно сложены и лежат на чём-то. Она выглядит уверенной и довольной. За девушкой изображена часть пейзажа: дерево и небо. Фон не сильно проработан – крона дерева представляет собой тёмный силуэт, а небо переходит от синего к желтоватому оттенку. Задний план не отвлекает от главного персонажа картины – Екатерины Николаевны Арсеньевой. Общий колорит картины – охристо-зеленоватый. Портрет спокойный и умиротворённый, не яркий, в нём всё гармонично, как сквозь дымку. Главная героиня – Екатерина – имеет свой самобытный характер и написана с интересными эмоциями. Девушка кажется мне очень живой и настоящей. Созерцание этого полотна доставляет большое удовольствие, картина восхищает своим обаянием и жизнерадостностью.

Прославленный живописец В.Л.Боровиковский изобразил на портрете 18-ти летнюю Марию Лопухину. По моему мнению, идеал живописца, его представления о женской красоте русской дворянской девушки, барышни был осязательно воплощен в этом знаменитом портрете. Мария Ивановна происходила из древнего графского рода Толстых. Она написана художником в полный рост, немного в полупрофиль, облокотившейся рукой на небольшой выступ – мраморный парапет. Ее лицо юно, миловидно, яркие выразительные карие глаза, напоминающие мне полуулыбку Джоконды Леонардо да Винчи, небольшой аккуратный нос, мягкая, не выделяющееся линия бровей, крупные, розовые чувственные губы, большой подбородок, темно-пепельные волнистые, убранные волосы. Широкую шею обрамляет высокая стойка на светлом платье с большим вырезом на груди, ее талию выделяет широкий, тканевый, голубой пояс с золотыми нитями. Небрежно висящая накидка грязно-розово-сиреневого оттенка сочетается с цветами за ее рукой, обрамленной в несколько рядов золотыми браслетами, гармонирующими с золотыми нитями на поясе. За спиной портретируемой художник изобразил островок пейзажа: здесь крупный ствол какого-то могучего дерева, за которым все погружается в темноту, мрак. С другой стороны картины светло-голубое небо, листья, похожие на кленовые, и необыкновенно крупные колосья пшеницы или ржи в голубых васильках. Образ молодой девушки нежный, расслабленный, приветливый, спокойный, но, в то же время, в ее лице, глазах есть искра кокетливости, игривости, недосказанности. Весь образ Лопухиной необыкновенно поэтичен и отмечен, на мой взгляд, жизненной достоверностью и такой глубиной чувств, какой не знали предшественники в русской портретной живописи. Образ с годами не поблек, напротив, Мария Лопухина продолжала пленять зрителей последующих поколений. Поэт Яков Полонский даже написал об этом портрете Боровиковского такие строки: «Она давно прошла, и нет уже тех глаз, И той улыбки нет, что молча выражали Страданье – тень любви, и мысли – тень печали, Но красоту её Боровиковский спас. Так часть души её от нас не улетела, И будет этот взгляд и эта прелесть тела К ней равнодушное потомство привлекать, Уча его любить, страдать, прощать, молчать.» И, действительно, я считаю, что «красоту её Боровиковский спас». И у меня, и у многих моих одноклассников портрет Марии Лопухиной вызывает чувство восхищения, интереса, равновесия, гармонии молодой девушки с природой и, одновременно, загадочности, притягательности.

Картина Владимира Лукича Боровиковского представляет собой прекрасно-одухотворённый тройной, семейный портрет матери – Анны Ивановны Безбородко и ее родных дочерей – Клеопатры и Любови. По моему мнению, этот портрет относится к наивысшим достижениям в изображении семейства. Мать, женщина средних лет, являлась кавалерственной дамой ордена Святой Екатерины, но в портрете она изображена обыкновенной мамой, матушкой или маменькой, как говорили в стародавние времена. Она является главным, центральным героем картины. Её лицо обыкновенно: большие, выразительные карие, почти черные, глаза, смотрящие прямо на зрителя, черные брови, крупный, прямой нос, выразительные, немного сжатые губы, двойной подбородок, черные кудреватые волосы, пробирающиеся сквозь кружевной светло-зеленый чепчик и такого же оттенка темно-зеленое, изумрудное платье с кружевным верхом в мелкий цветочек. Старшая дочь очень похожа на мать, ласково прижимается к матери, касаясь ее рукой. Она так же черноволосая, черноглазая, чернобровая, очень участливо и мягко взирает на свою младшую сестру. В волосах старшей дочери вставлены миниатюрные розовые цветочки, так модные в эпоху сентиментализма. На девочках изображены живописцем платья с завышенной талией, открытым большим, но целомудренным вырезом – желтого и светлого оттенка. Младшая дочь изображена в полупрофиль, ее лицо практически точная копия старшей сестры, она так же мила и мягка. Главным цветовым и смысловым акцентом в портрете является медальон, который висит на шее матери на жемчужных бусах и который держит в руках младшая девочка. На медальоне изображен отец семейства в красном камзоле, девочка держит его как раз на уровне сердца матери, художник символически показывает сердечную связь всех членов семьи: матери, отца и дочерей. Такого же красноватого оттенка шаль присутствует и в одеянии старшей дочери и соединяется с плечом матери, которая опирается на плечо девочки и приобнимает рукой младшую. Все плотно написано на темном фоне, намекающим на размытый пейзаж. Меня удивляет насколько художник продумал все до мелочей в своем творении, создал такой сложный и одновременно простой, приятный для восприятия зрителей портрет! Для меня особенно привлекательным оказался такой возвышенный и умиротворенный облик семьи начала 19 века, какой ласковой нежностью, чистой взаимной любовью, простотой и добросердечностью веет от образов портрета В.Л. Боровиковсвого! Как нам всем не хватает этих чувств в жизни!

ВЛАДИМИР БОРОВИКОВСКИЙ. ПОРТРЕТ МАРИИ ЛОПУХИНОЙ. В историю русского искусства XVIII век вошел как «век портрета». Владимир Лукич Боровиковский занимает достойное место в ряду признанных мастеров столетия. Существует много примеров огромной прижизненной славы творца и его забвения после смерти. Творческая судьба Боровиковского составляет счастливое исключение, хотя ее нельзя назвать легкой. Не случайно в одном из писем, относящихся к 1808 году, художник писал: «Я уже, хотя, впрочем, молод, но старик». Ему в то время был 51 год. Боровиковский Владимир Лукич, русский художник исторической, церковной и портретной живописи. Художник жил и работал на рубеже восемнадцатого и девятнадцатого столетий. Как мастер, он сформировался в просветительскую эпоху царствования Екатерины Великой. Расцвет его творчества пришелся на краткое и противоречивое правление Павла I, которого называли и «безумным деспотом», и «русским Гамлетом». Боровиковский пережил «дней александровых прекрасное начало», а также нашествие Наполеона и Отечественную войну 1812 года. Художник родился в Миргороде 24 июля 1757, в семье казака Луки Боровика. Отец и два брата, Василий и Иван, были иконописцами, работавшими в окрестных храмах. Под руководством отца учился иконописи. Пройдя воинскую службу, занимался церковной живописью в духе украинского барокко. Случай помог ему расстаться с глухой провинцией. Судьбу Владимира Лукича в корне изменили две аллегорические картины , выполненные для украшения кременчугского дворца, одного из «путевых дворцов», возводившихся на пути следования Екатерины II в Крым. К этой работе его привлек друг, поэт В. В. Капнист (который был сослан за смелые произведения из Петербурга на родную Украину), как предводитель дворянства Киевской губернии составлявший проекты «потемкинских деревень» для торжественных встреч Екатерины II. Картины понравились императрице и польстили ее самолюбию. На одной из них был изображен Петр I в облике землепашца и Екатерина II, засевающая поле, а на другой — императрица в облике Минервы в окружении мудрецов Древней Греции. Царская похвала открыла Боровику дорогу в Петербург. В ранний петербургский период Боровиковский пишет миниатюрные портреты, написанные маслом, но подражающие миниатюре на эмали. Он преуспел и в парадном портрете, немало его произведений в этом жанре почиталось за образцы. К 1790 г. он стал одним из самых знаменитых художников-портретистов, в 1795 г. получил звание академика, а семь лет спустя стал советником Академии художеств. Он сделался известным и даже модным портретистом, на него сыпались заказы от самых высокопоставленных особ, вплоть до членов императорской фамилии. Искусство Боровиковского соответствует философским, эстетическим и религиозным представлениям своего времени. Живописец отдал дань различным стилистическим течениям. До сих пор Боровиковский остается в русской живописи непревзойденным мастером сентиментализма. Вместе с тем, художник ярко проявил себя и как представитель позднего классицизма (ампира). В числе его работ - великолепный портрет Екатерины II, прогуливающейся в Царскосельском саду, портреты Державина, митрополита Михаила, князя Лопухина - Трощинского и огромный портрет Фет - Али Мурзы Кули-Хана, брата персидского шаха, писанный по заказу императрицы в бытность принца посланником в Петербурге. Два экземпляра этого портрета находятся в картинной галерее Эрмитажа, а другой в Академии Художеств. Как художник В.Л. Боровиковский был трудолюбив и скрупулезен. В серии женских портретом наиболее ярко раскрылся его талант: они не так пышны, как мужские, небольшие по размерам, сходны по композиционному решению, но их объединяет нежное душевное чувство и тонкость в передаче характеров. Так случилось, что ни Боровиковский В.Л., ни его учитель Лампи И.Б. не оставили описания своих технических приемов живописи. Также известно, что Владимир Лукич был левша. Стремясь передать внутренний мир человека, Боровиковский обратился к той области чувств, которая была связана с семейной идиллией. В творчестве живописца, который до конца дней оставался одиноким, произведения, в которых воспевались семейные радости, приобрели большое значение. Среди ранних изображений следует назвать эскиз «Семейного портрета» (ГТГ), «Семейный портрет В.А. и А.С. Небольсиных» (ГРМ), представляющих супругов с малолетними детьми. Боровиковский создает особый тип малоформатного портрета, близкого миниатюре, но имеющего свои отличия, как в технике, так и в образном звучании. Как правило, это изображения — в четверть натуры или несколько крупнее, они исполнены масляными красками на картоне, оцинкованных пластинках, реже на дереве. Подобные произведения имеют не прикладной, а станковый характер и свидетельствуют о нарастающем интересе к жанру интимного портрета. В определенном смысле Боровиковский стоял у истоков камерной формы портрета, получившей развитие в рисунках и акварелях О.А.Кипренского, в акварелях молодого К.П.Брюллова и П.Ф.Соколова. В середине 1790-х годов портретист входит в моду, он буквально завален работой. Живописцу приходится дорожить своим временем. «Мне потерять час превеликое в моих обязанностях производит расстройство», — писал Боровиковский брату в Малороссию. Портреты кисти Владимира Лукича нравились не только умением передать сходство с моделью, тонкостью колорита, но и тем, что они отражали новые течения в искусстве. Наиболее ярко талант художника раскрылся в серии женских портретов: О.К. Филипповой, Е.Н. Нарышкиной, В.А. Шидловской и др. Они не столь эффектны, как мужские, небольшие по размерам, порой сходны по композиционному решению, но их отличает исключительная тонкость в передаче характеров, неуловимых движений душевной жизни и объединяет нежное поэтическое чувство. Для прекрасных женских образов Боровиковский создал определенный стиль портрета: поясное изображение, погруженная в задумчивость фигура, опирающаяся рукой на какую-либо подставку, а фоном для томного изгиба тела в светлой одежде служит тихий пейзаж. Идеал живописца, его представления о красоте русской дворянской барышни воплощен в знаменитом «Портрете М.И.Лопухиной» Эта картина стала своего рода визитной карточкой живописца. Художник создает лирическую поэму. Нет, пожалуй, элегию Марии Ивановне Лопухиной, где молодая женщина и природа сольются в единое целое. Написанный Боровиковским в 1797 году портрет Марии Лопухиной принадлежит к числу этапных произведений в развитии русской портретной живописи. Многие историки и люди, которые посвятили свою жизнь изучению искусства, считают, что именно с этой картины в России стало популярно написание портретов. Ведь ранее девяносто процентов художников являлись пейзажистами, и только пять процентов художников занималось написанием портретов. Ведь, именно знатоков, портреты являются самыми сложными и затратными картинами. Не богиней, но поэтической музой изобразил ее Боровиковский. Портрет Лопухиной передает именно те черты этой российской красавицы, которые так притягивали окружающих ее мужчин. Нежность, чуткость и тонкость образа достаточно умело изображены на известном полотне. На портрете изображена Мария Ивановна Лопухина (1779-1803), представительница графского рода Толстых. Мария была дочерью отставного генерала графа Толстого и сестрой не менее известного Федора Толстого. Мария Ивановна была не единственной дочерью в семье, у нее также было 4 сестры: Вера, которая была замужем за капитаном кавалерии Хлюстиным, Анна, фрейлина придворная, Александра, которая была замужем за фон Моллером, и Екатерина, которая была в замужестве за капитаном гвардии Чупинским. И, кроме того, Вера и Екатерина являлись выпускницами Смольного института выпуска 1806 года. Кроме того, Мария имела и двух братьев: Фёдора и Петра. Самой, пожалуй, одиозной фигурой в этой семье был Федор Иванович Толстой, старший брат Марии, по прозвищу «Американец», известный своими дуэлями и приключениями. Однажды он пытался стреляться даже с Пушкиным. Однако тот, дабы не стреляться, неожиданно начал есть черешню и выплевывать из неё косточки. Этот знаменитый эпизод был позже положен Пушкиным в основу сюжета повести "Метель"... И, кстати сказать, Грибоедов увековечил его образ в своей бессмертной комедии «Горе от ума» следующими словами: Но голова у нас, какой в России нету, Не надо называть, узнаешь по портрету Ночной разбойник, дуэлист, В Камчатку сослан был, Вернулся алеутом, И крепко на руку нечист. Сама же Мария Ивановна в 1797 году вышла замуж за Степана Авраамовича Лопухина, егермейстера и действительного камергера при дворе Павла Первого. И именно в этом году был написан знаменитый портрет - по заказу её мужа, в связи со свадьбой. Молодая женщина откровенно счастлива – она молода, здорова, любима и любит. Счастье любую женщину делает невероятно красивой. Правильнее было бы сказать – она знает о своей красоте. И эта уверенность — спокойная, сильная и нежная одновременно. Вот это внутреннее состояние и превращает каждую женщину в красавицу, от которой «взгляд не отвести». Боровиковский уловил это тонкое внутреннее счастливое «я» и смог его показать нам. На момент написания портрета Марии Ивановне было всего 18 лет. По немногим дошедшим до нас воспоминаниям современников можно предположить, что она скорее всего не была счастлива в этом браке, который был заключен с человеком старше её на 10 лет, человеком ничем не примечательным, причём не по любви, а вероятнее всего по воле родителей... Через 3 года молодая жена скончалась от чахотки... Их брак был бездетным. Супруг похоронил её в родовой усыпальнице Лопухиных в Спас-Андронниковском монастыре, в Москве. Это нынешний музей и Центр Древнерусского искусства имени Андрея Рублева, в Таганке, в Москве. Через несколько лет умер и он сам, и был захоронен в этой усыпальнице вместе с ней. Портрет М.И.Лопухиной нередко называют самым поэтичным созданием из всех портретов В.Боровиковского. Марии 18 лет, она совершенно юная особа и хороша собой. Конечно, художника чрезвычайно пленил её облик, он не смог остаться равнодушным созерцателем. Эта молодая женщина таила в себе столько нежности, поэзии, чистоты и красоты человеческого чувства, и вместе с тем, печали и как бы предчувствие трагедии. И трагедия случилась – Мария через три года после написания портрета скоропостижно умерла от чахотки, в то время это была неизлечимая болезнь. Скорее всего, что, позируя художнику, она уже страдала какими-то начальными признаками заболевания, и он знал и видел это. Известно по свидетельствам современников, что Боровиковский очень переживал в связи с её болезнью. А как художник, он просто не мог не поддаться магии и очарованию её образа. В картине ощущается мотив цветов – как символ цветущего, молодого возраста героини. Ведь она сама словно распустившееся нежное растение и здесь ощущается художественное чутье автора. Боровиковский явно был ею пленен, когда писал этот портрет. Чувствуется, что художник вложил часть своей души в это произведение. Но и часть своей печали. В портрете все в согласии, в гармонии друг с другом: тенистый уголок парка, васильки среди колосьев спелой ржи, увядающие розы, непринужденная поза молодой женщины, простое платье, свободно облегающее ее стан, и, конечно, исполненное удивительного очарования прелестное лицо. В утренней свежести кожи, в томности взгляда, в мечтательной улыбке, даже в некоторой неправильности черт Лопухиной есть подлинная красота, красота душевная и лирическая, присущая русским женщинам. Столь же эмоциональна и прозрачна и живописная техника Боровиковского. Кисть легко касается холста, окутывая все воздушной дымкой, тонкие текучие слои краски, тем не менее, с большой пластичностью формируют объемы, распределение переходящих один в другой цветов подчиняется элегическому музыкальному ритму. Глядя на эту картину, возникает огромный диапазон противоположных чувств и мыслей, выражение лица графини каждую секунду кажется иным: то девушка смотрит на тебя с высокомерием аристократки, то, практически, по-детски трогательно. Портрет Марии Лопухиной явился одним из самых жизненных и удачных портретов Боровиковского, в том смысле, что действительно ему удалось передать непосредственный человеческий облик этой юной женщины, что-то живое и магнетически-притягательное, и вместе с тем драматическое в ее лице и взгляде. Особенно во взгляде. Боровиковский, в числе некоторых других живописцев (Федор Рокотов, Дмитрий Левицкий) овладел техникой “писать взгляд”, не просто пустые глаза, но со смыслом, с внутренним выражением. Лопухина смотрит на зрителя задумчиво, но и слегка рассеянно, как бы погруженная в свои мысли, в свою душевную жизнь. И чувствуется в ее живом одухотворенном лице, что эта девушка красива не только внешней красотой, но обладает и умом и сердцем. Всё это художник сумел отразить в портрете, он вложил часть своей души в своё произведение. Ко всему можно прибавить, что портрет технически совершенен с точки зрения навыков живописи – Боровиковский владел техникой “лессировочного” письма. То есть, через верхние красочные слои живописи просвечивают нижележащие слои. Это придает особую нарядность, особую красочность колориту. Портрет вообще красив по цветовому строю. Колорит и его цветовая гамма гармонично строятся на сочетании блеклых, нежных тонов. Это выражено и в цвете пейзажного фона задника, в его нежно-салатовых тонах, и в нежно-лиловом цвете шали, и в голубом цвете пояса, повязанного на талии, и в белом платье Лопухиной. Но это всё детали, хотя и очень важные. Главное, что художник сумел наполнить образ своей модели жизненной достоверностью, глубиной чувств и необычайной поэтичностью. Лопухина одета в простое белое платье с прямыми складками, напоминающее античный хитон. Скромность ее наряда, как бы противостоит декоративной пышности парадных портретов. На плечи Лопухиной наброшена шаль. Наклон фигуры ритмически повторяется в линиях пейзажа, этим приемом художник снова подчеркивает мысль о единстве природы и человека. Лирическая настроенность портрета выражена и в его колорите, легком и воздушном, построенном на приглушенном звучании белых, сиреневых , серебристых и нежнозеленых тонов, пронизанных голубоватыми рефлексами. Боровиковский постарался показать личные стороны характера героини, ее слияние с природой. Лопухина изображена на фоне пейзажа и этот пейзаж связан с обликом героини. Изгиб ее фигуры повторяют склоненные колосья, белые березы отражаются в платье, голубые васильки перекликаются с шелковым поясом, бутоны роз- с нежно-лиловой шалью. Весь пейзаж создан искусственно, для того, чтобы подчеркнуть многообразие качеств Лопухиной- внешних и внутренних. Он перекликается с образом девушки, обозначая гармоничное слияние ее души с самой природой. Ее лицо исполнено очарования и прелести, нежности и мечтательности. Практически никакого жеманства и кокетства в образе Марии, а только естественность и спокойствие. Даже ее поза подчеркивает ее горделивую осанку и умение держаться. Ее взгляд, который как будто следит за каждым, кто смотрит на картину- задумчивый, томный, мечтательный и в то же время-открытый. Ее улыбка, которую многие сравнивают с улыбкой. Темные, как вишни, глаза внимательны и ясны. Отблески света играют на кудрявых волосах. Все полно движения. Она словно обернулась на некий голос. Улыбка озаряет лицо. Пейзаж на заднем плане подчеркивает общее настроение портрета. Все здесь- «полу», все здесь- контрасты и противоречия, незавершенность и многоточие… полуулыбка, полузадумчивость, полупечаль, полунежность. И это вполне соответствует стилистике сентиментализма с его вниманием к тайным чувствам. Виртуозная техника Боровиковского проявляется в удивительном колорите. Он работает разноплановыми мазками меняющейся величины и применяет лессировку, в результате получая дымчатый колорит с поразительной грацией цвета- искусствоведы выяснили, например, что голубой цвет имеет в этой работе семь оттенков. Краски на грунт В.Л. Боровиковский накладывал хотя и плотным, но тонким и ровным слоем, достигая при этом своеобразной вибрации цвета. При написании этого портрета художник предпочитал холодную гамму — лиловато-желтые и белые, бледно-голубые и желтые, притушенные зеленые и пепельные цвета. Фигура М.И. Лопухиной окружена воздушной дымкой пейзажа, но она не сливается с ним, а выступает ясным пластическим объемом, ритмически связана с ним: склоненному торсу и положению руки как бы вторят свисающие ветви и стволы деревьев, изображенные на втором плане. Тонко моделирует формы и неяркий, скользящий свет. Когда смотришь на портрет, создается впечатление, что свет возникает как бы из ничего. На самом деле, цветовая гамма полотна- нежна и переливчата. На обнаженных частях тела краски образуют неровный слой, способный отражать свет. Вот откуда указанное ощущение льющегося света. Гармония изображения во многом достигается за счет продуманной «симфонии» линий, их удвоения и утроения в пространстве картины. Так, например, ствол березы зеркально повторяет чуть наклоненное тело модели, а изогнутая линия левой руки звучит «эхом» ствола и ветвей ближнего «фонового» дерева. Художник придал образу героини обаяние нежности и женственности. Тонко проработанные детали позволяют нам лучше понять замысел художника. Картина покоряет зрителя и свежестью колорита, и гармоничностью художественного образа, и огромной жизненностью. Однако художника особенно привлекают нюансы в состоянии модели, ее ускользающая красота, глубокая грусть души, которые он передает благодаря почти незаметным элементам символики и тонкому колористическому решению портрета. Художник сумел наполнить образ героини глубиной чувств и поэтичностью. Портрет Лопухиной передает самые нежные и тонкие черты этой женщины. Мария Ивановна предстает перед нами бледной и задумчивой, какой и должна была быть женщина эпохи сентиментализма. Яков Петрович Полонский, русский поэт посвятил этому портрету следующие строки: Она давно прошла, и нет уже тех глаз И той улыбки нет, что молча выражали Страданье — тень любви, и мысли — тень печали, Но красоту её Боровиковский спас. Так часть души ее от нас не улетела, И будет этот взгляд и эта прелесть тела К ней равнодушное потомство привлекать, Уча его любить, страдать, прощать, молчать. Нежная и живая красота этой женщины также угаснет, закончится, прерванная неумолимой смертью. А стихи, посвященные этому портрету, звучали и будут еще многие годы звучать, воспевая нетленную красоту и изящность русской красавицы. И это удивительное свойство спасать красоту- одна из важнейших и трогательных черт творчества Владимира Лукича. Во время Пушкина портрет Марии Лопухиной был одной из главных «страшилок». Девушка прожила короткую жизнь, после написания портрета умерла от чахотки через 5 лет, ей было всего 24 года. Ее отец Иван Толстой был мистиком, поползли слухи, что ему удалось заманить дух умершей дочери в портрет. И если молодые девушки взглянут на картину, то умрут. Сплетничали, что этот портрет погубил не менее десяти дворянок на выданье. Портрет, созданный Боровиковским в 1797 году, долгое время находился в собрании родственников. Он хранился у племянницы Марии Ивановны, дочери Федора Толстого. Портрет высоко ценился, как семейная реликвия. И именно в доме дочери Толстого, которая стала супругой московского губернатора Перфильева, этот портрет увидел Павел Михайлович Третьяков в конце 1880-х годов. И на сегодняшний день этим шедевром можно полюбоваться в стенах известной Третьяковской галереи. Очень много полотен написал известный и талантливый художник Владимир Боровиковский. Портрет Лопухиной Марии Ивановны - не первое и не последнее его творение, но случилось так, что именно эта картина стала самой знаменитой и прославленной. Перед этим полотном замирают абсолютно все. В ее образ всматриваются люди любого возраста. Есть в ней что-то особенное. Кем бы ни был человек и как бы просто он ни выглядел, его лик менее прекрасен, чем тот образ, который сохранил портрет Марии Лопухиной. Боровиковский помнил об этом, создавая каждый свой шедевр, и все его полотна хранят частичку его души и тепло его кисти. Эта работа по праву считается вершиной сентиментализма в русской живописи и самым поэтичным творением Боровиковского. Кроме несомненного сходства с прототипом, этот портрет является и воплощением идеала женственности в русском искусстве конца XVIII в. Естественная красота девушки гармонирует с окружающей природой. Это был золотой век русского портрета, а Боровиковский считался его признанным мастером. А. Бенуа писал: «Боровиковский настолько оригинален, что его можно отличить среди тысяч портретистов. Я бы Расцвет его искусства был недолгим — чуть более десятка лет на рубеже XVIII - XIX вв., — но прекрасным. Именно тогда он создал портрет Павла I, статссекретаря Д.П.Трощинского, передающий внутреннюю силу этого незаурядного человека, выбившегося из низов, а также парадные портреты — удивительно красивый и экзотичный портрет Муртазы Кули-xана, пышный портрет А.Б.Куракина, выразительно представляющий человека, которого за любовь к роскоши называли «бриллиантовым князем», а за редкостную спесь — «павлином», портрет Державина, сидящего в кресле у письменного стола, заваленного рукописями. сказал, что он очень русский». Сохранились записки художника, в частности, и относящиеся к тому времени. Он вел дневник, где ежедневно описывал свое нахождение в этой секте Татариновой. И упоминал, чьи портреты церковных деятелей писал, какие религиозные произведения создал… Обдуманность картины, искусное владение кистью, свежесть колорита, умение изображать всевозможные ткани и одежды ставят В.Л. Боровиковского в ряд известных портретистов, хотя он не получил основательного классического образования. В портретах В.Л. Боровиковского видны нежность кисти, тонкий деликатный рисунок, правильность форм и всегда выражение мысли на изображаемом им лице. Портрет Марии Ивановны Лопухиной является самым поэтическим и женственным из всех, созданных художником. Одновременно он обнаруживает сложившийся нравственный и эстетический идеал В.Л. Боровиковского Линии его творчества – религиозная и светская – две его ипостаси, они неразрывны. Из записок видно, что, на первых порах, находясь в секте, он почувствовал какое-то единение людей, которые также пытались в сомнениях и духовных исканиях найти для себя единство с Богом, с религией. И он пытался найти себя в этом по-своему – путем поисков новых религиозных образов. Но со временем художник, видимо, испытал разочарование, находясь в этой секте, даже в его записках это прозвучало. Боровиковский так писал об этом: “Всё мне кажется чуждо: одно высокомерие, гордость и презрение. Ни одного ныне ко мне искреннего. И я ни одного не усматриваю, которому бы хотел подражать”. Это явное свидетельство его горького разочарования и страдания – в том обществе, куда он попал, он не нашел ни истинной веры, ни искренности, ни настоящего дружеского участия. Выйти из этой секты было непросто, существовали какие-то свои законы, свои обстоятельства. Но вскоре секта Татариновой была запрещена и закрыта. И к 1824 году практически все члены выбыли из неё. В 1810-е годы слава Боровиковского, как крупнейшего портретиста эпохи, постепенно начала меркнуть. Новое поколение молодых художников-романтиков начало активно заявлять о себе. В 1812 году в Академии художеств демонстрировались работы Ореста Кипренского, которые сразу снискали огромный успех у публики. Звезда модного портретиста ярко засияла на небосклоне искусства. Мастера восемнадцатого столетия, среди которых был и Боровиковский, постепенно уходили в тень. Образу Марии Лопухиной очень созвучно стихотворение Лермонтова, обращенное не к ней, но такое близкое её облику и её несчастливой судьбе. Окружи счастием душу достойную, Дай ей сопутников, полных внимания, Молодость светлую, старость покойную, Сердцу незлобному мир упования… Я так думаю, что полотно Боровиковского – это воплощение русского идеала женственности в живописи. Нет, идеала не сегодняшнего. Идеала давно ушедшего, но от этого не переставшего быть прекрасным.

«МОНАРХИ С ЧЕЛОВЕЧЕСКИМ ЛИЦОМ». ЭССЕ ПО КАРТИНЕ В.Л.БОРОВИКОВСКОГО «ПОРТРЕТ ЕКАТЕРИНЫ II НА ПРОГУЛКЕ В ЦАРСКОСЕЛЬСКОМ ПАРКЕ» (С ЧЕСМЕНСКОЙ КОЛОННОЙ НА ФОНЕ) (1794). Вы верите, что царские особы бывали похожи на обычных людей? Не рождаются же они сразу со скипетром и державой в руках? Как можно увидеть за помпезностью парадных портретов, оставленных нам художниками-современниками, человеческие черты монарха? На помощь приходят смелые художественные решения таких мастеров портретной живописи, как Владимир Лукич Боровиковский. Его портрет Екатерины Второй на прогулке в Царскосельском парке подарил нам удивительное историческое свидетельство об императрице как женщине. Мы узнаем, что она уже не молода, здоровье начинает подводить ее, посох, на который она опирается, становится ее постоянным спутником. Рядом с ней ее верный четвероногий друг- один из немногих по-настоящему преданных слуг. Здесь Екатерина может быть собой – простой покрой одежды нежного цвета, удобная обувь, уютные шляпа и жабо. Она гуляет в парке, отдыхает и в лучах вечернего солнца, вспоминает, как ей доложили о победе в сражении в бухте Чесма и о том, кто принес ее короне эту победу – о неуткротимом и своенравном царедворце Алексее Орлове, когда-то вместе с братом возведшим ее на Российский престол. Казалось, еще не так давно все они, стоящие сегодня у власти могучей империи, были безвестными, но полными сил и энтузиазма. Потом был переворот, власть, слава, могущество, а молодецкая удаль, силы, красота стали увядать, как неизбежно увядает этот Царскосельский сад осенней порой. Говорят, Екатерине не пришелся по душе портрет работы В.Л.Боровиковского. Может быть потому, что он не льстит ее царскому величеству, а увековечивает ее несколько сентиментальной, стареющей женщиной. Но для нас этот портрет представляет огромную историко-художественную ценность, обогащая образ императрицы новым красками. Гениальность этой работы в том, что автор смог преодолеть время, показать с разных сторон противоречивую личность Екатерины Второй – женщины и императрицы, образ которой на портрете Боровиковский предлагает понять своим современникам и нам – потомкам. Портрет Екатерины Второй в Царскосельском парке близок мне еще и тем, что напоминает другую царственную особу – королеву Англии Елизавету Вторую. Этих двух женщин роднит не только монарший титул, но и любовь к собакам – королевские корги известны всему миру. Через умело подмеченные художественные детали портретов В.Л.Боровиковского мы видим характерные черты личности, соотносим их с нашими современниками. Прекрасно сознавать, что у нас есть такие портреты, сближающие историю и современность.

"ДОЧЬ ГЕНЕРАЛА". ЭССЕ ПО КАРТИНЕ В.Л.БОРОВИКОВСКОГО "ПОРТРЕТ ЕКАТЕРИНЫ НИКОЛАЕВНЫ АРСЕНЬЕВОЙ (1796)". Дочь генерал-майора Н.Д.Арсеньева – Екатерина Николаевна, запечатленная с легкой руки гениального В.Л.Боровиковского, смотрит на нас надменно и кокетливо. Она молода и беззаботна, полнота жизни и радости бьет через край. Ее расслабленная, томная поза, пасторальная обстановка, легкая одежда и летняя соломенная шляпка – отсылают зрителя к знойному летнему дню. Романтический, куртуазный изысканный стиль живописных мазков Боровиковского, написанных в тепловато-зеленоватых тонах, умело выделяет светотональной игрой характер юной, озорной девушки. Яркие желтые элементы – одежда, яблоко – объединяют и усложняют живописную историю, казалось бы, монохромной картины. А красный цвет губ и розовые щечки органично вписываются в зеленоватую атмосферу фона, написанную почти в технике сфуматто великого Леонардо. Пусть легкомысленный образ пастушки не вводит никого в заблуждение, эта девушка – одна из лучших представительниц дворянского сословия, дочь начальника штаба А.В. Суворова. Екатерина Николаевна – одна из знаменитых смолянок – получила лучшее образование, стала фрейлиной императрицы Александры Федоровны. Во всем ее образе сквозит уверенность и самодостаточность, обещая блестящее будущее. В руках у Екатерины Николаевны яблоко – символ молодости, любви, но также это и запретный плод, искушение, которое таит взрослая жизнь. Будет ли оно яблоком раздора или плодом любви – покажет будущее. А пока – ничто не омрачает этого летнего дня и юного лица, смотрящего смело и открыто. И хочется воскликнуть вместе с Мариной Цветаевой : Полновесным, благосклонным Яблоком своим имперским, Как дитя, играешь, август. Как ладонью гладишь сердце… Это органичное соединение природы и человека дарит нам В.Л.Боровиковский – великий художник, умеющий воспеть зримую и незримую красоту.

ЭССЕ ПО КАРТИНЕ В.Л. БОРОВИКОВСКОГО «ПОРТРЕТ ЕКАТЕРИНЫ НИКОЛАЕВНЫ АРСЕНЬЕВОЙ» Мастером портрета и русским художником украинского происхождения являлся Владимир Лукич Боровиковский. Его перу принадлежит множество портретов, но мое внимание приковал портрет Екатерины Николаевны Арсеньевой. Он написан в 1796г. маслом на холсте. Большим талантом автора было не только умение точно передавать черты лица, но и показать характер человека на холсте. Глядя на портрет Е.Н. Арсеньевой я вижу молодую девушку. Выражение ее лица показывает хорошее настроение и беззаботность. О молодости Арсеньевой говорят и юные черты лица, и неподдельная радость, живое выражение лица, и даже «пастушеская» соломенная шляпка, вошедшая тогда в моду. Новой моде соответствует также простое белое платье, затянутое поясом под грудью, с драгоценными перехватами рукавов. Девушка довольна собой и своей жизнью. Она выглядит очень уверенно и гордо за счет кокетливо поднятой головы и шаловливой полуулыбки. Шея и вырез декольте ничем не закрыты, и мы можем увидеть светлую красивую кожу. Обнаженные руки скрещены перед собой. Ее изящность подчеркивает браслет из жемчуга на правой руке и кудри свисающие на грудь. Яблоко в левой руке, соломенная шляпка, на мой взгляд, символ простоты Екатерины. В портрете меня поражает живописное мастерство. Судя по заднему фону, девушка сидит на улице возле молодого дерева. Позади нее ясное голубое небо. Картина выполнена в пастельных тонах, что придают ей воздушность. Яркие краски, которыми он изобразил саму девушку, игриво переливаются и искрятся. А так же более приглушенные цвета для заднего плана – все эти тонкости делают картину будто живой. Такая реалистичность изображений присущая именно В.Л. Боровиковскому. Владимир Лукич Боровиковский любил рисовать молодых девушек, тем самым будто говорил, что нет ничего на свете прекрасней, чем красота юной девушки.

СОЧИНЕНИЕ КОРОВИН К.А. «РОЗЫ И ФРУКТЫ» Мне было предложено на выбор описать одну из картин. Мой взгляд сразу притянула яркая, написанная резкими мазками, картина под названием «Розы и фрукты». Эта картина привлекает внимание к себе своими слаженными цветами и необычным колоритом. Она написана в направлении импрессионизма, тем самым выделяясь на фоне других. А написал эту картину русский живописец-импрессионист Константин Алексеевич Коровин. Родился Константин Алексеевич Коровин 5 декабря 1861 года в Москве, в состоятельной купеческой семье. В 14 лет Константин поступил на архитектурное отделение Московского училища живописи, ваяния и зодчества, через год перешел на отделение живописи. Учился у А.К.Саврасова и В.Д.Поленова. Коровин в 1894 году вместе с другом, художником В.Серовым, совершил путешествие на Север. В результате появились пейзажи: «Гавань в Норвегии», «Мурманский берег» и др. Так же он совершил поездку в Париж в 1887, 1892 и 1893 годах, где познакомился с импрессионизмом. Импрессионизм – это одно из крупнейших течений в искусстве последней трети XIX — начала XX веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру. Представители импрессионизма стремились разрабатывать методы и приёмы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. В 1900-х годах художник активно работал в театре, создавая эскизы костюмов и декораций к операм и балетам. Значительное место в творчестве Коровина занимал Париж. В Париже Коровин увлекся символизмом и, вернувшись в Россию, посещал лекции художника-эстета Н.А.Дурнова, общался с поэтом К.Д.Бальмонтом. Во время первой мировой войны художник работал консультантом по маскировке в штабе русской армии. С 1901 года Коровин и Серов преподавали в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. В 1923 году художник по совету А.В. Луначарского выехал за границу и поселился во Франции. Наряду с даром живописца, Константин Алексеевич обладал и незаурядным литературным талантом. Когда утрата зрения вынудила полностью отказаться от изобразительного искусства, художник продолжал писать рассказы. Коровин скончался в Париже 11 сентября 1939 года. Большое количество работ художника хранится в русском музее. Константин Коровин очень любил розы, он часто писал или ставил в натюрморты именно их. Он первый показал красоты роз, а главное их несомненную художественную образность. В 1910-х годах художник буквально влюбляется в розу, и она становится чуть ли не главной «героиней» его творчества. Коровин создает более 20 произведений, посвященных розам. Сюжеты с розами, не этюды, не эскизы или наброски, на которых обычно «набивают» руку. Это вполне законченные картины. Одна из таких картин имеет название «Розы и фрукты». Она предстала перед широкой публикой в 1917 году. Представленные перед нами на картине цветы сразу завораживают своим необычным, свежим видом. Коровин выделяет розы на холодном фоне с помощью ярких теплых оттенков. Нежные лепестки роз написаны красным, нежно-розовым, бордовым, золотисто-бежевым с голубыми тенями. Окружение цветов имеет преимущественно холодные синие оттенки. Художник выделяет фрукты на столе яркими теплыми оттенками. Вкупе цветы и фрукты создают притягивающую взгляд гармонию тепла и умиротворенности. На первый взгляд может показаться, что холст недоработан. Линии несколько нечеткие и сама композиция не фиксируется на каком-то предмете. Все цветы и фрукты составляют единое целое, мы не рассматриваем их каждый по отдельности. В этом и есть задумка автора полотна. Такой стиль рисунка раскрывает перед нами настоящие эмоции и восхищение идеальной, совершенной красотой. Обратите внимание, как безукоризненно, мастерски исполнена картина. С каким размахом и темпераментом. Несколько сильных и точных мазков кисти – и, казалось бы, самые контрастные, на первый взгляд несовместимые, разбросанные цвета, складываются в единый, неповторимый, глубоко-эмоциональный художественный образ. Розы Константина Коровина, как никакого другого художника, потрясают безудержным, буйным темпераментом, размахом кисти и щедростью красочной фантазии. Они написаны сильно, сочно, броско, более того – чувственно. Они сразу же бросаются в глаза в любом музейном или выставочном зале, даже в самом именитом соседстве вы их узнаете, не читая этикетки под картиной. Перед этим полотном нельзя не остановиться, не восхититься, настолько они эффектны, выразительны и роскошны, настолько наполнены светом, солнцем. Настоящий гимн жизни и счастью! Словом, розы обязаны Коровину триумфальным пришествием в высокое искусство, а они в свою очередь, прославили великого русского живописца.

Сочинение Петров – Водкин « Утренний натюрморт» Кузьма Сергеевич Петров-Водкин - русский художник, теоретик искусства и писатель. Родился в Хвалынске (Саратовская губерния) 24 октября (5 ноября) 1878 в семье сапожника; сумел получить художественное образование при поддержке местных купцов. Учился в классах живописи и рисования Ф.Е.Бурова в Самаре (1895–1897) и Центральном училище технического рисования Штиглица в Петербурге (1895–1897). В 1905 окончил Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где в числе его наставников был В.А.Серов. Посещал студию А.Ашбе в Мюнхене (1901) и частные академии Парижа (1905–1908). В эти же годы много путешествовал по Западной Европе и Средиземноморью, побывал в Северной Африке; позднее большое значение для него имели также крымские и среднеазиатские впечатления. Испытал разнообразные воздействия как современных (французский символизм), так и старинных (живопись Древней Руси и итальянского Раннего Возрождения) традиций. Был членом объединений «Мир искусства» и «Четыре искусства». Жил в Ленинграде, а с 1927 – в Пушкине. Целиком в духе символизма решены уже его ранние картины, где преобладают мотивы легенды или волшебного сна. Монументальным свидетельством творческой зрелости явилось знаменитое полотно Купание красного коня (1912) – простой сельский сюжет превращен (благодаря плавной ритмике форм и звучному локальному колориту) в поэтическое обобщение о судьбах России. Так же воспринимаются картины Мать (1913) и Девушки на Волге (1915). В своих новаторских монументально-декоративных работах. Например : росписи в храме Василия Златоверхого в Овруче, 1910, Морском Никольском соборе Кронштадта, 1913, росписи и витраж в Троицком соборе города Сумы, 1915. Петров-Водкин выступает как замечательный мастер «церковного модерна». Религиозные мотивы порой одухотворяют и его светские композиции 1918 году в Петрограде (с фигурой Богоматери с Младенцем на первом плане), 1920 его все картины – в Третьяковской галерее. В 1910-е годы складывается особая художественно-теоретическая система Петрова-Водкина, где главную роль играет принцип «сферической перспективы», который позволяет ему, изображая натуру в ракурсах сверху и сбоку, передавать ощущение «земли как планеты». По-своему «планетарны», монументально-значительны даже его натюрморты, портреты же воспринимаются как масштабные духовные вехи своего времени. Искренний «попутчик» революции, мастер создал эпически-идеализированные образы Гражданской войны. Но картина 1919 год. Тревога (1934, там же), с питерским рабочим, которого посреди ночи вызывают в ополчение, закономерно воспринимается как предчувствие сталинского «большого террора» с его ночными арестами, а многофигурное Новоселье (1937, Третьяковская галерея) – на тему «уплотнения бывших буржуев» – как сатира на новый быт. Петров-Водкин часто обращался к литературе, особенно в свой поздний период. Романтически-эмоциональны, весьма самобытны по жанру его Хлыновск (1930) и Пространство Эвклида (1933) – своего рода «вымышленные автобиографии», где причудливо сочетаются черты авантюрного романа, теоретического трактата и мемуаров. Плодотворно работал также как художник театра и педагог Академии художеств (1918–1933). К жанру натюрморты Петров-Водкин обратился не в раннем творчестве, а гораздо позднее, чем многие другие художники. Но от этого его картины не утратили художественного своеобразия. Петров-Водкин художник со своим оригинальным взглядом на композиции. Его полотна всегда уникальны, выразительны, с глубоким смыслом. Его перу принадлежит несколько замечательных натюрмортов и «Утренний натюрморт» один из них. Картина « Утренний натюрморт» написана в 1918 году. Натюрморт сам по себе очень ярок и красочен не только по цветовой гамме, а даже по углу виденья. Холст написан в нежной гамме освещенных солнцем тонах. Все, — так же как и во многих других работах мастера, — приближено к глазам зрителя. Вещи и уходят в глубину и не могут уйти. Их форма ясна и определенна. На холсте изображен нехитрый завтрак дачного жителя. На дощатом хорошо обструганном столе чудесного розовато-коричневого оттенка стоят чайник, лежат два яйца , стакан с чаем , букет. Центр стола пуст , он ничем не захламлен.Каждая вещь существует сама по себе , и в то же время замкнута и взаимосвязана с другими предметами, создающими единую композицию. Судя по блеску, который разливается по столу, отражая стоящие на нем предметы, еще раннее утро. Оно свежее и солнечное. Мы можем предположить , что это завтрак на террасе . Деревянный стол, освещенный восходящим солнцем. Именно поэтому у стола красивый бледно – розовый цвет. Он блестит от росы. Никелированный чайник своими кристаллическими четкими гранями светло отражает окружающие предметы. Он начищенный и старинный стоит на гнутых ножках, на нем очень чётко отражается цвета сливок яйцо и деревенский столик. Крышечка чайника лежит рядом с ним, дачник только что заварил чай и не успел закрыть чайник крышкой. Рядом на столе стоит стакан со свежим чаем. Прибор стоит на алюминиевом блюдце, рядом лежит чайная ложечка. Прозрачный граненый стакан «ломает» ложку, лежащую за ним. Однако, подчеркивая эти искажения, живописец как бы выясняет их строгую закономерность, зависимость от реальных свойств предметов. Ограненный чайник и стакан на блюдце художник подобрал не случайно. Они расширяют пространство . В простой , прозрачной вазе также стоящей на столе , цветы приятных желтоватых , синеватых , фиолетовых цветов, с сочно зелеными листами и стеблями. Они очень свежие. Создается впечатление, что человек вот-вот вернулся с ранней утренней прогулки, на которой сорвал эти цветы и тут же поставил их в вазу. Коробок спичек отражается на фонарике, находящемся в углу стола. Фонарик серебристый и ,как и чайник ловит на себе отражения предметов. Петров - Водкин по моему мнению на хочет показать убранство стола , а наоборот его обыденность и красоту. На картине мы также видим большую рыжую собаку. Пес отличается от предметов неживой природы своей одушевленностью. Он не отражает, как холодный никелированный чайник, а смотрит. По началу может показаться , что во взгляде собаки присутствует грусть , но это не так. Собака как преданный друг ждет своего хозяина, чтобы позавтракать. Мы можем предположить, что ее хозяин охотник. Собака напоминает о близком присутствии человека. Хозяин, по – видимому, сидит с другой стороны стола, так как стол виден не полностью. Пес смотрит на простоватый стол и опять автор хочет обратить наше внимание на убранство стола , в одно время простого , но по-своему богатого . На красоту раннего утра , на такие простые вещи которые мы часто не замечаем . Здесь можно увидеть мир глазами человека, который сидит и смотрит на этот стол честными и счастливыми глазами. Он действительно рад и по-настоящему ценит такие обыденный для нас вещи , как жизнь на даче и раннее утро. Смотрит И познает природу. Он не перестает изумленно восхищаться многообразием ее проявлений. Это чувство Петров – Водкин передает средствами своего искусства. Он свято выполняет собственную заповедь: «...холст до последнего мазка должен одрагоцениваться живописью, иначе все, рассказанное на нем, будет не более как предметным наименованием, то есть натурализмом...» На картине все так живо написано , что кажется еще один взгляд и ты уже на том самом месте . Вот ты уже чувствуешь запах цветов , взгляд собаки , эти лучи солнца в отражении чайника. Картина написана так , что зритель, разглядывая работу , будто находится на месте этого человека , сидит вот за таким утренним столом. Автор умело открывает в этой картине свою душу зрителю. Он создает эффект полного присутствия на этой даче. Кузьма Сергеевич этой картины выворачивает душу на изнанку. Вообще вся картина, откровенно говоря, незамысловатая и простая, создает такое приятное ощущение счастья, радости, спокойствия, умиротворения. Его испытываешь после прогулки ранним утром по полю, лугу, лесу или только начинающим свой день улочкам деревеньки; когда переполненный ощущения утренней свежести и чистоты возвращаешься в деревянный дом и принимаешься за простую пищу, которая кажется необычно вкусна после пешей прогулки. Кузьма Сергеевич настоящий волшебник. Вся картина выражает эту борьбу за не умение ценить и заботиться об этой красоте, о счастье. Ведь за чистую мы просто не замечаем элементарные вещи которые всегда с нами и дарят нам счастье. Проходим мимо или не имеем на это времени . Гонимся за каким –то большим счастьем , но не замечаем то , что оно уже с нами в каждом дне нашей жизни , в мелочах. Обернитесь и посмотрите вокруг если вы уже имеете возможность смотреть и видеть красоту утра, закаты и восходы солнца, верных друзей , улыбки близких и просто жизнь то вы воистину счастливый человек.

СОЧИНЕНИЕ ОПИСАНИЕ КАРТИНЫ «НАТЮРМОРТ: ИРИСЫ НА ЖЕЛТОМ ФОНЕ» АВТОРСТВА ВИНСЕНТА ВАН ГОГА Работы Ван Гога оказали огромное влияние на живопись 20 века, и сейчас этот художник-постимпрессионист считается одним из самых великих писателей картин всех времен. Ван Гог был признан намного позже начала своего творчества, но и по сей день он известен во всем мире. Винсент Виллем Ван Гог родился в 1853 году в Голландии, недалеко от бельгийской границы, в семье пастора Теодора ван Гога и дочери продавца книг Анны Корнелии. Он называл свое детство «мрачным и пустым»; односельчане запомнили его как добродушного и скоромного ребенка, три сестры и два брата, в свою очередь – как своенравного, вредного и странного. Винсент меняет множество интернатов, после чего в марте 1868 года мальчик бросает школу, возвращается в отчий дом и остается там. В 1869 году в возрасте шестнадцати лет Ван Гог поступает на работу в филиал парижской художественной фирмы "Гупиль", открывшийся в Гааге. Там он впервые соприкасается с живописью и начинает рисовать. Он постоянно посещает городские музеи и много читает. Все идет удачно до 1873 года, когда его отправляют в лондонский филиал. Спустя два года болезненного одиночества, будущий художник сменяет квартиру на пансион и влюбляется в дочь вдовы, содержащей жилье. К сожалению, художник оказывается отвергнутым. В 1877 году Винсент переезжает в Амстердам к дяде для того, чтобы подготовиться к вступительным экзаменам на теологический факультет. Велика была его радость, когда в 1879 году ему удалось получить должность светского проповедника в Ваме, шахтерском центре в Боринаже на юге Бельгии. Ван Гог понимал Библию слишком буквально. Однако, вскоре он отказывается от обучения и его увольняют, что сказывается на психическом здоровье художника. Винсент впадает в депрессию. Он уезжает в Брюссель и начинает снова обучение при поддержке своего отца Теодора, но вскоре бросает и эту учебу. Также, он испытывает чувства к гостившей в их доме кузине, а после того, как та отвергла художника, он решает покончить с попытками устроить свою личную жизнь и начинает писать картины на постоянной основе. Долгое время Винсент брал уроки живописи у Фернана Кормона; также он знакомится с такими личностями, как Писсаро, Гоген и многими другими художниками. Очень быстро он забывает весь мрак голландской жизни, и быстро завоевывает уважение как художник, пусть признают его и нескоро. В последние годы он пишет множество картин, его творчество начинает расцветать. Его натюрморты становятся более динамичными, пейзажи – то сияющими (Пшеничное поле с кипарисом, 1889), то зловещими, наполненными образами ночных кошмаров (Терраса кафе ночью, 1888). К сожалению, Винсент Ван Гог выстрелил в себя из револьвера на пленэре в 1890 году, и умер от потери крови спустя 29 часов, 29 июля. Свой живописный натюрморт «Ирисы» Ван Гог написал в 1890 году маслом, за несколько месяцев до своей смерти, находясь в это время в больнице для душевнобольных в Сен-Реми. Пышный темный букет размещен на золотистом фоне, который контрастирует с синими ирисами, из-за чего цветы хорошо выделяются. Это сочетание противоположных оттенков позволяет передать колоритность лепестков. Кроме того, с помощью данного приема усиливается насыщенность красочной тональности картины. Однако, горшок практически одного цвета с фоном, и от этого ирисы кажутся каким-то пятном и сразу сосредотачивают на себе внимание зрителя. Безусловно, главными выразительными средствами в этой картине являются линия и колорит. Художник писал будто штрихами, подчеркивая форму цветов и вазы и не сосредотачивая свое внимание на деталях. Станковая картина выглядит динамично, сочно; цветы будто «плывут» или двигаются. Светотеневая моделировка практически отсутствует, из-за чего предметы кажутся плоскими. Также Ван Гог выделяет горшок с цветами черным контуром, тем самым окончательно акцентируя внимание зрителя на букете. Эта картина вызывает у меня смешанные чувства. С одной стороны, она оставляет хорошее и яркое впечатление, с другой – мне грустно смотреть на эту картину, зная об истории Ван Гога и его душевных болезнях. Но я восхищена и картиной, и остальными трудами художника. Натюрморт и вправду выглядит странно, но мне он кажется натуральным и живым; такое чувство, будто художник правда писал «со всей душою», выкладывая свои эмоции и переживания на холст с помощью красок; он писал так, как видел жизнь и окружающее вокруг, и я искренне уважаю Винсента Ван Гога за это, за его открытость и за то, что пусть у него и были такие огромные и невыносимые трудности в жизни, он рисовал со всей любовью и страстью к искусству.

Франс Снейдерс «Рыбный рынок» Сей живописец выходец фламандский. Народ, что занял северную часть. Они в попытке защитить характер протестантский, Вина и крови в ход пустили всласть. Родился Франс в семье отнюдь не бедной, Он вырос в окруженье разных яств. Банкетов видел много, как цветов в букетной Их прелести в обычном ,без лукавств Но перейдем же к картине: Прилавок ломится от живности из моря, А позади теснится ненасытный люд. Толкаясь меж собой и явно споря О том, какую цену в кассу лавки отдадут. Слои толпы тут были разных мастей: И голь и богачи собрались поглядеть товар. Одни, что выбирали щуку позубастей, Другим диковинной заморской представал омар. Опишем толпу немного поподробней: Подставив солнцу оголенное плечо, Взвалив на голову плетенную корзину, Прислуга приобрел продуктов на харчо И как атлас придерживает свод картины. Левее сумасшедший (или трубочист?) Юнец в веселье ,оттопыренные уши. Возможно, он пытается сказать, что чист Пусть и живет, не пробуя, горбуши А в центре лакомый кусочек есть. Пятном он светлым выделяется средь черни. Такие люди норовят забыть про честь, Локтями пробиваясь сквозь любые тернии. Скажу, пожалуй, я о колорите пару слов. Он теплый как погода на холсте, Имеет сероватые оттенки весь улов И погружается он к горизонту в темноте. Пространство здесь закрыто явно. Природы видим только мы клочок, Но все же выбиваясь своенравно, Плывет по небу облаков виток. Движенья ритм построен интересно, Как будто есть стремление у рыбы уползти, Как будто на прилавке слишком тесно И море жуткой лавке захотели б предпочти. Стремился Снейдерс показать красу природы, Ее цвета, фактуры, формы и изгибы тел. Чешуйки рыб и лебединых крыльев своды, Ведь обращаться к важным мелочам - художника удел.