Литературный уголок

ЭССЕ ПО КАРТИНЕ М.Я. БУДКЕЕВА «НА ПАСЕКЕ» Михаил Яковлевич Будкеев родился в Сибири, в Алтайском крае в 1922 году. Он принадлежит к тому поколению советских художников, на долю которых выпали испытания страны. Его молодость пришлась на годы Великой Отечественной войны, которую он прошёл и был тяжело ранен, после войны много работал, творил. Прожив долгую жизнь, был нашим современником. Крупнейший алтайский живописец, Народный художник России, которого называют «патриархом алтайской живописи», М.Я. Будкеев автор многочисленных пейзажей, натюрмортов, портретов. Он практически не писал войну, как многие художники-фронтовики свои картины посвящал мирной жизни, красоте родного края и людям, его населявшим. Картина «На пасеке» один из замечательных его натюрмортов, написанный в начале осени 1982 года. На картине изображён деревянный полок, прикреплённый к деревянной стене избы пчеловода. Внимание зрителя сразу же привлекает большой медный таз, наполненный свежим мёдом, в котором лежат нераспечатанные соты. Перед ним изображены кедровые ветки с шишками, с рассыпанными рядом кедровыми орехами. С левой стороны таза лежит нож с деревянной ручкой, которым срезают сами соты с рамки. Его лезвие в мёде. За тазом стоит ещё нераспечатанная рамка. Над ней под самой крышей дома на стене подвешены две связки ягод калины и рябины. У калины листья тёмно-зелёного цвета, а ягоды красно-багрового. А ветки рябины с оранжевыми гроздьями ягод и золотисто-рыжими листьями, которые опадают на полок. На краю крыши сидит юркая синичка, объедающая ягоды рябины. На заднем плане справа изображена прибитая к стене дощечка, в отверстия которой вставлены две хохломские ложки и вилка для распечатки сот. Под ней на полке стоит пчеловодческий дымарь. Правее от полки расположилась литовка. Вся обстановка, изображённые предметы подробно рассказывают зрителю о труде пчеловода. Стоят тёплые деньки «бабьего лета», природа щедра на свои дары в виде терпких осенних ягод, таёжных орехов и только что накаченного мёда. Эта картина меня привлекла не случайно, поскольку в нашей семье дедушка занимается пчеловодством, и прадед также держал пчёл. Всё своё детство, летние каникулы я провожу в гостях у деда. На пасеку мы едем с братом, сестрой и с дедовым другом - дедом Егором и с собакой по имени Дик. Нам с братом разрешают помочь деду. Когда приходит время для откачки мёда, мы одевали москитные сетки на голову, брали дымарь и дымили в улей, чтобы разбежались пчёлы, а дед тем временем доставал рамки с мёдом. Рамки вставляют в медогонку, и мы по очереди крутим ручку медогонки и слышим лёгкий звук. Это струйки мёда ударяются о стенки и сбегают в резервуар. Комнату сразу наполняет душистый аромат сладкого мёда. Картина навевает это воспоминание о проведённом на пасеке времени, о прошедшем лете, когда ощущаешь даже запахи трав, которые мы собирали на полянах за пасекой, наблюдая за тем, как пчёлы скапливают свою пыльцу на мохнатые задние лапки и летят обратно к своим ульям. На опушке леса растут разные медоносные травы: донник, фацелия, кипрей, осот, клевер, гречиха и другие. На костре мы кипятили чай с чагой и душицей. А потом пили его с мёдом. В солнечную погоду на пасеке стоит пчелиный гул. Сидя в тени деревьев с чашкой душистого чая, наблюдая за летним днём, чувствуешь спокойствие и умиротворение. Картина М.Я. Будкеева очень реалистично передаёт мир пасечника - человека труда, который живёт в гармонии с природой. Она написана живописно в золотисто-тёплых медовых оттенках. Что-то доброе и светлое возникает в душе, когда смотришь на его натюрморт. Я думаю, что художник умел воспринимать и ценить красоту мира в самом, казалось бы, незатейливом его проявлении, ценить радость мирного труда, красоту природы. Именно этому учат его картины, проникнутые любовью к родной земле.

ЭССЕ ПО КАРТИНЕ Н.И. ФЕШИНА «ИЯ С ДЫНЕЙ» Можно ли уместить в одной картине сочность красок и динамичность, объединив их с нежностью и простотой? Николай Иванович Фешин, художник XX века, передал своё видение красоты, создав в серии портретов дочери отображение её, как человека становящегося. Представляя себя как художника виртуоза русской живописи и подтверждая звание. Фешин Н.И., родившись в Казани, окончил высшее художественное училище при Императорской Академии художеств, обучаясь у Ильи Ефимовича Репина. В сравнении с учителем, картины Фешина, словно не подчиняются правилам, но удивительно показывают точные академические формы, а также привитые Репиным технику цвета, форму мазка и интерес ко внутреннему миру изображаемого. В своём творчестве Николай Иванович, как мастер живописи, представляет импрессионизм и модерн, с прослеживающимися основами академии. После эмиграции в США на полотнах художника стали появляться люди разных народов. Он пишет портреты, удивляя живописностью лиц, свободным обращением с магией красок. Любимыми моделями на протяжении всей жизни художника были жена и дочь. Особенно дочь, чьи многочисленные портреты отражали огромную отцовскую любовь. Множество портретов Ии – дочери Николая Фешина, написанные им, воспроизводят разный возраст девочки. Картина «Ия с дыней» была написана в Нью-Йорке, в который переехала семья в 1923 году. Она была написана в духе интерьерного портрета. Мы видим серьёзную девочку девяти лет, в ниспадающем с плеч утреннем платьице, сидящей на столе, на котором рядом расположен натюрморт из экзотических плодов и букетов цветов. Оттенки полотна очень нежные, а где-то словно прозрачные. Но лишь личико блестит румянцем, золотые волосы и фрукты написаны лаконично, сочными и тёплыми цветами. Как можно было бы охарактеризовать эту работу, не будь там фруктов? Нежная, тихая, ясная девочка… Появление таких сочных фактурных пятен - фруктов, лежащих на столе, создают яркость картины и передают живость натурщицы. Отличающая Фешина техника, тянущийся казеиновый грунт и использование на равных с кистями мастихина, создавали живость поверхности холста. Композиция, показанная нам Фешиным, эволюционировала, множество портретов являются стилизованными и костюмными. Но портрет дочери с дыней, наоборот, наполнен простотой, словно утренним ритуалом. Часто прослеживаются в работах Николая Ивановича образы натурщиц, словно не замечающих художника, увлечённых своим делом. Это ещё больше показывает интерес живописца к внутреннему миру человека, показывает, как ему важно было представить человека прекрасного по своей натуре. Композиция картины уравновешена хрупкой красотой девочки и натюрмортом. Милая Ия в тонком одеянии держит в руках упитанную жарким солнцем дыню, перебирая её мякоть в руке. Цветы на заднем плане, красные и белые, стоящие в прозрачном кувшине, словно дотанцовывают вальс, начатый румяным личиком. Девочка выглядит только пробудившейся в ясное, выходное утро. Кто знает, может, хотела она позавтракать, начав день. Но какой там! Отец художник выкладывает фруктовый натюрморт, только принесённый с рынка, и ставит холст. Кладет мазки. Успеть бы, плоды и потускнеть могут... А задумчивый, полный светом ребёнок, остаётся в искусстве на века. О Фешине, столь талантливом художнике, уехавшем из России, с 1920-х годов вспоминали всё реже. На родине о нём стали чаще говорить с 1958-го года, после смерти живописца. Открываются выставки, издаются каталоги. Его идеи и восприятие красоты поражают и будут поражать. Фешин смел пред холстом! Благодаря этому и ценен. Да, жизнь дочери и отца, духовно близких людей, не была всегда беззаботной. Но, не смотря на трудности, на жизненные перипетии, Николай Фешин умел воспринимать красоту мира, одним из воплощений которого был чистый образ его дочери. А сейчас и мы знаем Ию, что так спокойно ощущала мякоть той сочной дыни с полотна.

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования «Детская школа искусств №2» города Новоалтайска Алтайского края ЭССЕ на тему: «Кривоногов П.А. «Победа» Выполнила: Ученица 6 класса ДПОП (6/8) Художественного отделения ДШИ №2 г.Новоалтайска Сим Майя (13 лет) Преподаватель: Кузнецова Ирина Юрьевна Новоалтайск 2020 Картину «Победа» написал в 1948 году известный художник Пётр Кривоногов. Три года художник-баталист работал над созданием «Победы». Я была поражена этой картиной. Художник писал её когда находился на фронтах войны, выступая в роли студийца, так что это произведение не что иное, как собственные его воспоминания о событиях тех лет. Петр Кривоногов встретил День победы у пылающего Рейхстага Берлина. Замысел написать картину в честь величайшей победы родился сразу! Картина «Победа» изначальна была сделанными на самом месте зарисовками, позже уже превращёнными в полноценную яркую картину. На своей картине художник запечатлел самый волнующий и важный для нашей страны день Великой отечественной войны - её завершение, нашу Победу, о чём буквально говорит название. Я вижу полуразрушенные колонны и здания, окутанные дымом затухающего огня. Перед ними же толпой спускаются ликующие солдаты, уже безразличные к пламени и привыкшие к дымной завесе. Они вынесли на своих плечах так много труда и нескончаемого горя ради одного единственного дня, в который в последний раз к небу потянутся ненасытные языки пламени, а среди разрухи и всего ужаса оставленного сражениями засияют улыбки всех их соотечественников. Теперь огонь на картине кажется не более чем пережитком ужасающего прошлого, а радостные солдаты, тем лучом надежды, что подарили нам спокойное время, будущее. Все мужчины, как один тянут свои руки в ярком движении к отчищающемуся небу, над бывшим полем боя. Красный флаги развеваются, а дым движется по диагонали по ветру, всё это даёт картине живое движение и ощущение реальности происходящего. Разные планы на картине, начиная с солдат первого плана, поднимаясь по толпам на ступеньках, постепенно вводят зрителя в происходящее, давая прочувствовать и рассмотреть все эмоции и движения воевавших. В то же время ни одно движение у столь большого количества людей автор не повторяет. Цветовая гамма на картине в основном серая, не выделяется яркими цветами, но всё же из-за светлых тонов, даёт уловить светлое, торжественное настроение в картине. Это момент душевного подъема наших солдат. Момент выстраданной, тяжелой, долгожданной Победы. Меня впечатлило на этой картине то, как художник отображает благодарность за подвиг совершённый нашими солдатами, и выражает надежду на светлое будущее, которое они нам подарили. Произведение П.Кривоногова «Победа» имеет большое памятное значение не только для нашего но и для будущих поколений!

Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования «Детская Школа искусств № 2» г.Новоалтайска Алтайского края ЭССЕ на тему: «Непринцев Ю.М. «Отдых после боя» Выполнил: ученик 5 класса ДПОП (5/6) Художественного отделения ДШИ №2 г. Новоалтайска Шустов Максим (15 лет) Преподаватель: Кузнецова Ирина Юрьевна. Новоалтайск – 2020 Картину «Отдых после боя» написал один из известных живописцев – Непринцев Ю.М. Он создал ее в 1951 году. Автор картины прошел всю Великую отечественную войну, и не понаслышке знал, что это такое. Прочтение поэмы Твардовского «Василий Теркин», в которой главный герой простой солдат, ставший самым любимым солдатом, а также личные чувства подтолкнули его написать эту картину.   На холсте Непринцев изобразил зимний военный лес, когда оружие спит. В лесу группу солдат, которые решили передохнуть, всего их около двадцати человек. Они слушают историю, которую рассказывает солдат, находящийся в центре. Одни из них кушают, другие сели покурить. На лицах солдат не изображено ни боли, ни страха, их лица спокойны, они украшены улыбками. По солдатам даже нельзя сказать, что несколько минут назад они вели ожесточенный бой, были один на один со смертью, боролись за свои жизни, за жизнь каждого из нас. Живописец изобразил их веселыми потому что, он хотел показать, что у бойцов своя, правда, которая не доступна и не понятна противнику. На картине бойцы отдыхаю от свиста пуль, грохота, в их голове нет мысли о раненных однополчан, здесь запечатлена редкая минута тишины и спокойствия. Солдаты на картине разных национальностей и званий, но это для них не важно, ни это объединяет их. Их объединяет любовь к своей родине, общая борьба за справедливость и счастье. Их желание, во что бы то ни стало сразить врага. Картина наполнена оптимизмом, она заставляет верить в победу, в то, что война закончится, и не начнется больше никогда. При написании художник использует больше светлых тонов, это придает торжественность картине. Темные тона, также использованы живописцем, но чистота светлых тонов их побеждает, поэтому картина жизнерадостна. Это картина одно из напоминаний о жестокой войне, о сотнях унесенных жизней. Но посмотрев на нее, не возникает чувства жалости, посмотрев на эту картину, возникает чувство гордости за свою страну, за таких бойцов, как эти, что изображены на полотне. Ни один из солдат не сломлен, каждый из них готов сражаться дальше, до конца. Хочется верить что, ни один из этих бойцов не погиб.

КАРТИНА СЕРГЕЯ ГЕРАСИМОВА «МАТЬ ПАРТИЗАНА» Матусевич Анастасия, Матусевич Антонина Нижний Новгород, МБУ ДО Школа искусств и ремесел им. А.С. Пушкина «Изограф» Мы выбрали для анализа эту картину, потому что она понятна и выразительна. Изображено совсем немного действующих лиц, но художник сумел сказать своим произведением очень много. Он показал простых людей, которые не хотят смириться с властью врагов, передал мужество и гордость крестьянки, сын которой схвачен фашистами. Обоих их ждет смерть, но они готовы встретить ее твердо. Когда создавалась эта картина, Сергей Васильевич Герасимов уже давно был известным художником. Его творческая деятельность началась еще до Октябрьской революции. В 20-х и 30-х годах он написал картины о революционной борьбе, о жизни в колхозе, постоянно работал как пейзажист и занимался рисунком. Его особенно интересовали эффекты освещения в природе. Опыт пейзажиста пригодился при написании этого полотна тоже. Главными персонажами являются трое. Фигуры женщины и фашистского офицера расположены не совсем в центре, каждая занимает свою половину холста. Между ними свободное пространство. В самом его центре находится рука фашиста. Мы смотрим, куда она указывает, и видим молодого парня, которого схватили немецкие солдаты, а позади него стоят жители деревни. Их привели смотреть для устрашения на казнь партизана. Рука фашиста указывает и на деревню, от которой мало что осталось: виднеется полуразрушенная изба и еще какие-то руины. Художник предельно четко выделил главное. Кроме трех основных персонажей, все остальные являются дополнительными элементами композиции, делающими картину еще более убедительной. Между крестьянкой и немцем происходит как бы поединок. Вся ее фигура выражает решительность. Босые ноги твердо стоят на земле. Спина прямая, голова гордо поднята, на лице – презрение к врагу. Женщина ниже фашиста ростом, но смотрит на него сверху вниз, словно на ничтожество. Ее лицо показано вполоборота, так что видны крупные четкие черты, будто высеченные резцом скульптора. Лицо фашиста повернуто в профиль и темным пятном выглядит на фоне светлого неба. На этом лице тоже написана решимость, готовность довести расправу до конца. Это столкновение не просто двух людей, а двух сил. С одной стороны стойкость перед лицом смертельной опасности, чувство чести и сила духа, с другой – выполнение жестокого и бесчеловечного долга. Враг не выглядит здесь ни карикатурно-смешным, ни отвратительно-отталкивающим. Но он бессилен сломить эту женщину. И это очевидно для молодого партизана, который с напряжением смотрит на свою мать. Обе фигуры показаны снизу вверх. Немец – в движении, он олицетворяет грубую и жестокую силу. Женщина абсолютно неподвижна, ее фигура монументальна, как статуя. Эти двое противопоставлены также цветом: темный мундир фашиста и белая рубаха женщины, ослепительно сияющая на солнце. Действие происходит ярким солнечным днем. Чувствуется, что очень жарко. Выжженная солнцем земля стала почти бесцветной. Герасимов проявляет в этой картине блестящее дарование колориста. Когда смотришь на нее, сразу вспоминаешь, что его основным призванием был пейзаж. Высокое небо чуть подернуто легкими облачками. Пейзаж в глубине тает в летнем мареве. Тем трагичнее выглядит то, что происходит на первом плане. Это впечатление усиливается еще и красотой живописи. Невозможно не любоваться красотой цвета. Тени на земле и в складках белой рубахи голубые, словно отражается небо. Легко и свободно написан дальний план. Даже дым от пожара справа написан множеством оттенков и мягко растворяется в небе. Эта великолепная живопись контрастирует с сюжетом и тем усиливает эмоциональное звучание образа. Эта картина – живописный памятник всем безымянным героям, кто не покорился захватчику, сохранил до конца свое достоинство и человечность.

КАРТИНА ЮРИЯ НЕПРИНЦЕВА «ОТДЫХ ПОСЛЕ БОЯ» И ЕЕ МЕСТО В ОТЕЧЕСТВЕННОЙ ЖИВОПИСИ СЕРЕДИНЫ ХХ в. Финкельштейн Екатерина Нижний Новгород, МБУ ДО Школа искусств и ремесел им. А.С. Пушкина «Изограф» Советский художник Юрий Михайлович Непринцев (1909-1996) оставил большое и разнообразное наследие. Он писал картины на тему Великой Отечественной войны, обращался к образу Пушкина, к бытовым сюжетам, занимался графикой. Его деятельность была отмечена высокими наградами. В 1965 г. Непринцев получил звание народного художника СССР, в 1970 г. стал академиком Академии художеств СССР. Почти 50 лет он преподавал в Институте им. И.Е. Репина. Но зрителям он известен как «автор одной картины». Это полотно «Отдых после боя», хранящееся сейчас в Государственной Третьяковской галерее. Необычна история его создания. В первые дни войны Непринцев, в 1938 г. окончивший Институт им. Репина, записался в армию добровольцем. Он участвовал в маскировке Ленинграда от фашистской авиации, служил в морской пехоте, а потом в Политическом управлении Балтийского флота. В литературе говорится, что художник ни разу не принимал участие в бою, не применял оружие. Но все равно, война не обошла, его, как и всех ленинградцев, стороной. Над первым вариантом картины мастер начал работать в 1949 г. и закончил его через два года. Советское правительство подарило его китайскому лидеру Мао Цзедуну. Полотно из Третьяковки было специально написано для этого музея в 1955 г. Различались ли картины, информации об этом найти не удалось. Картина умела поразительный успех. Он обусловлен не только мастерством художника и тем, что он нашел к военной теме свой подход. Картина соответствовала главной линии развития советской живописи послевоенного десятилетия, до начала так называемого «сурового стиля». Непринцев создал образ не героический, а бытовой. Он показал минуты недолгого перерыва между боями, когда солдаты отдыхают, обедают, слушают шутки балагура. Художник показывает, что как бы ни была страшна и жестока война, жизнь продолжается, и даже здесь есть место шутке и смеху. На войне эти недолгие мгновения особенно ценны, как ценны дружба и крепкая шутка, поднимающая настроение. Можно подумать, что изображен не фронт, а военные учения. Солдаты ведут себя так, будто им не приходилось только что смотреть в лицо смерти и не предстоит сражаться в будущем. Красив зимний лес. Даже не сразу замечаешь застывшие на дальнем плане среди деревьев танки. Самим обыденным сюжетом автор утверждает торжество жизни. Как бы суровы ни были условия, эти люди остаются людьми и едут себя естественно. Композицию картины можно сравнить с оркестром, где все инструменты слились в единое целое. Главный персонаж выделен энергичным жестом, которым он сопровождает свои слова, и красным пятнышком кисета, который он держит другой рукой. Больше он ничем не выделяется среди товарищей. Его фигура несколько сдвинута в сторону от центральной оси, что позволило избежать строгой симметрии и сделать композицию живой. Мы видим лица большинства собравшихся солдат – каждое из них индивидуально. Здесь можно вспомнить, что Непринцев был еще и талантливым портретистом. Фигуры расположены почти замкнутым кольцом. Художник сделал разнообразными их позы и жесты: кто-то смеется, запрокинув голову, кто-то внимательно смотрит на рассказчика. Ближайшая к зрителю фигура показана со спины, чтобы не отвлекать наше внимание от рассказчика. И здесь же оставлен никем не занятый промежуток. Это своего рода «вход» в композицию. Он подводит наш взгляд к главному персонажу, которого ничто не заслоняет. Легко представить, что к собравшимся в следующую минуту подсядут еще товарищи. Композиция получилась одновременно компактной, замкнутой и как бы втягивающей зрителя внутрь себя. Тут нет ни одной полностью неподвижной фигуры, и кажется, что в следующую секунду кто-то сменит позу, поправит шапку, ответит балагуру каким-нибудь одобрительным жестом. Так сочетаются строго выверенное построение и естественность ситуации. Композиционное мастерство, на мой взгляд. Является самой сильной стороной этого произведения. Манера исполнения картины предельно реалистична. Каждой фигуре художник уделил максимум внимания, передав все детали. Пасмурный зимний день, и свет рассеянный, поэтому нет контрастов, но каждая фигура написана объемно и осязаемо, вплоть до жесткого сукна шинелей или кожи полушубков. Созданный Непринцевым образ часто сравнивают с поэмой Александра Твардовского «Василий Теркин». Главная причина в том, что взгляды поэта и живописца на войну во многом совпадают: оба показывают не что-то исключительное, не грандиозные сражения, а фронтовые будни. Оба смотрят на войну глазами не историка, а рядового бойца, для которого война на несколько лет стала повседневной жизнью. Оба создали образы, глубоко народные по характеру. Но есть и вторая причина для литературных ассоциаций: в картине Непринцева очень сильно повествовательное начало. Средствами живописи он ведет рассказ. В этом проявилась одна из основных особенностей советской живописи конца 40-х и 50-х годов. В 1930-х гг. в советском искусстве обозначились несколько линий в решении современной темы. У А. Самохвалова и А. Дейнеки советская действительность предстает героизированной и романтизированной. Не случайно их привлекают образы молодежи, спорта, трудовых свершений. Ю. Пименов отошел от своей ранней манеры и стал создавать лирические образы. Третье направление представляют многочисленные картины, посвященные партии, ее деятелям, событиям политической жизни, колхозному строительству, промышленности, написанные в подчеркнуто академическом ключе. Эти огромные полотна тщательно скомпонованы и внешне эффектны. Живопись максимально реалистическая, почти фотографичная. Именно эта последняя тенденция стала преобладающей в послевоенное десятилетие. Яркими примерами могут служить картины Ф. Решетникова. У Непринцева нет стремления к внешней броскости, эффектности, но присутствует обстоятельный рассказ. По его картине школьнику было бы легко написать сочинение, потому что здесь все понятно с первого взгляда и может быть изложено словами. В таком подходе к художественному образу сказалась и подготовка, полученная в Институте им. И.Е. Репина. Учителем Непринцева был И.И. Бродский, портретист, автор известных изображений В.И. Ленина. У Бродского часто имеет место стремление к фотографическому натурализму. Это стремление к максимальной достоверности ситуации и деталей унаследовали его студенты. Примечательно, что соучеником Непринцева был А.И. Лактионов, чье творчество также относится к этому течению в советской живописи. В своей картине Непринцев продолжает академические традиции. В 1920-х гг. происходили различные эксперименты в художественном образовании, но затем произошло возвращение к традиционной подготовке художников. Понятный с первого взгляда сюжет, мастерство многофигурной композиции, четкая координация всех элементов композиции, мастерство рисунка – то, что отличает ленинградскую академическую школу. Все это есть в картине «Отдых после боя», являющейся замечательным документом своей эпохи. Использованная литература 1. Мямлин И.Г. Ю. Непринцев. Л., 1976. 2. Шубина Н. Непринцев Ю. отдых после боя // Юный художник, 1988, № 5. С. 16-17. 3. Юрий Михайлович Непринцев. Каталог выставки. К 70-летию со дня рождения и 50-летию творческой деятельности. Л., 1979.

КАРТИНА АЛЕКСАНДРА ДЕЙНЕКИ «ОБОРОНА СЕВАСТОПОЛЯ». ГЕРОИЧЕСКИЙ ОБРАЗ И ЕГО ИСТОКИ Макаренко Дарья Нижний Новгород, МБУ ДО Школа искусств и ремесел им. А.С. Пушкина «Изограф» Александр Александрович Дейнека одним из первых среди советских художников откликнулся на события Великой Отечественной войны. Картина «Оборона Севастополя» была написана в 1942 году, что называется «по горячим следам». Однако художник создал не репортаж с места событий, а героический образ высокой степени обобщения. Не случайно, когда анализируем это произведение, то видим, что автор опирается и на свой творческий опыт, и на достижения классической мировой живописи. Расцвет творчества Дейнеки пришелся на 30-е года прошлого столетия. Его картины того времени показывают нам веру советского народа в успех нового социалистического государства, светлое будущее. Работы художника в довоенный период ярки и насыщенны эмоциями. Он всегда выбирал жизнеутверждающие, позитивные сюжеты, создал образы людей мужественных, сильных, активных. Часто обращался он к теме спорта. Большинство произведений художника 30-х гг. исполнены в светлой, насыщенной палитре красок. Но с началом войны характер его творчества резко меняется: образы становятся драматичными, светлые краски сменяются мрачными, «военными» тонами. Важно отметить одну особенность: изображая то, что происходит сейчас, художник стремится создать образы, перерастающие отклик на злободневные события. Для воплощения военной темы он избирает, например, жанр пейзажа. В картине «Окраина Москвы. Ноябрь 1941» безлюдный, замерший город приготовился к борьбе. Холодные серые, свинцовые, охристые цвета создают напряженное настроение. В собрании Нижегородского государственного художественного музея есть малоизвестная работа Дейнеки «Фронтовая дорога», написанная в 1942 г. Картина небольшая и проста по мотиву. Дорога уходит вдаль мимо сожженной врагами деревни, у обочины сидит сгорбленная фигурка женщины. Искусствовед Н.И. Шарун писала об этом произведении: «Как мало изображено на этом холстике, мрачноватом, выдержанном в строгой серо-коричневатой красочной гамме, и как много сказано». В «Сбитом асе» Дейнека использует опыт своих экспериментов с перспективой. Но самая трагичная из его военных работ – «Оборона Севастополя». Художник начал работу над картиной в феврале 1942 г. и завершил ее к выставке «Великая Отечественная война», состоявшейся осенью того же года. Потом Дейнека вспоминал, что писал с большим воодушевлением, полностью отдался работе. Импульсом для выбора темы послужил увиденный художником в немецкой газете снимок разрушенного Севастополя. Сыграли роль и впечатления, полученные в начале 1942 г. во время поездки на фронт. Критики отнеслись к произведению неоднозначно. Некоторые упрекали картину за плакатность, схематичность. На мой взгляд, именно ясность композиции, четкое противопоставление двух сражающихся сил делают картину особенно выразительной. Ведь это не документальная хроника, а образ бескомпромиссной борьбы, столкновения благородной мужественности и сил зла. Изображен бой между защитниками Севастополя и немецкими захватчиками, происходящий на набережной. Пространство уходит в глубину постепенно, но передний и дальний план разграничены резким контрастом. За спинами моряков остается узкая полоска земли, только спуск к морю. Им в буквальном смысле некуда отступать, и с первого взгляда понятно, что защитники города готовы отдать жизни за это кусочек земли. Композиционным центром является фигура защитника Севастополя. Собирающего бросить во врага связку гранат. Его фигура показана в динамичном напряжении и вокруг нее оставлено свободное пространство. От этого персонаж кажется еще более могучим и монументальным; художник немного преувеличивает размер фигуры по сравнению с другими. Рядом с ним убитый фашист кажется слишком маленьким. Сюжет картины таков, что здесь невозможны ни статика и симметрия. Композиционная асимметрия в этой картине создается за счет нескольких деталей: силуэтов убитых нацистов, солдата с обнаженным торсом и следующих за ним, образа рукопашного боя между захватчиком и защитником и, как уже ранее упоминалось, непропорциональности фигуры на переднем плане. Именно эта асимметрия создает ощущение яростной схватки. Резко противопоставляя сражающихся, художник использует интересный прием. На первом плане он не показывает фигур врагов, а лишь угрожающе торчащие из-за края холста штыки. Рука немецкого солдата написана так четко и осязаемо, что кажется, будто она на самом деле находится перед твоими глазами. Такой же эффект присутствия создают рана на щеке моряка или его стоптанные ботинки. Дейнека не выписывает мелочно все подробности, но с помощью нескольких деталей создает ощущение, что зритель сам находится в гуще схватки. Сходный прием противопоставления двух сил – воплощающих справедливость и зло – применил в начале XIX в. Франсиско Гойя, изображая казнь участников антифранцузского восстания в Мадриде. На его картине французские солдаты показаны со спины, а группа патриотов, которых они расстреливают, выделена ярим светом. С первого взгляда привлекает к себе внимание фигура в белой рубашке и со вскинутыми руками. Дейнека не копирует испанского мастера, а идет дальше. Он делает композицию еще более динамичной и показывает наступающую массу врагов фрагментарно. Кроме штыков на первом плане, двух трупов и группы солдат на втором плане мы не видим фашистов, но чувствуется, что моряки сражаются с могучим и беспощадным врагом. Цвет в этой картине играет главнейшую символическую роль. Матросы одеты в белоснежную форму, которая на свету кажется ослепительной, враги – в темные серо-зеленые мундиры. Эта разница понятна без всяких пояснений. Стоит обратить внимание на палитру пейзажа вокруг основного действия. Небо – красно-багровое, как высохшая кровь, а дым – неестественно черный. Это сочетание словно напоминает нам ад, хаос, угрозу. Даже море имеет свинцовый оттенок. Эта обстановка – небо, будто бы запятнанное кровью убитых и сажей от пожаров, «испорченное», загрязненное врагами море, разрушенный город – красноречиво говорит об ужасе происходящего, о том, что война аномальна для отношений между людьми. От изувеченного города остались лишь руины, хоть совсем недавно здесь текла мирная жизнь. Рядом с темой героизма и стойкости советских воинов возникает тема войны как самой страшной трагедии. Трагический характер пейзажа особенно очевиден, если вспомнить, что в советской живописи предвоенного времени Севастополь изображался как радостный и солнечный город. Таков он, например, на картине Георгия Нисского «Севастополь. Встреча» (1945) из Нижегородского художественного музея. Видимо, здесь показана та же самая набережная, что и на картине Дейнеки. Мы видим спускающиеся к морю ступени, противоположный берег залива, военный корабль на воде. Все это есть и у Дейнеки. Дейнека не мог не знать картины Нисского: художники были друзьями, а картина «Севастополь. Встреча» получила даже международную известность. Дейнка как бы переворачивает на 180 градусов образ, созданный его другом. У Нисского все залито солнечным светом, матрос вручает букет девушке, дым спокойно поднимается на трубой корабля. У Дейнеки город разрушен, и только белые плиты набережной отдаленно напоминают о его былой красоте. Также нужно посмотреть и на источник света. Свет падает на советских солдат, будто бы озаряя им путь к победе. Фигуры фашистов находятся в тени и видны просто как темные силуэты. Создается впечатление, что немцы уже изначально побеждены в борьбе, которая будет продолжаться еще долгие годы. В «Обороне Севастополя» Дейнека не ставит своей главной целью с точностью изобразить именно оборону этого города. Подобное могло происходить в Одессе, в Керчи, в любом приморском городе. Его полотно – некий собирательный образ борьбы между советским народом и нацистским захватчиком. Солдаты лишены индивидуальных черт, город можно и не узнать. Но само название «Севастополь» заставляет вспомнить о героическом прошлом страны, о создании Черноморского флота, Крымской войне. В одном эпизоде художник сфокусировал идею борьбы за Отечество и выразил ее с отточенной ясностью. У Дейнеки отсутствует карикатурное изображение врага, он не выставляет его посмешищем. Он видит в немцах серьезного врага, но подчеркивает величие советского народа этой непропорциональностью фигуры матроса, его мощью, суровым взглядом, динамикой. Художник показывает самоотверженность советских солдат, предсказывая тем самым победителя в этой жестокой войне. В «Обороне» нашли отражение не только вера в победу, но также и борьба справедливости с тотальной ненавистью, вера в будущее без нацизма, такое же светлое, как и подвиг матросов. «Не знаю, хорошая эта картина или плохая, но кажется, что настоящая», - так оценил автор главное достоинство своей картины. Использованная литература 1. Ионина Н.А. Сто великих картин. М., 2002. 2. Ненарокомова И. «Люблю большие планы…» Художник Александр Дейнека. М., 1987. 3. Сысоев В.П. А. Дейнека. Альбом. Л., 1982. 4. Шарун Н.И. По залам художественного музея. Горький, 1985.

Эссе о картине Ю.М.Непринцева «Отдых после боя» Известно, что замысел картины Юрию Михайловичу Непринцеву подсказали личные наблюдения и переживания военных лет, так как художник добровольцем ушёл на фронт, а также знаменитая поэма А.Твардовского «Василий Тёркин». В 1952 году шедевр удостоили почетной награды - сталинской премии первой степени! Позже эта картина войдет в «Золотой фонд» советской живописи. В картине показаны солдаты, отдыхающие после очередной битвы. Они будто забыли, что идёт война, шутят и смеются. Весело что-то обсуждают, вероятно делятся друг с другом забавными историями. Один сидит молча, задумавшись, другой ест паёк, кто-то поддерживает разговор, а остальные беседуют между собой. Но в любой момент они готовы начать снова сражаться за правое дело. Я считаю, что художник показал в картине широту русской души. Близость смерти не мешает радоваться жизни в эти короткие минуты отдыха, и танки, изображённые на горизонте, не омрачают радостной атмосферы картины. В трудной жизненной ситуации не стоит отчаиваться и унывать, надо продолжать радоваться жизни, даже если это лишь короткие минуты между боями.

Сочинение по картине С.В. Герасимова «Мать партизана» Война… Много скрыто в этом слове, которое часто мелькает среди людей. Это слово будут говорить веками, тысячелетиями, потому что люди всё время жаждут большего: власти, земли, богатства. Так однажды и началась Великая Отечественная война, ставшая для всей страны одним из роковых событий в нашей истории. Наш народ силён духом – все шли на войну и делали всё, чтобы наша страна одержала победу. И, мы победили благодаря бесстрашию и стойкости наших душ и сердец. Но мужество свойственно не только мужчинам, но и женщинам. Именно им приходилось переживать смерти своих сыновей, мужей и отцов, но при этом они трудились, чтобы приблизить конец войны. Великая картина Сергея Васильевича Герасимова «Мать партизана» может нам показать стойкость женщин. Автор данного полотна – советский художник, представитель русского импрессионизма. Сергей обучался художественному мастерству в Московском училище живописи. Его наставниками были К.А.Коровин, А.Е.Архипов и С.В.Иванов. Одно из величайших произведений русской живописи «Мать партизана» Герасимов писал долгие семь лет, начав ещё 1943 году. В центре картины перед нами обычная русская женщина и вражеский офицер. Мы видим, что её дальнейшая судьба печальна, но она стоит уверенно и стойко перед врагом народа. Женщина, облаченная в юбку и рубаху, которая излучает свет, напоминает ангела-хранителя для всего народа. В её собирательном образе выражена вся тоска по своим ушедшим любимым, в большей мере сыновьям, у которых ещё пух на щеках не появился. Позади неё полыхает залитая кровью родная земля, стоят пленные люди и её сын, совсем ещё ребёнок, которого ведут на казнь, а она всё также стоит и испепеляет взглядом офицера. Его фигура и жест приобретает некую скованность смущенность под этим взором. Наверняка если снять его грубую оболочку, мы увидим человечка, трепещущего перед этой сильной женщиной. Мужчина стоит в таком ракурсе, что его челюсть кажется более массивной, придавая ему нечеловеческие черты – он уже не человек, а чудовище. Кто же может быть человеком, когда под его рукою гибнут ни в чём неповинные люди? Да, даже, звери не убивают просто так – такое существо уже и не животное, оно – монстр. Позади мужчины нет ничего кроме клочковатого искристого дыма и трупов людей. Везде где он прошёл теперь царствует хаос, потому что он несёт с собой только смерть и разруху с запахом пороха, крови и гари с металлическим привкусом. А за женщиной стоят люди, хоть и пленённые, но люди. За её спиною всё ещё бьётся жизнь, как птица в клетке, когда за спиной офицера ничего, пустота. Герасимов специально пишет дальше от главных героев картины планы размыто, как этюд. Когда центральные персонажи картины, в особенности женщина, прописаны четко и детализировано. Этот приём позволяет прочувствовать дым, клубящийся в воздухе между фигурами людей, и вместе с контрастирующими одеждами матери партизана и фашиста выделяет их фигуры, приковывая к ним взгляд. Также яркий солнечный свет делает ещё больший акцент на женщине, сосредотачивая всё внимание на ней. Война – это самое ужасное, что может случиться в нашей истории. Последняя самая большая из них унесла миллионы жизней, застлала многие поля, на которых когда-то колосилась пшеница и рожь, гильзами, минами, бомбами, трупами людей и животных, залила всё кровью, разрушила семейные гнёзда, просто дома мирных людей, великие музеи и картинные галереи. А самое главное она лишила многих их горячо любимых родных, разбив сердца и опустошив души. Мы должны делать всё, чтобы такого больше никогда не повторилось. Мы должны оставаться людьми, а не превращаться в монстров.

Эссе Зимина Ростислава по картине П. А. Кривоногова «Победа» Картина «Победа» является самым ярким произведением, посвященное триумфу Советского народа в Великой Отечественной Войне, не только самого автора, но всех художников, когда-либо пытавшихся воссоздать торжество победившего народа, сломившего таки сопротивление фашисткой Германии. В 1939 году Кривоногов П. А. призван в армию, в 1940 году был зачислен в Красноармейскую студию имени М. Б. Грекова. Великую Отечественную войну Пётр Алексеевич прошёл в действующих войсках от стен Кремля до стен Рейхстага. Известен случай военной биографии Кривоногова, когда в самом конце войны военная часть художника должна была двигаться в юго-западном направлении навстречу союзническим войскам. В последствии это воссоединение армий СССР и США у населённого пункта Торгау назвали «встречей на Эльбе». Направление считалось не очень сложным и опасным. Однако Пётр Алексеевич настоял на переводе его в часть, которая двигалась на Берлин, в самое логово фашизма. Путь предстоял очень непростой, но художник посчитал, что принесёт своей Родине, которой он обязан всем в своей жизни, больше пользы именно здесь. Ему не терпелось дойти до самого Рейхстага и лично запечатлеть факт падения нацизма! Все свои впечатления и эмоции вылились на полотно его знаменитого произведения. Картину «Победа» художник создавал целых три года и закончил её только в 1948 году. Старания Петра Кривоногова были по праву высоко оценены. «Победа» была удостоена наивысшей награды в области искусства-Сталинской премии, которая была вручена художнику в 1949 году! Фоном для данного произведения стало полуразрушенное здание Рейхстага. Слабый дым от затухающего пожара символизирует окончание другого пожара, который фашисты разожгли по всему миру. С другой стороны, это напоминание о том, что совсем недавно героические действия советских солдат заставили сильнейшую военную машину в мире капитулировать и признать своё поражение в этой войне. Фигуры победителей, празднующих взятие Берлина, яркие цельные, как бы вверх устремленные, туда где над главным зданием Германии развевается красное знамя победы. Изображение же убитых немецких солдат, беспорядочно лежащих на ступенях здания, размыты и выглядят как куча старого, рваного тряпья. Каждый солдат по-своему празднует это радостное событие: кто-то стреляет в воздух, кто-то подбрасывает вверх головные уборы, кто-то прицепил к своему оружию красную ткань и размахивает ею как флагом. Центральной фигурой картины является советский солдат в телогрейке песочного цвета. В одной руке он держит автомат в другой шапку-ушанку. Рот его открыт в победном возгласе. На лице солдата одновременно проявилась и радость победы в этой войне и боль потерь советского народа. В СССР не было ни одной семьи, которую бы война обошла стороной. В левой части картины выделяется фигура солдата, который смотрит куда-то в сторону. В отличие от своих товарищей, он не проявляет бурной радости. Конечно же его также, как и всех на этой картине переполняют эмоции. Только они где-то внутри, возможно смешались чувством досады за тех, кто был близок к этому дню, но не дожил совсем чуть-чуть, месяц, день, час… Через пролёт лестницы спиной к нему стоит точно такой же солдат, который как зеркальное отражение повторяет позу скорбящего бойца. Художник очень тонко передал все переживания и грустную радость доблестных воинов. Очень много внимания уделено мелким деталям. Чётко прорисованы отверстия от пуль и осколков в шинелях и плащ-палатках наших воинов. Кроме лиц можно также рассмотреть боевые награды и погоны солдат в гимнастёрках. Видно, что плечом к плечу, не взирая на заслуги и звания, победу отмечают рядовые солдаты и офицеры, ведь не только горе, но и радость победы можно разделить на всех. Сегодня картину Петра Алексеевича Кривоногова можно увидеть в Центральном музее Вооружённых Сил Российской Федерации — военно-историческом музее в Москве на улице Советской Армии. Во время работы над описанием «Победы» я проникся душой к данному произведению. Мне бы очень хотелось поскорее увидеть её лично. Почувствовать хотя бы часть тех эмоций, которые испытал сам автор во время работы над ней. Выражаю огромную благодарность Петру Алексеевичу за то, что он сумел донести до нашего поколения небольшую толику правды, которая позволяет нам гордится нашими героическими предками. Мы семьдесят пять лет живём в мире! И это заслуга простых советских людей, потомками, которых мы и являемся. Я горжусь тем, кто я есть и кем были мои прадеды и деды!

С. В. Герасимов, «Мать партизана» К моменту начала Великой Отечественной Воины Сергей Герасимов был уже довольно популярен, большинство его картин посвящены жизни в деревне, как и картина «Мать партизана», созданная в 1943 – 1950. Сергей Васильевич Герасимов – выдающийся русский и советский живописец, представитель русского импрессионизма, мастер книжной иллюстрации, портретист, педагог. Родился в крестьянской семье. Учился в Можайской сельской школе и городском училище повышенного типа. Одни, из наиболее известных произведений художника: «Мать партизана», «Колхозный праздник», «Туча», «Ранняя весна», «Лед прошел». По сюжету понятно с первого взгляда: фашисты захватили деревню и поймали одного из партизанов. Придя ему на помощь, мать пытается защитить своего ребенка. Но на пути ей попадается один из захватчиков, из-за чего наступает конфликт. На главном плане картины изображены мать партизана и фашист. Сама мать очень сильно выделяется из всей композиции. Резкие светотени, хорошо прорисованные складки, все это выдает мастерство художника. По всей видимости она работала на поле и была обычной крестьянкой. На ней надета старая рубашка, мятая и грязная, по которой видно всю ситуацию происходящую в этот момент. Длинная юбка ниже колена, показывающая статус женщины. Босые кривые ноги, стоящие не уверенно, но она держится не подавая вид. Мать партизана стоит в непоколебимой позе, её не пугает все ужасы происходящие вокруг. Образ простой крестьянки, показывает весь могучий дух русский. Хоть она и выглядит достаточно хрупкой, сила вырывается из неё. Её голова гордо поднята вверх, тем самым она показывает что совершенно не боится. Женщина продолжает всем своим видом показывать, что постоит за свою родину, не опустив голову перед захватчиками. Присутствует такое ощущение, что земля даёт ей силы. В её глазах видна печаль и полное презрение, ведь сейчас у неё отберут самое дорогое, что есть в её жизни – сына. Он совсем еще молод и не думаю, что хочет умирать, да и мать не собирается с этим мириться. Все же, это ужасно, и Мать никогда бы не пожелала такого, даже самому злейшему врагу. Другой главный образ в картине очень сильно отличается от первого. Грозный немец с хлыстом в руках, указывающий Матери партизана. Художник попытался показать всю недоброжелательность, что в нем хранится. Тяжелый зеленый мундир, увенчанный медалями. Широкие штаны, что характерно немецкой армии и высокие кожаные сапоги, истертые временем. Массивная челюсть, отличающего его от других, выпирает из всего лица, густые брови собранные в одну точку, показывают его гнев. С одной стороны может быть, он не хотел бы всего этого, но с другой никто не знает истинные намерения этого человека. В любом случае в этой ситуации он не желает добра. По сравнению с Матерью партизана, фашист выглядит жалко. Вырисовывается картина, гордого льва и бесстыдного шакала. Это лучше всего описывает момент происходящий в данное время. Автор выделяет только главных героев, а дальний план он как бы отдаляет от нас. Но это не отменяет факта всего ужасного, что происходит позади. В основном из-за пучины черного дыма ничего не разглядеть. Но видно, как один из захватчиков схватил того самого сына, за которого так смело стоит мать. Он смотрит с тревогой, боясь за свою маму. А еще дальше мы видим таких же простых крестьян, как и наши персонажи. Судя по всему их тоже взяли в плен. Везде разбросан мусор, и деревня полыхает синем пламенем. Под ногами немца лежит человек, исходя из всего мертвый, у него нет сапог, думаю, как и всех ценных вещей. Эта картина вызывает печальные чувства. Ты, как будто разделяешь все эмоции с персонажами: переживание, горечь, разочарование. Она заставляет задуматься, а как же раньше жили люди, как пережили все это. Но ведь на этом жизнь не заканчивалась, люди продолжали брать силу, радоваться моментам, даже если они не большие. Если бы тогда они относились ко всему пессимистически, то не смогли бы одержать победу, не смогли бы дать нам счастливое будущее. За все это остается сказать только одно – спасибо! Герасимов написал замечательную картину, которую я буду советовать всем посмотреть в Третьяковской галерее в Москве, прочувствовав всю мощь русской души.

ЭССЕ ПО КАРТИНЕ ПЕТРА КРИВОНОГОВА «ПОБЕДА» В Рейхстаг, в место, казавшееся, собиравшее в себе всю звериную сущность фашисткой Германии, Петр добрался так скоро, как мог, пред самым действом. Он писал этюд, устроившись в кузове брошенной машины, когда над зданием Рейхстага взвилась победа, когда зашагали пленные звери, когда подняли к мирному солнцу солдаты свои лица… Родился в неясную дату 1910 года в селе Киясово да в губернии Вятской мальчишка, имя было дано ему Петра Кривоногова и жизнь рассекли его навек войны. Первой в очереди была гражданской. В тесные ряды алой армии он, конечно, не становился, слишком был мал, в отличие от одного из братьев, однако щедрая рука разрухи да бурный голод увели за собой много жертв, включая и отца мальчика. Оставшись гурьбой маленьких детей на руках матери, не имевшей и гроша, Петр Кривоногов проиграл ту войну. С тех пор началась новая война в жизни мальчика, однако не было в ней громких политических или четко-социальных мотивов: то была война за жизнь, за возможность проявить себя. Тогда, вынужденный обстоятельствами, мальчишка одиннадцати лет нес тяжелую физическую службу по силам взрослому человеку на батрацких работах. Голод давно истязал его, рядом работал, тяжело вздыхая, брат, и только близость природы покорила его. А в этих самых руках когда-то был карандаш, перед ним – наряженный по-особому братец, и много разных учебных зарисовок выходило из под его инструмента, и гордилась им его мать. Но отдать его на обучение не представлялось возможным, на то попросту не имелось денег. Тогда его родительница, Анна Ивановна, приняла решение отправить его в детский дом, где мальчика хоть как-то могли обеспечить. И так Петр бежал со второй войны. Только недолго мальчик оставался в Сарапульском детском доме. Смелое решения его матери зажгло в нем надежду, и он, подговорив приютских ребят, сбежал. Сбежал в сторону Москвы с верой, что станет там великим художником. Только до Москвы добраться он не сумел – остановился в городке Кинешме, вблизи Урала. Там прошли мирные года беспризорничества с взбивающими пыль в воздух голыми пятами, разными местами, и, наконец, с обучением фундаменту художества у Сергея Коковина, откуда дорога мальчика резко свернула в сторону Ленинградской академии художеств, которую уже юноша оканчивает с отличием. Тогда, когда казалось, что порох и голод, наконец, позади, стало ясно, что аспирантуру Петру Кривоногову придется провести на фронте Великой Отечественной войны. В самом пекле встретил он третью свою войну. По началу, его определили в кавалеристы, но достаточно скоро Петр попал в Красноармейскую студию военных художников имени Грекова, в союзе которых пройдет до самого конца. И вновь он ступал версту за верстой босыми ногами по разрытым рвам, искромсанными гусеницами танков дорогам, обходя ямы подорвавшихся мин на ало-кровавом поле, нес на себе бремя художника-баталиста, с единственной целью: запечатлеть. Лица солдат, смерти, ужаса. Лицо войны. Обтянутую холстом доску он носил с собой, был готов рисовать хоть на бегу, пока вблизи оглушали удары тел о землю. Были его кистями пойманы товарищи, которых уж даже завтра могло и не стать, места военных действий, обращавшиеся в скорые этюды. Это была самая ужасающая, самая суровая война в жизни тридцатилетнего юноши, через которую, тем не менее, шел он с надеждой и верой, шел с ожиданием долгожданной победы. ...На полотне его «Победа» изображено все то, что видел солдат-художник в мае 1945 года, спрятавшись в кузове машины. А видел он народ. Людей не мельтешащих, судорожно прячущихся, голодных и бедных, а скованных в ногах свинцом, будто привязанных к обломленной, расколотой лестнице уверенностью. Огромный пласт людей, фигур, стоящих и скрючившихся на ступенях, изображен на полотнище. Кто-то уже понял настроение, повисшее в воздухе, от волнения горячем. Понял, и взметнулись руки к небу, разрывая светлое пространство темными силуэтами рукавов, с касками, орудием, флагами, с чем, в общем-то, были. И несмотря на разные силуэты, чувство усталой радости от долгожданного сокрушения, которая вновь позволяет поднять конечности, заорать, разрывая связки, о победе, - такое ощущаешь от всякого, на кого посмотришь; все, как единый, как целое, делят эти чувства. Художник взял нейтральный, построенный на мягких плывущих нюансах колорит, приземленные оттенки и получил эффект чего-то знакомого, понятного и узнаваемого, чего не нужно обдумывать лишний раз. В угоду достоверности, автор перенял много деталей из своих этюдов, набросков, чтобы создать не просто чувствительное, трогательное полотно, но и исторически верное. Каждый скол на колонне, ступень были узнаваемы, как и черты ближайших солдат, которых разглядывали их близкие. Мягкий свет падает на ступени и лица, заволакивает бурные фигуры легкая дымка, вздымающаяся вверх пыль, уходящая прочь, в которой тонет свободное пространство позади толпы, оставшееся ненужным сейчас; тонет, как и все прошлое, грозное, звериное, ведь миру теперь светает новое начало. Написание этого полотна стало личной целью Петра Кривоногова, он был, как некогда воодушевлен. И передал он это чувство так явственно, разделяя его - горькое чувство восторга, которым все бойцы, на фронте и в тылу, были охвачены в тот знаменательный миг, после стольких лет испытаний, - показал это чувство художник так честно, ведь и сам, в этот раз, одержал победу.

Эссе по картине С.В. Герасимова “Мать партизана” Зачастую человечество вступало в открытую борьбу между собой, XX век не стал исключением. Великая Отечественная война. Страшное событие обрушилось на людей 22 июня 1942 года на СССР в ходе Второй мировой войны. Все жители страны встали на защиту своей Родины, каждый был готов одержать победу над врагом. Но помимо техники, необходимо было поддерживать моральное состояние солдат. Для того, чтобы сохранить боевой дух, искусство активно развивалось и продвигалось. Представитель каждого вида образного восприятия действительности был вовлечен в дело сохранения и защиты своей страны. Изобразительное искусство стало активным участником в мобилизации духовных сил граждан. Создавались невероятные полотна, на которых сохранялись отпечатки истории. Особо развивался один из методов эстетического выражения, социалистически осознанной концепции мира и человека - социалистический реализм, представителем которого являлся Сергей Васильевич Герасимов - советский живописец, педагог, доктор искусствоведения. Художник принадлежал к русскому импрессионизму, но, несмотря на это он создал большое количество эталонных соцреалистических картин. Картина "Мать партизана", созданная в 1943-1950 годах, является одной из самых драматических работ всего искусства военного времени. Начало написания картины пало на коренной перелом в Великой Отечественной войне, когда инициатива врага перешла в руки СССР и советской армии. Главной героиней произведения Сергея Васильевича стала простая русская женщина. Мать, сына которой пытаются увести войска захватчиков, непоколебима, в ней содержится боль всех матерей, всех, кто отправил своего родного человека на защиту Отечества. Самостоятельность, способность постоять за себя и за родную страну спроецировались в центральном образе, в матери партизана. Женщина с высоко поднятой головой, словно испепеляет фашиста своим сверлящим взглядом. Ее глаза излучают боль и страдания всего народа, выражают всю силу гнева народа на врага. В своем колорите художник выделяет мать с помощью яркого света и красок (влияние импрессионизма раннего творчества Герасимова), что позволяет ей прекрасно контрастировать с окружающим фоном и делает ее композиционным центром. Поза женщины напряженная, но довольно устойчивая. Мать ничего не боится, она как будто закрыла своей грудью все Отечество, дети которого уходят на страшную бойню за свой дом, пытаясь всеми силами защитить его. За ее спиной слабо прорисованы, лишь намечены силуэты людей, все внимание концентрируется только на ней. Ни один мускул на лице женщины не дрогнул, она смотрит фашисту, поймавшего ее взгляд, прямо в глаза, показывая, как бы грубо это не звучало, невероятную скудность его существования. Немец сжался перед могуществом русской женщины, народа, он застыл, не в силах противостоять. Фашист несет боль и разрушение. За ним лежат трупы, полыхает огонь, и вьются клубни дыма. Он принес на мирные земли огромное количество бед, разрушил все, чем дорожил народ, но неожиданная встреча с концентратом народного гнева своей могущественной силой нанесла ему ответный удар. Единственное, что ему оставалось, это неуверенно держать руку в воздухе от оцепенения. Но дорога, на которой они встретились, через разрушенную и сожженную деревню ведет к зеленым лесам, возможно, к озеру, наполненному хрустальной водой, к чистому небу над головой - прекрасным творениям природы. Данный идеалистический образ символизирует не утратившуюся надежду, веру народа в победу и светлое будущее своей любимой страны. Полотно Сергея Васильевича Герасимова, воплотившее в себе героизм советских людей, поражает своей силой, красотой и монументальностью. Оно моментально разжигает патриотические чувства в сердце его зрителя и не дает им угаснуть, каждый раз вспоминая увиденное. Произведение произвело на меня огромное впечатление, еще никогда я так не была восхищена тем, с какой точностью и художник передает мужество и стойкость русских людей в жестокой войне, их силу и веру в лучшее.

ЭССЕ ПО СКУЛЬПТУРЕ ВУЧЕТИЧА Е.В. «СТОЯТЬ НАСМЕРТЬ!» Лесниковой Валерии, 14 лет Сталинградское сражение – одно из самых главных сражений Великой Отечественной войны, важное по значению и многочисленное по жертвам и потерям людей. Оно изменило историю, переломило ход всей Второй мировой войны и закончилось полной победой советских войск. Оно подарило надежду о сокрушении врага. Бои шли двести дней и ночей подряд без передышки. С самого начала битвы город был почти полностью захвачен фашистами, но оборона Сталинграда даже в самой тяжёлой ситуации не прекращалась. Нередко солдатам приходилось драться в рукопашную за каждое здание, каждый дом, поскольку в таких условиях использование огнестрельного оружия было ограничено. Из-за количества потерь считается, что Сталинградская битва самое кровавое сражение в истории человечества. Собрав оставшуюся волю в кулак, наши войска готовили решительный удар по немецкой армии под условным названием операции «Уран». Благодаря этим военным действиям удалось не только разгромить армии противника, но и устроить переполох в Германии. Этой битве посвящено немалое количество памятников, напоминающих нам о тяжёлых и страшных временах, ставших частью генетической памяти народа. Все эти переживания прошедшей войны живописцы, скульпторы, архитекторы будут показывать в своих произведениях на века. Одним из них является памятник-ансамбль «Героям Сталинградской битвы» на Мамаевом кургане в Волгограде, посвящённый героям-защитникам Сталинграда. Мамаев курган пережил сто тридцать пять дней ожесточённых боёв, круглосуточных обстрелов советских солдат, не имеющих конца бомбёжек с воздуха. Автор памятника-ансамбля «Героям Сталинградской битвы» – Евгений Вучетич, который работал над мемориальным ансамблем в Волгограде вместе с другими скульптурами и архитекторами. Вучетич Е.В. с первых дней войны ушел добровольцем на фронт в качестве рядового солдата-пулемётчика, получил звание капитана и после тяжёлого ранения и демобилизации был зачислен в Студию военных художников имени Митрофана Грекова. Он выезжал на фронт, делал документальные зарисовки и этюды, создавал эскизы. Знаменитый мемориал открывает скульптура «Стоять насмерть!» – памятник героизму бойцов, выстоявших в боях благодаря своему мужеству и необыкновенной силе не только физической, но и духовной. Скульптура изображает собой мужчину крепкого телосложения, держащего наготове гранату и автомат, готового нанести выстрел во врага. Фигура солдата в резком повороте поднимается из крепкой каменной глыбы. На камне написаны слова из 227-го приказа «Ни шагу назад!», призывы «Стоять насмерть!», «Каждый дом – крепость!». Герой, несломленный страхом, в его глазах читается ненависть к врагу, сила и решительность стоять и не сдаваться. Словно родная земля сама поднялась с ним навстречу врагам. Он не боится смерти, а только хочет спасти самое дорогое, что есть у человека: Родину, дом, семью. Памятник находится в середине круглого бассейна, символизирующего Волгу, и занимает большую часть площади. По углам площади разбиты аккуратные газоны с посаженными деревьями. Открывается некоторый контраст между динамичной и решительной атмосферой скульптуры воина и спокойным, строгим пейзажем аллеи. Монумент солдата имеет внешние черты маршала Василия Ивановича Чуйкова, командующего шестьдесят второй армией. Войска Чуйкова прославились шестимесячной обороной Сталинграда, за что позже армию стали именовать восьмой гвардейской армией, а Василий Иванович получил Орден Суворова первой степени. Не зря советский скульптор Евгений Викторович Вучетич взял именно Чуйкова за прототип своего героя. Они были знакомы. Вучетич побывал на окровавленных полях войны. Скульптор отлично понимал, сколько нужно решительности, мужества, смелости и высокого чувства ответственности, чтобы руководить армией, находясь в самом пекле сражений. В конце жизни, пронеся память о боях в Сталинграде, Чуйков В.И. писал: «С того места слышится рёв волжских вод, залпы орудий и боль сталинградских руин, там захоронены тысячи бойцов, которыми я командовал …». Бесстрашный командарм Василий Иванович Чуйков (1900-1982), прожив долгую жизнь, сейчас лежит в земле на Мамаевом кургане вместе с воинами своей армии, погибшими в Сталинградской битве. Война не забывается, она оставляет отпечаток в судьбах людей переживших её, память о ней передаётся новым поколениям. Монумент «Стоять насмерть!», как и весь мемориальный ансамбль на Мамаевом кургане, оберегает память о защитниках отечества, погибших за Родину. Евгений Вучетич, создавая монументальную скульптуру, воплотил в ней аллегорический образ советского солдата, отдав дань памяти всем героям войны.

ЭССЕ ПО СКУЛЬПТУРЕ ВУЧЕТИЧА Е.В. «СТОЯТЬ НАСМЕРТЬ!» Прохоровой Екатерины, 13 лет «Никто не забыт и ничто не забыто» Великая отечественная война – пример мужества и массового героизма советских людей, включающая в себя сражения и потери, самоотверженность советского солдата, освободительное наступление на врагов и радость Великой Победы. Первым масштабным поражением вермахта стала Сталинградская битва. Это одно из самых кровавых сражений в истории человечества по количеству потерь воевавших сторон – миллион человеческих жизней (погибшие, пропавшие без вести, умершие от ран). Именно эта битва положила начало коренному перелому в ходе Великой Отечественной войны и всей второй мировой войны. После окончания битвы на Мамаевом кургане хоронили погибших со всего города. Там похоронено около 35 тысяч человек. Мысль о создании памятника в Сталинграде возникла еще в период войны. После окончания войны в благодарность мужеству защитников был объявлен конкурс на лучший проект монумента. В 1959-м году началось строительство. Творцом, «обязанным честью», стал Евгений Викторович Вучетич. Советский скульптор, монументалист, педагог и профессор, а также участник Великой Отечественной войны и подполковник в отставке. По его проекту и под его непосредственным руководством в 1958-1967 годах был возведён мемориальный ансамбль, посвящённый героям Сталинградской битвы, включающий в себя монументальные скульптуры, несколько площадей, захоронения защитников Сталинграда, аллею героев и грот с негаснущим вечным огнём. «Что нам хотелось сказать людям этим памятником на историческом Мамаевом кургане, на месте кровавых битв и бессмертных подвигов? Мы стремились передать, прежде всего, несокрушимый моральный дух советских воинов, их беззаветную преданность Родине. Памятник героям Сталинградский битвы – это памятник величайшему историческому событию. Это памятник массе героев. И потому мы искали масштабные, особо монументальные решения и формы, которые, на наш взгляд, позволили бы наиболее полно передать размах массового героизма», – говорил Евгений Викторович. Мамаев курган, Волгоград… Более 50 лет это постоянное место «стояния» величественной фигуры женщины с мечом, зовущей в бой своих сыновей. Один из основных композиционных элементов памятника-ансамбля «Героям Сталинградской битвы» на Мамаевом кургане – площадь «Стоявших насмерть!». Мужественный, отражающий героизм народа, памятник установлен в честь людей, принявших смерть за Родину. Скульптура воина, поднимающегося из земли, имеет значительное сходство с легендарным Маршалом Советского Союза В.И.Чуйковым, командующим 62-й армией, особо отличившейся героической обороной Сталинграда. Образ солдата, будто восставшего из глубин родной земли, возвышается над окружающим пространством в решительной позе, он держит в одной руке автомат, сжимая кулак с гранатой в другой, готовый отдать жизнь за отчизну. Сразу заметны ярко выраженные черты лица, мощный торс и широкие плечи, как будто высеченные из монолитной каменной глыбы. Скульптура «Стоять насмерть» установлена перед монументом «Родина-мать зовёт» – воздвигнутой из железобетона грозной женщины с мечом, высотой 85 метров. Эта скульптура считается одной из самых высоких в мире, но важно то, что она стоит на вершине кургана, в земле которого лежат останки героев. Битва за Мамаев курган – это пример героической истории Сталинграда, ведь 200 дней шла Сталинградская битва и 135 из них за Мамаев курган. Поднимаясь на вершину кургана, на фоне возрастающей фигуры воина с площади Стоявших насмерть, Родина-мать становится в разы меньше, а то и вовсе скрывается за его торсом. В этом есть смысл. Защитник, будто вырастая из берега Волги (которую символизирует бассейн вокруг солдата), и, срастаясь с землей (железобетонным постаментом), будто черпает силы у русской реки и матери-природы для защиты Родины. Ведь «за Волгой для нас земли нет» высечено на скульптуре и «ни шагу назад» выписывалось в приказе №227, изданном в этот ужасный, но важный период войны. В воине-защитнике отображён образ народа, сражающегося за свой дом и за землю, а в фигуре Родины-матери отображён образ родной страны, зовущей на бой своих сынов. Объединяясь в единую композицию, фигуры женщины и воина дополняют друг друга, призывая людей восстать пред врагом. При виде монументальной женщины, возвышающейся над городом, устремившей меч к небу, видно всё величие бесстрашия и отваги народа. Облекающие столь женское и изящное тело складки ткани, сочетают мужество и страдание, казалось бы, не совсем совместимые черты, но играющие значительную роль, приведшие к победе. Мамаев курган для нас, потомков героев – это священное место. Место памяти и скорби, восхищения силой Духа советского солдата.